¿Hay una mirada y una sensibilidad marcada por las mujeres?
Es un buen momento para hacer una compilación y compartirles el trabajo creativo de siete artistas; todas ellas mujeres entrevistadas en este blog.
Variedad de técnicas, formatos y temas al momento de representar. Dibujo, pintura, cerámica y escultura; un festín para los sentidos.
La pregunta queda abierta.
Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina
1- Trinidad Camargo (Tijuana, México)
En esta oportunidad les presento la obra de la artista plástica Trinidad Camargo nacida en Tijuana, México -la ciudad más importante y poblada del estado de Baja California-. La joven es dueña de un dibujo hiperrealista prolijo, meticuloso, plagado de detalles, de frescura y sencillez. Cada obra la resuelve en promedio, según cuenta, luego de cuarenta horas de trabajo.
Comenzó a desenvolverse en el arte, por raro que parezca, a raíz de necesidades económicas. Desalentada por las sucesivas entrevistas de trabajo que quedaban en la nada, la estudiante de Ingeniería en electrónica, vio en internet la posibilidad de vender sus dibujos y al obtener buenos resultados, decidió seguir adelante. Hoy, a sus 27 años, cuenta satisfecha que logró vivir del arte, de lo que realmente le gusta; y dicta talleres de acuarela y dibujo, para niños y adultos, de forma regular en su ciudad.
“En la Ciudad de México –dice-he escuchado que es muy bueno el circuito artístico, Tijuana no tiene los mismos recursos, tiene el espacio, pero carece de ese tipo de museos, teatros o galerías. A pesar de ello han aceptado muy bien mi trabajo aquí”.
Su actitud frente al arte está gobernada por la idea de dejar fluir al inconsciente profundo; ese que está más allá de lo racional y planificado, que se nos escapa del control total y genera resultados insospechados. El acto creativo de la joven tijuanense, surge al hacer algo con lo que ya está dado en ese área llena de incertidumbres que opera por combinatoria. Su manera de expresarse en la plástica, la forma que tiene de manipular esta gramática, es un dictado de su inconsciente.
Aprendiendo el oficio del color:
“Al estudiar cuidadosamente, la tecnología del color de los sitios mayas (…), y estudiando sus minerales constitutivos es posible proponer una tradición maya de preparar los colores que fue compartida entre grupos de artistas. Es decir, la preparación de pigmentos y los métodos de creación de tonos secundarios indica que hubo sitios cuyos artistas estuvieron en contacto y que ofrecieron el oficio del color al intercambiar conocimientos, constituyendo así una escuela pictórica”, explica Beatriz de la Fuente en su libro “La pintura prehispánica en México”.
Hoy, Trinidad Camargo, además de dedicarse a pintar y la docencia, está innovando en la creación de mezclas de pigmentos y colores a partir de un estudio sobre la tradición que tiene México en esta materia, desde los orígenes indígenas. Ha creado su propia marca y está vendiendo sus productos. Maneja acuarela en solución y en pastilla, oleo para pintar en lienzo y oleo para pintar en cristal o madera, también cuenta con barnices, tiza o pastel en barra.
2- Patricia Sánchez Saiffe (Guadalajara, México)
Comunicadora de profesión, la artista plástica mexicana, Patricia Sánchez Saiffe, nacida el 26 de enero de 1978 y radicada en la ciudad de Guadalajara, estado de Jalisco, se dedica desde poco más de una década a la pintura figurativa mezclando significados y haciendo de cada lienzo una historia única, y al mismo tiempo, mil narraciones distintas a la vez.
“Comencé a pintar a raíz que mi esposo me alentó a hacerlo. Yo siempre desee ser pintora, sin embargo al ir creciendo me decían que tal vez lo que deseaba era el diseño gráfico (debido a que se le podía tomar como una carrera más formal con tintes comerciales). Fue durante el bachillerato que lo estudié como técnica y resultó que lo que realmente seguía deseando no era ser diseñadora, sino ser pintora. Aunque, por azares del destino, terminé cursando la carrera de Ciencias de la Comunicación, estoy muy agradecida con todo lo que he estudiado ya que me han abierto los ojos y me ha generado mayor entendimiento a la hora de dedicarme completamente a mi pintura, pero más agradecida estoy que mi esposo vio en mí mucho antes, lo que soy hoy día. Sin él, difícilmente estaría aquí”, cuenta la creadora, Sánchez Saiffe al referirse sobre sus comienzos en el camino de la expresión artística; de la ejercitación de la mirada.
Si bien la gracia de la infancia, y el misterio y grandeza del Cosmos, atraviesa prácticamente todo su trabajo (inspirada por su hija Regina, que es a su vez su modelo), la pintora expresa: “Para mi es fundamental renovarme en cada cuadro que comienzo. Siempre tengo en mi mente y en mi corazón la razón por la que me dedico al arte: estar realizando mí mejor obra hasta ese momento. Me da pavor maquilar mi propia imaginación”.
Una mujer, con toda la humanidad en el alma y la capacidad para hacer pinturas de calidad. Luz, energía, trazo sin errores y hechos con mano segura, son las características que más se destacan de su arte.
Una obra pictórica contundente y clara, que encierra a su vez todos los misterios e interrogantes del Universo.
3- Gisela Banzer (La Plata, Argentina)
La artista plástica argentina Gisela Banzer (La Plata, 1964) presentó el 10 de marzo su muestra individual “Circo Mitológico” en Buenos Aires. “Desde que empecé a dibujar, cuando era muy chica, sentí una gran atracción por los detalles y la nitidez en la imagen. El estilo realista es inherente a la concepción de mis obras, me ayuda a darle clima a la escena, carácter a los personajes y cierto viso de realidad a lo irreal”, explica.
Se trata de una obra plagada de imaginación en donde los protagonistas son los animales. El trabajo de la artista platense parece perfectamente diseñado y sus partes funcionan en un magnífico conjunto; fluye naturalmente hasta su conclusión, moldeado de tal forma que se sostiene por sí solo.
La experiencia estética que ofrece se convierte para el espectador en el contexto total, un fin en sí mismo.
En la nota no sólo nos referimos a “Circo Mitológico”, la pintora nos compartió sus impresiones sobre el escenario artístico y el rol de la mujer en la pintura; sin dejar de lado lo que nos dijo en el marco de la muestra colectiva“Realismo Argentino” de la que forma parte en Colección Alvear de Zurbarán.
Una artista talentosa y con conciencia ecológica.
4- Celeste Gómez (Buenos Aires, Argentina)
Es estimulante comprobar que existen artistas jóvenes que representan un verdadero soplo de aire fresco frente a tanta improvisación por parte de personas que se hacen llamar "artistas" gracias al generoso escenario que brinda el auto-denominado "arte contemporáneo".
Queriendo ver oficio, habilidad y técnica nos encontramos, explorando las redes sociales, con la obra de Celeste Gómez, joven dibujante argentina, nacida en el año 1988. Vive en Buenos Aires, Argentina y egresada de la escuela de arte “Rogelio Yrurtia”.
Reitero; descubrir en nuestro país buenos dibujantes -y sobre todo jóvenes- es realmente alentador; más cuando somos testigos de un pobre panorama en donde reina la falta de rigor absoluto -tema que hemos destacado en varias oportunidades y lo seguiremos haciendo-.
Por eso mismo, difundir el trabajo de esta nueva camada de artistas, que diariamente tratan de pulir su técnica dedicando muchas horas al dominio del dibujo, es para este blog una obligación. No hay opción. Más cuando ellos se enfrentan a la apatía, el desinterés y rechazo por parte de muchas galerías e instituciones que sólo promueven a los artistas consagrados o internacionales que cotizan dentro del mercado.
“Al artista -expresa Celeste Gómez- no se lo debe dejar esperando, somos personas apasionadas por lo nuestro y necesitamos saber si del otro lado nos leyeron o simplemente nos hicieron a un lado por ser de acá”.
Pero lejos de desalentarse, la joven, en cada dibujo propone un ambicioso recorrido. Su estilo, inspirado por temas mitológicos y cuentos clásicos, con un universo creativo plagado de ninfas, hadas, gnomos, elfos y sensuales mujeres, es un aspecto a destacar porque su visión gótica sobre el arte -y la vida- la ha hecho ir por rumbos menos transitados.
Una obra de arte sin terminar suele ser una pesadilla para muchos creadores. Celeste, en cambio, parece no tener problemas en completar con minuciosidad toda la hoja de papel; no hay lugar para el vacío o el incierto. Sabe cómo resolver, dibujo tras dibujo, hasta el último detalle. La inquietud y sensibilidad es su primer aliento para sumergirse en un trabajo obstinado y meticuloso.
La artista pueda resolver con total espontaneidad el destino de sus personajes oscuros y densos, que van revelándose de a poco con la presencia, en muchos casos, de la manzana; el fruto prohibido. Tiene, por cierto, una prolifera obra; hay gran cantidad de trabajos en su web.
Admiradora de H.R. Giger (1940-2014) es considerada hoy una de las dibujantes jóvenes más interesantes del panorama local.
5- Florencia Scafatti (Mendoza, Argentina)
La belleza y la nostalgia de la mujer es la protagonista en el trabajo de la joven Florencia Scafati, nacida en la provincia de Mendoza, Argentina, en setiembre de 1975.
Dueña de un atractivo lenguaje; dibuja, pinta, talla, ilustra y además es una “hacedora de objetos de cerámica”, como ella misma se describe. "La arcilla es parte de mi ser", agrega.
Admiradora de Frida Kahlo -talento que supo combinar elementos surrealistas, naif y folclóricos-, las mujeres de Scafati si bien tienen gestos cercanos a la tristeza y la melancolía, están totalmente alejadas del horror de la perversidad del mundo. Se resguardan, por el contrario, en una realidad lúdica; suelen estar acompañadas por sirenas, peces y gatos.
Todo su universo se zambulle en los cuatro elementos: agua, aire, tierra y fuego; explorando a través del barro con un interminable entusiasmo los materiales y las técnicas de nuestros ancestros.
Hija de los reconocidos artistas plásticos Marta Vicente y Luis Scafati, Florencia reconoce la influencia que ha recibido por parte de ellos desde su infancia.
La obra, puramente femenina y colorida; detallista y puntillosa es testimonio de la presencia activa y constante que a lo largo de la historia han tenido las mujeres en el arte pese a los constantes obstáculos que han atravesado debido a su género. “No creo mucho en la musa inspiradora o el talento innato, creo en el trabajo de todos los días”, reflexiona.
6- Beatríz García Huertas (San Juan, Argentina)
La escultora argentina, nacida en la provincia de San Juan, Beatríz García Huertas trabaja con los materiales propios del oficio y modela como se ha hecho por siglos la piedra o la madera sometiéndose a las leyes orgánicas de la materia prima elegida.
Dentro de la creación artística y sus infinitas posibilidades, la escultura demuestra especificidades que resultan fascinantes al momento de expresarse: es que el objeto escultórico es tridimensional y ocupa un espacio determinado.
En el Renacimiento se consideraba que un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta lograr que la figura aparezca (así lo explicaba Miguel Ángel cuando le preguntaban por su David).
Por consiguiente, "esculpir" es quitar, saber detenerse, presionar, golpear de un modo certero, pulir y nunca equivocarse porque un golpe mal dado no tiene retorno. Todo esto para que “aparezca” el objeto artístico en potencia.
Las figuras de Beatríz García Huertas saben brotar. La artista plástica sabe elegir cada material para cada obra; característica de todo buen escultor: seleccionar siempre con gran cuidado la piedra o madera sobre la cual van a trabajar. La elección de una madera –por ejemplo- no es solamente por su color, dureza o belleza: el dibujo incorporado en la veta tiene un papel fundamental y saber usarlo es producto de un discernimiento muy adecuado.
La artista expresa total imaginación e impecable factura. Su trabajo trasluce momentos frágiles y melancólicos, de increíble sutileza, como también denota un lado lúdico, más apasionado, suelto y rebelde.
Resultado de una obra hecha a conciencia, segura y tenaz.
7- Adriana Villagra (Ciudad del Este, Paraguay)
El realismo simbólico de la artista plástica paraguaya Adriana Villagra está repleto de poesía. Para ella pintar significa comunicar lo espiritual y trascendente. En sus palabras se manifiesta la inquietud filosófica que envuelve su trabajo, la búsqueda inquietante por la belleza. Para esta destacada pintora, el arte está en la madera vieja, en el alambre entrelazado, en las figuras de papel.
Pero estos objetos no están ubicados al azar en el lienzo: Villagra realiza un estudio meticuloso de cada elemento y le otorga un significado particular. Sus contrastes de luz y sombra, de equilibrio son su principio creativo. Cielos densos, quejosos e inmensos y luces que se filtran, forman una atmósfera única colmada de emociones y sentimientos.
Su obra se encuentra en colecciones privadas de Argentina, Paraguay, Estados Unidos, México y Suiza. Siempre concentra lo bello en la naturaleza, a la que le rinde homenaje a través del realismo, estilo que defiende con convicción. Una obra completa, con cuerpo y espíritu. Una obra tan bella como simple.
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