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viernes, 20 de mayo de 2016

Arturo Esparza: Hundirse en la noche

El artista de lo macabro nos habla del movimiento que integra, sus influencias y el trabajo que lleva a cabo Macabre Gallery, entre otras cosas. El pintor mexicano representa los “nudos del alma” a través de la muerte. “Uno habla, escribe y pinta siempre de sus fantasmas”, expresa.

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com

“¡Hundirse en la noche! Así como a veces se sumerge la cabeza en el pecho para reflexionar, sumergirse por completo en la noche. Alrededor duermen, los hombres. Un pequeño espectáculo, un autoengaño inocente, es el de dormir en casas, en camas sólidas, bajo techo seguro, estirados o encogidos, sobre colchones, entre sábanas, bajo mantas; en realidad se han encontrado reunidos como antes una vez y como después en una comarca desierta: Un campamento al raso, una inabarcable cantidad de personas, un ejército, un pueblo bajo un cielo frío, sobre una tierra fría, arrojados al suelo allí donde antes se estuvo de pie, con la frente contra el brazo, y la cara contra el suelo, respirando pausadamente. Y tú velas, eres uno de los vigías, hallas al prójimo agitando el leño encendido que cogiste del montón de astillas, junto a ti. ¿Por qué velas? Alguien tiene que velar, se ha dicho. Alguien tiene que estar ahí”. 

Este es un fragmento de un texto del escritor checo Franz Kafka (1883-1924) y a quien le toca ser vigía en esta oportunidad es al joven pintor mexicano Arturo Esparza, que presenta una original y atractiva propuesta ligada a lo oscuro y tenebroso. 
Una propuesta además, sugerente y metafórica, que tiene exponentes en todo el mundo y que, así como el desnudo, o el erotismo, ha tenido que lidiar en distintas ocasiones con la censura por parte de galerías y museos. Por parte de cierto público también. “Algunas personas piensan que el arte oscuro es violento, pero es lo contrario. La mayoría de las obras muestran nuestros sentimientos más profundos”, reflexiona el artista. 

Es que "el arte, lo que en él se expresa y se juega, es mucho más que una mera huída de una realidad hostil incapaz de acogernos", tal y como señala el profesor de filosofía Javier Martínez Contreras en su libro sobre Ernst Blonch (1885-1977). 

Huesos, cráneos, flores, herramientas, calaveras y frutas son algunos de los elementos recurrentes que integran la obra de Arturo Esparza, nacido en la ciudad de Torreón, en Coahuila el 27 de noviembre de 1975. Temáticas siniestras, perturbadoras, traumáticas y lúgubres que desnudan nuestras emociones más hondas; aquellas ligadas a la angustia, la soledad, el miedo, el horror o la muerte. Aquellas ligadas al peso de la vida.

Les comparto en la entrevista parte de su trabajo que desentraña el lado más escalofriante de la belleza; el lado más oscuro de la noche. Está ilustrada por supuesto con su obra, y acompañada también por dos textos de su autoría: un curioso sueño que tiene como protagonista a un niña asiática y el poema "Huesos".  




-“El artista siempre va acompañado de la imaginación y de la voluntad”, expresa en su blog. ¿En qué proporción se necesita de cada punto? ¿De qué manera se mantiene “activa”, tanto la imaginación como la voluntad, a medida que la vida transcurre? 

-La imaginación en mi caso es un detonante y la voluntad, la pasión por crear. Creo a través de la literatura, de los sonidos, las voces, el recuerdo, los olores, incluso en el sonido del silencio. Hay una comunión en todas estas cosas que activan la imaginación y la necesidad de purgarlo. Se desatan nudos del alma. Son cosas que están sucediendo en ese momento, experiencias significativas, reveladoras que se van entendido y tomando forma, se crea un universo íntimo, y éste lo encontramos en todas las manifestaciones de la vida, incluso cuando termina.

-Sin duda las artes son los medios más poderosos de que dispone nuestra cultura para dar intensidad a las particularidades de la vida ¿A usted siempre le llamó la atención trabajar sobre lo macabro y lo tenebroso? 

-Desde temprana edad tuve varios acontecimientos con la muerte dentro de la familia y un problema para conciliar el sueño, a partir de esas pérdidas humanas albergue en mi mente pesadillas. Uno habla, escribe y pinta siempre de sus fantasmas, hay gente que le parece macabro o tenebroso mis trabajos, yo no lo veo así. Desde la infancia fui creando esa atmósfera que tiene tintes tenebrosos. No puedo ser deshonesto con mis sentimientos a la hora de pintar y mucho menos complaciente con el público, yo sólo pretendo mostrar mi espíritu.







-El insomnio es un gran tema y creo que es generador de muchas cosas (creadoras y destructivas) para la gente y debe tener un efecto en la obra de un artista. Cioran, Pessoa, García Márquez, Borges, Kafka o Nietzsche, entre muchos otros, han padecido este trastorno… Usted ¿Tiene aún trastornos en el sueño? 

- Desde la infancia he tenido "Terror nocturno". Visiones oníricas mientras duermo, personajes de mentes muy retorcidas, cadáveres, monstruos, pero también sueños parecidos a un poema: 


"En la infancia había una niña asiática que compartía conmigo sandía bajo un árbol de Lila que mi bisabuelo plantó. Ella contaba historias de lombrices y orugas sin nunca quitarse las alas de mariposa que llevaba en sus hombros". A.E.

-¿Hay composiciones suyas que hayan surgido de madrugada? ¿Qué hayan surgido por “hundirse en la noche”, como decía Kafka? 

-Mis primeros trabajos en la plástica eran alucinaciones llenas de terror, trataba de purgar los personajes que se manifestaban, la mayor parte de mi trabajo tiene esa imagen oscura e incluso en mis escritos.

-¿Intenta plasmar en el lienzo el horror, la “pesadilla” que significa no dormir? 

- No, yo trato de plasmar algo poéticamente oscuro.







-“Para que la mente crezca, necesita contenido sobre el que reflexionar”, sostiene Rudol Arnheim ¿En qué cosas suele reflexionar Arturo Esparza? 

-En lo sagrado y la muerte, en la casa paterna, en las cosas que han quedado en el olvido y la poesía.




-En su obra la simple distinción entra la luz y la oscuridad puede ser lo que separe la vida de la muerte ¿está de acuerdo?

-No, no creo. En mi trabajo puede ver eventos oscuros, algo muerto y dolor, pero no trato de poner un clavo en el ataúd.

-Teniendo en cuenta tu gusto por las calaveras ¿qué impresión te causa la conocida "calavera mexicana", tan colorida y popular a su vez en tatuajes, remeras... ¿Y qué te sugiere la estética en general del Día de Muertos, celebración mexicana?

- Aquí en México la Calavera es parte de nuestro folclore. La celebración por el día de muertos viene desde la época de los indígenas de Mesoamérica, tales como los Aztecas, Mayas..., por lo menos durante los últimos 3,000 años. Los indígenas han rendido culto a la muerte y la han concebido como una dualidad de vida, parte del ciclo de la naturaleza. La muerte, era el comienzo del viaje hacia el Mictlán, el noveno y último nivel del inframundo, el reino de los muertos, al llegar los conquistadores introdujeron en nuestra cultura el terror a la muerte y al infierno. Un personaje omnipresente es la muerte en el arte mexicano, protagonista de cuentos y leyendas, un personaje crítico de la sociedad. También suele traer alegría e innumerables reflexiones. El día de muertos es una de las tradiciones más importantes de nuestro país.





-¿Cómo podría describirnos a su ciudad y su escenario artístico? 

- La ciudad de Torreón, Coahuila, es una de las ciudades más jóvenes del país de México y ubicada en el norte del país (en el desierto), es muy conocida por "La ciudad de los grandes esfuerzos" o "La ciudad que venció al desierto". He visto cielos inmensos en ella y también tenebrosos donde todavía los pájaros vuelan, la ciudad tiene un enorme fuego con gente que lo Atiza. En estos últimos años ha habido bastante actividad artística y de gente muy talentosa, tanto en la literatura, teatro, música, pintura... Trabajos de buena calidad. Hay muchos jóvenes que cada vez se inclinan más en la cultura y se han atrevido a ser diferentes. Todo este movimiento que he visto en mi ciudad, es como un día que está empezando a caminar.

-Desde hace ya algún tiempo hay una controversia entre profesores de arte sobre la conveniencia de dibujar fijándose en modelos… Usted ¿Cómo aprendió a dibujar?

-Antes de inclinarme por el realismo, mis trabajos eran más figurativos todo iba fluyendo de la imaginación y el trazo muy suelto. No tenía un conocimiento de técnica y de herramienta. Mis trabajos eran figuras fuera de la realidad, como "Cadáver exquisito", "Báculo", "El esposo infernal", no usaba modelos, me fui inclinando por el realismo para mejorar el dibujo, la anatomía y el color. A veces trabajo con el modelo en vivo o con la fotografía (más en la fotografía cuando es la figura humana). Armo la composición de mi trabajo con modelos que tengo o me encuentro, ya sean huesos, cráneos, flores, herramientas, frutas. Los modelos se acoplan a la imaginación, al tema del cual quiero hablar, al trabajar con el modelo en vivo me ha ayudado bastante a para acercarme más al color, al tono y la luz. No puedo confirmar que ya aprendí a dibujar, ya que constantemente en el trabajo aparecen líneas, sombras, manchas..., que no habías logrado anteriormente, cosas que vas descubriendo en el proceso y aprendiendo de los errores, el accidente suele ser parte también del dibujo, vas aprendiendo cómo intégralo. Vas agudizando el ojo trabajando, a veces la vista toma un papel de juez y verdugo con tus trabajos cuando constantemente estás en actividad y haciendo las cosas consciente.









-¿Qué pintores contemporáneos destaca? ¿Ha tenido “maestros”? 

-Hay un gran número de pintores en todo el mundo hoy en la actualidad muy destacados. Está Toledo, Antonio López, Odd Nerdrum, Gottfried Helnwein, por mencionar algunos nombres. En el 2006 estuve tomando clases en la ciudad de Morelia (México) con Ángel Pahuamba, él me abrió el apetito por seguir dibujando y pintando. Fue muy poco tiempo lo que duré con él, y sólo pude realizar un acrílico titulado Éxodo. Después de dos años tengo mi primera exposición individual en la ciudad de Lerdo, Durango, llamada: "Éxodo". Después de esa exposición me mudo a la ciudad de Guadalajara (México), donde conozco a José Gutiérrez en su taller de Grabado. Él me ayudó a usar la herramienta, la materia y perfeccionar el trabajo.

-¿Qué opinión le merece la nueva corriente conocida como “el arte de la muerte” -impulsada por Damien Hirst- en donde se utilizan cuerpos sin vida –de animales y humanos- para las obras?

-Damian hirst presenta la muerte tal como es. En la muerte hay cosas que se van transformando de memorias y nostalgias, se trata de rescatar lo bello de ella aunque la carne se deteriore.

"Huesos 
Es la persistencia de un recuerdo. La lucha constante de no olvidar tus muertos. Es la carne que no quiere ser huesos ni cenizas, el niño que está frente a una mandíbula, una mandíbula que alguna vez habló. Huesos somos todos y algún día nos levantaremos en un poema y reencarnemos siempre en un recuerdo. Son versos sueltos arrojados al desierto. Son tus huesos en la tierra que duelen como carne abierta, como una trozo de pan y una taza de leche solos en la mesa". A.E.







-¿Le teme a la muerte? ¿Piensa con frecuencia en ella?

- Sí, constantemente pienso en ella, pero no como una Tanatofobia.

-¿Por qué cree que puede ser tan perturbador para el público representar temas ligados a lo macabro o tenebroso?

- Esto sucede por varias razones, por la religión, por a ver experimentado una pérdida, o por el concepto de belleza, lo perturbador de estos temas es muy común en la sociedad. Algunas personas piensan que el arte oscuro es violento, pero es lo contrario. La mayoría de las obras muestran nuestros sentimientos más profundos.

-Sobre el espectador y sus prejuicios ¿Se ha sentido catalogado como un “artista peligroso”? 

- Cuando eres honesto con lo que haces y quieres decir, esto a la vez se vuelve peligroso. Cuando defiendes lo que crees, cuando hablas de la vida, la muerte y la injusticia.





-¿Ha sufrido la censura?

-He pasado por un tipo de censura en algunos Museos y Galerías del país por el tema que manejo en mi obra. El perfil de mi trabajo no encaja con sus espacios. A principios del año pasado tuve una intensa búsqueda para exponer en México, de la cual no tuve éxito. El fundador de Macabre Gallery (la primera galería de arte oscuro) Alberto Sisí, me hizo la invitación de exponer en Dublín, Irlanda. Mi obra fue mostrada junto con otros artistas del mundo siendo la primera exposición de arte macabro en Europa y yo el único mexicano. A finales del año pasado volví a exponer en Dublín.

- Sin duda lo de Macabre Gallery es un mérito. Ahora bien, que sea la única especializada en "arte oscuro" confirma lo particular y original de la propuesta de sus artistas ¿no crees?

- Macabre Gallery, nació en octubre de 2009 como un soporte mediático que daba a conocer diversos artistas del mundo oscuro en cualquier rama del arte. Una fuente de información para todos los seguidores del arte oscuro y alternativo, así como una fuente de inspiración para otros artistas. Gracias a su fantástica acogida por parte del público, Macabre Gallery inauguró la primera galería de arte especializada en arte oscuro contando con la participación de artistas de todas partes del mundo. La misión es difundir este arte como el nuevo movimiento de arte. Después de años de pop art, arte contemporáneo, o arte minimalista, llega el momento del arte oscuro. 

-¿Qué propone el arte oscuro en términos generales?

-Nuevos sentimientos, nuevas sensaciones, nuevas emociones, nuevos temas y nuevos artistas. Arte puro sin límites ni tabúes. En este movimiento el artista transmite sus pensamientos de una manera muy misteriosa y, ocasionalmente, combinada con elementos surrealistas. Actos horribles y escenas macabras que nos hacen pararnos y pensar sobre nosotros mismos. Imágenes visualmente impactantes, donde el negro predomina sobre los colores. Un intento de comprender más profundamente la naturaleza humana, esa parte primaria del ser humano que creíamos olvidada pero que todavía nos confunde con sus impulsos. 

- ¿Qué tradición tiene el movimiento?

-El movimiento oscuro (Dark Movement) basa sus raíces en el legado de grandes artistas de la historia como El Bosco, Pieter Brueghel, Francisco de Goya, Bouguereau, Caravaggio, Théodore Géricault, Salvator Rosa, Francis Bacon, Henry Fuseli, Salvador Dalí, Zdzisław Beksiński o H.R. Giger, entre muchos otros.



- Sería ingenuo pensar que quienes disfrutan de propuestas como la tuya son personas con una percepción negativa del mundo y de la vida que formen parte de una subcultura gótica o durk…

- En la literatura hay autores como Poe, Baudelaire, Rimbaud, Lovecraft, Artaud, Leopoldo María Panero... En la plástica los ya mencionados que por generaciones se siguen leyendo y viendo sin tener nada que ver con la subcultura Gótica o Dark.


- Por último: Si tuviera que pensar en una pintura que siempre le te haya causado profunda admiración ¿cuál eliges y por qué? 
- "El poeta tendido" de Marc Chagall. La escena me recuerda a unas palabras de mi padre: "Todo es tan tranquilo y el aire más puro. Podríamos tener una vida despreocupada y alegre". 




"El poeta tendido" del pintor francés Marc Chagal (1887-1985)



Sobre el pintor:


Nombre: Arturo Esparza 
Fecha de nacimiento: 27 de noviembre 1975
Lugar de nacimiento y Lugar en el que está radicado: Torreón, Coahuila. Actualmente: Guadalajara, Jalisco. 
Estudios formales: Autodidacta 

Menciones/Reconocimientos:

2002 - Segundo lugar en el concurso "Día internacional de la mujer". Ciencias políticas de la UAC Torreón, Coahuila. 
2003 - Mención honorífica en el concurso "Pinta tu música". Radio Torreón XHTOR FM. Torreón, Coahuila.
2011 - Segundo lugar en el concurso "Pinta tu música". Radio Torreón XHTOR FM. Torreón, Coahuila. 
2014 - Finalista del concurso nacional Julio Castillo. Ciudad de Querétaro. 


Sus gustos: 

Un libro: El horla de Guy de Maupassant 
Un grupo de música o un solista: Pink Floyd
Un disco: "Wish you were here", Pink Floyd 
Una película: El muro, Pink Floyd 

Contacto: 







2 comentarios:

  1. Lorenzo de Montecarlo21 de mayo de 2016, 19:17

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