Hernán Miranda: “El arte requiere de exigencias para ser trascendente”

El artista paraguayo, radicado en Florida, repasa su trayectoria, nos comenta sus próximos proyectos y nos habla de su inserción en los mercados internacionales.  Recuerda además los inicios de su carrera. Se trata de un pintor que concibe el arte tanto desde lo intelectual, como desde el oficio. 

Por Lic. Camila Reveco

camilareveco.mza@gmail.com 

Argentina

El pintor Hernán Miranda nació en la ciudad de Concepción, Paraguay en el año 1960 y desde el 2006 está radicado con su familia en Florida, Estados Unidos.
Un hecho clave para desarrollar su carrera artística fue haber ganado un concurso de dibujo al que se presentó como aficionado; le otorgó visibilidad y significó un impulso vital para dedicarse de lleno al arte.
Eligió desde el comienzo expresarse a través del lenguaje que ofrece el realismo, estilo que ha sabido permanecer a través del tiempo aún en momentos de supuesta "ruptura", "novedad" y "liberación" en donde prima el "todo vale".
“El arte –explica, Hernán Miranda- requiere de ciertas exigencias para ser trascendente, sino pasa a ser nada más una manifestación pasajera”. Seguro, una manifestación pasajera llena de oportunistas. Por eso mismo rescatar el trabajo de esta nueva camada de realistas del siglo XXI es fundamental para revalorizar el oficio y la técnica.
¿Qué expresa esta generación? ¿Qué tienen para decir los nuevos pintores? El cineasta italiano Pier Paolo Pasolini (1922-1975) dijo en una oportunidad que "no existe un realismo que sea válido para todas las épocas. Cada época tiene su propio realismo porque cada época tiene su propia ideología". No existe por lo tanto un único realismo, sino que existen muchos posibles realismos. Todos y cada uno están sujetos a los cambios culturales marcados por la historia.

El caso Hernán Mirada:

Tal y como indica en su web oficial, Hernán Miranda, obsesionado con la luz de los pintores “tenebristas”, estudió a los maestros como Rembrantd, Caravaggio, Vermeer, como así también Sánchez Cotan, Giorgio Morandi y especialmente al español Antonio López, figura fundamental del arte realista contemporáneo. Por eso mismo la luz ocupa un lugar preponderante en todo su universo pictórico.
El artista cree en el “efecto” y “afecto” visual, mecanismo a través del cual el espectador llega a su obra de un modo directo y sencillo, sin dejar de lado la estimulación de la percepción visual, resultado de una composición rica y estudiada en todos sus detalles.
Su obra, demuestra que Latinoamericana es cuna de pintores de primerísimo nivel en el mundo.

-¿En qué momento entra en contacto con el arte?

-Es difícil en mi caso puntualizar el momento en que tome “contacto” con el arte, más bien considero que fue resultado de mi carácter. Tímido e introvertido de muy pequeño canalice mi energía en ser muy observador, eso contribuyo a desarrollar mi percepción visual. Los primeros dibujos serian inclusive en los cuadernos de la escuela, lógicamente sin ningún rigor artístico, solo como expresión donde canalizaba tal vez mi estado de ánimo. No existía entonces la remota posibilidad a que desarrollara esto como carrera, pues como le ha pasado a mucha gente, mi infancia no fue muy fácil por haber perdido a mi padre a los diez años de edad y la vida me marco otras prioridades. Nunca deje de dibujar, inclusive de manera autodidacta investigaba todo lo relacionado al realismo, a pesar que el movimiento artístico dominante entonces estaba enfocado más al arte moderno. Ya un poco tarde, a los veintiocho años, me presente a un concurso de arte organizado por una importante Galería de Arte de Asunción, ganar un premio al que me había presentado como amateur fue el estímulo para desde entonces dedicarme de lleno al desarrollo de mi carrera artística, en los inicios solo como dibujante y después ya de a poco incursionando en la pintura.

-Esa búsqueda incansable por la creación de un mundo interior que sea rico y magnífico…. ¿cura heridas? 

-El arte es una forma de vida, es una filosofía de vida… Un artista plantea las cosas de una manera diferente de "ver", no solamente desde lo visual. El arte se concibe desde dos ejes: el intelectual y el oficio. Puede ejecutarse con ambos elementos o simplemente acentuando uno más que otro. Puedes expresar sentimientos simplemente con colores, trazos y pinceladas. A veces la temática puede ser un pretexto para buscar efectos y afectos. Otras veces con elementos más estudiados, pero todo radica en la calidad del manejo de esos elementos y el sentimiento de lo que estas proponiendo. 

-¿Usted lo logró?

-Si creyera que logre lo que busco estaría muerto como artista. Mis hijos están reflejados en mi arte; y mi arte quiero que refleje desafío, trabajo, amor, disciplina y pasión… Tal vez sean los valores que ellos proyecten en su futuro.

-Los líderes “clásicos” de la escuela eran los que mejor jugaban a la pelota. Estar entre los que dibujaban ¿qué beneficios tenía?

-En la primera etapa, o sea en los estudios primarios, creo no se dimensionaba todavía la diferencia de tener aptitudes artísticas, por llamarlo de alguna manera. Durante el secundario te podía dar ciertos beneficios relacionarte con más personas, es como una llave para abrir puertas. Esta etapa también fue para mí importante porque estudiaba de manera autodidacta a los grandes Maestros de la pintura y ya desde entonces siguiendo a los grandes Realistas contemporáneos. De alguna manera en esa etapa uno se encuentra como viviendo en una frecuencia u onda paralela a la de los compañeros de estudio. La necesidad de acercarse y conectar tiene que darse por parte tuya... Saqué mucho provecho de aquella época porque me hice muy observador de mi entorno e inquieto.

- ¿Qué recuerda de su primera muestra individual? ¿Sintió timidez? 

- Tuve la suerte de hacer la primera muestra individual en una galería de Asunción (Paraguay) que se llamaba “NUEVOSPACIO” a cargo de un artista muy bueno y amigo mío, Alberto Miltos. Él junto a un socio, que ya falleció, tuvieron esa galería unos dos o tres años, no recuerdo bien. La muestra fue en el 89… la vida bohemia y artística en Asunción era muy buena y estábamos todos muy conectados. Fue mucha gente, amigos, críticos de arte y había buen vernisagge. De verdad debería haber sido una muestra conjunta con otra pintora, pero la artista no pudo estar y me pidió el galerista que la muestra sea individual. En ese momento fue muy importante el apoyo que me brindo Alberto para vencer la timidez y animarme a exponer solo, aunque sigo siendo una persona tímida. Algún día cuando esté por Asunción tal vez le proponga una muestra en Miami en homenaje a nuestra amistad. Hace muchos años que no lo veo. 

-¿Por qué se radicó en Florida?

-Mi relación con el movimiento del arte en los Estados Unidos tiene un tinte especial, estoy radicado en la Florida desde inicios del 2006, pero mi trabajo más fuerte e intenso aquí fue del 93 al 98 en Washington DC y New York (trabajando con la representación de Van Goethem Fine Art). Después y hasta el 2002, estuve enfocado en Paris, y ya desde el 2001 trabajando con una buena representación de mis pinturas en el mercado asiático con base en Corea del Sur. Radicarme en los Estados Unidos se dio por la necesidad de acercarme a estos mercados. Florida me facilita trabajar y viajar para exposiciones en Europa, Asia, USA y mi propio país. Ahora estoy con más énfasis trabajando en el mercado asiático, pero de a poco focalizándome nuevamente en el mercado estadounidense, inicialmente en el Sur de la Florida, donde en los últimos tiempos estamos participando en las Ferias internacionales de la temporada de Art Basel.

-¿Qué beneficios tiene incorporarse en este tipo de ferias?

-Considero que es la manera más práctica de proyectar tu obra porque trabajas de manera puntual los diferentes mercados, aquellos que te interesan. Pero ahora tengo interés por integrarme al riguroso y creciente movimiento cultural de Florida en donde el arte latinoamericano tiene su merecido reconocimiento gracias a artistas y galerías de arte que vienen desarrollando un prolífico y excelente trabajo.

-Pinta muchas horas por día pero ¿qué hace en su tiempo libre?

-El tiempo del artista contemporáneo requiere de sacrificios extras, siempre estamos en sendos proyectos que incluso condicionan tu trabajo en relación a tu creación. Uno va postergando ideas, temáticas a desarrollar, tiempos de estudios y experimentaciones… El poco tiempo libre lo ocupo en organizarme en todo sentido con lo relacionado a mi arte y claro, mi vida familiar. Lo que más se disfruta es compartir con la familia, ya sea en la playa, en el parque o al menos en el patio de tu casa. Es la mejor manera de reponer energías y disfrutar.

-¿Qué está preparando actualmente?

-Estoy preparando una serie de obras para una exposición y otros proyectos en Asia. Quedan pendientes obras comisionadas y otras obras de temáticas diferentes que voy trabajando en el momento. Por eso a veces, para desconectarme un poco del caballete, tomo el lápiz y empiezo a hacer dibujos o bocetos de esas obras postergadas.

-¿Dónde encuentra la inspiración?

-La inspiración (…no soy muy original en afirmar esto) viene trabajando. No creo en el soplo divino de la inspiración. El trabajo del artista tiene desafíos constantes tanto en los planteamientos como en la ejecución de la obra. El ejercicio permanente brinda solidez en el oficio de pintor. Es el conocimiento y el crecimiento el que alimenta el cerebro y genera una base de datos para producir creatividad. Quiero decir que, según creo, la creatividad y la inspiración se fundamentan en la base del conocimiento. Cuando faltan los conocimientos la creatividad es limitada.

-Erns Gombrich comienza su “Historia del arte” con una fórmula conflictiva: “El arte no existe realmente. Tan sólo los artistas”. Con esto quiso decir que el arte es en realidad una categoría que nosotros creamos y que hay diferentes sentidos adscriptos a la palabra “arte” ¿Está de acuerdo? 

-En estos tiempos de libre pensamiento, democratización y respeto a las diversas opiniones… lo que aporta el pensamiento de Erns Gombrich es muy válido. No soy partidario ni en mi trabajo a reglas o definiciones muy formales, esto también va para los códigos o definiciones en general, pero considero que el arte definitivamente, requiere de ciertas exigencias para ser trascendente, sino pasa a ser nada más una manifestación pasajera. Pero la esencia del arte en si se la aporta el artista.

- ¿Cómo influye la mirada del espectador? 

-La esencia del artista esta en comunicarse con el espectador y es importante la mirada y devolución que se reciba por parte de ellos. Se puede “medir” que nivel de conexión intelectual y personal se está logrando. Un artista pinta lo que es, lo que siente. “Hacer”, “crear”, es ser honesto contigo mismo y con tu arte. Cuando mostrás una obra tuya en parte es tu autorretrato y con esa obra te estas "exponiendo" de alguna manera también como persona. El que compra una obra, no solo se lleva la pintura sino también lo que es el artista. Y hay que estar preparado para gustar y convencer en ambas facetas. Yo creo en mi obra pero también creo que sigo creciendo en este lindo y sacrificado camino de experiencias plásticas que hay que recorrer toda la vida. Es la eterna búsqueda. Siento que la gente que me conoce, los coleccionistas y los que adquieren una obra mía, o simplemente los que conocen mi obra, creen en mí.

-¿Alguna vez ha tenido miedo a la hoja en blanco? ¿A qué no se le ocurra nada más?

-Nunca termino una obra tal y como estaba bocetada inicialmente. Me gusta de a poco ir jugando con la composición. Una pintura o un tema, te brinda varias opciones de planteamientos, todos válidos. De manera que cada obra tiene varias opciones estéticas para su ejecución. Este ejercicio constante hace que cada hoja o tela en blanco, sea un problema lindo de resolver, cual camino de los varios tomaras para la ejecución de esta obra.

- ¿Le gustan sus primeros trabajos? A muchos les sucede que se sienten alejados de sus primeras pinturas…

- Los primeros trabajos producen emociones diferentes. Implica "encontrarse" con partes de tu vida, ver el camino transitado. A veces te dan ganas de actualizarlos o retocarlos pero creo que se impone el respeto de ese sentimiento y momento de esa obra. Es el momento de sentir fugazmente todo el tiempo que transcurrió en tu trabajo. El mismo sentimiento que sentís cuando revisas un álbum familiar y ves a los chicos y la familia…

-Teniendo en cuenta su trayectoria ¿hay alguna pintura que destaque por los desafíos que representó?

-En diferentes contextos, existen obras que en forma conjunta o en particular fueron fundamentales. Por ejemplo lotes de obras pintadas para exposiciones muy especiales en diferentes países o pedidos para Coleccionistas… pero entre ellos la que considero más importante es la realización y el montaje de la pintura de gran formato "La Santísima Trinidad" para el Altar principal de la Iglesia "Queen of Apostles Catholic Church " de Alexandria en Virginia. Fue en el año 1998, entonces trabajaba con Van Goethem Fine Art de Washington DC. Fue un verdadero desafío presentar la obra tensada en bastidores en una bobedilla, y jugar con la imagen de manera que desde diferentes puntos la obra mantenga su estética visual en conjunto. Todo eso fue posible con la ayuda de un prestigioso estudio de arquitectura de Paraguay, "Modus Vivendis", que me ayudaron con la construcción de la estructura donde estaría tensado el lienzo. Para el traslado desde Paraguay donde realice la obra, desmontamos toda la estructura y lo volvimos a instalar con el lienzo en el altar principal de la Iglesia en Alexandria.

-Por último ¿cuáles son, a su juicio, los nombres fundamentales de la pintura contemporánea?

-En el lenguaje en que yo me muevo, el realismo, tenemos grandes referentes en todos los continentes, varios maestros que siguen brindando un invalorable aporte a este lenguaje, aunque basado en el realismo de mediados del siglo XIX, proyectaron, enriquecieron y consolidaron a lo que es hoy el nuevo realismo. Tengo mucho respeto y admiración a muchos artistas, en especial en los Estados Unidos y España, pero indudablemente es el español Antonio López García quien ocupa un lugar preferencial dentro del Realismo Contemporáneo 

Sobre el pintor:

* Nació en Concepción, Paraguay en 1960. * Aunque nunca estudió arte en ninguna academia, atendió a muchos talleres de dibujo en su adolescencia. * Desarrolló esta técnica durante sus primeras experiencias artísticas, lo que ha influenciado profundamente su manejo del “clarooscuro” y la escala de valores de las pinturas. * En 1987 entró al mundo de la pintura como un artista, realizando su primer show de arte, ganándose un premio en un concurso de dibujo organizado por la revista “Magister Gallery” en Asunción. Desde entonces ha pintado de forma muy productivo, participando en muchos concursos de arte en Asunción y en el extranjero. * Obsesionado con la luz de los pintores “tenebristas”, Miranda ha estudiado los trabajos de Rembrantd, Caravaggio, Vermeer y las Composiciones de Sanchez Cotan, Giorgio Morandi y especialmente Antonio Lopez, que lo ha motivado a ir más allá del virtuosismo académico a través de una pintura pragmática, explorando aún más profundo en el efecto ilusionista de las imágenes, con una composición simple. Miranda no simplemente busca el “efecto visual” sino también el “afecto visual” con elementos por los cuales el espectador realiza una sencilla comunicación y al mismo tiempo, que estimulen su percepción visual. 

* Después de estudiar la forma y los colores de la composición, el artista considera a la “luz” como la protagonista de sus pinturas. En el presente, Miranda está desarrollando “La serie bi-realismo” que consiste en integrar soportes (tablas, lienzo, papel y cartón) en sus pinturas, conservando la estética visual y uniendo a la realidad real y “virtual”. * De 1993 a 1997, dio clases de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Paraguay. Desde 1998, él enseña pintura realista en su estudio privado y dicta seminarios en muchas instituciones de arte. 

En la actualidad, Hernán Miranda está viviendo y trabajando en los Estados Unidos.

Traducción a cargo de Julián Reveco

Sus gustos: 

¿Un libro?: -Preferentemente biográficos

¿Algún músico? - Diana Krall

¿Una canción? - “A mi manera” (“My Way”) 

¿Alguna película? - “En busca de la Felicidad” (Película estadounidense dirigida por Gabriele Muccino, la primera protagonizada por Will Smith y su hijo Jaden Smith). 

¿Un hobby? - El cine 

Contacto:

Web Official: www.hernanmiranda.com

Mail: hernanmiranda1@gmail.com

Facebook: https://www.facebook.com/hernan.miranda2

Agradecimientos:

-Julián Reveco