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miércoles, 21 de diciembre de 2016

Carlos Bruscianelli: "En el realismo consigues esfuerzo, talento, oficio y disciplina"


El joven y talentoso pintor se refirió a sus inicios, influencias, la situación del realismo en su país, Venezuela y además abrió el debate acerca del problema en torno a la estafa en el arte: la dudosa originalidad y autenticidad de ciertas obras que se venden como pintura cuando no lo son. 

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina 

Carlos Bruscianelli es un pintor realista nacido en Caracas, Venezuela el 10 de marzo de 1980. Su interés por el dibujo aparece de niño mostrando especial predilección por los comics. “Mazinger Z era un tema recurrente cuanto tenía cuatro o cinco años y espero pintarlo de nuevo en algún momento”, comenta el creador que a los 24 años de edad comenzó a estudiar arte de manera formal influenciado por la obra de una gran cantidad de artistas, entre ellos Luis Royo, Boris Vallejo, Giger o Frank Frazetta, entre otros. “Pero ocupa un lugar muy especial la pintora venezolana Patrizia Rizzo, quien me dio clases muchos años y definitivamente logró que me dedicara a esto”, explica Carlos que en el año 2004 ingresa al Museo Tesari-Rizzo para estudiar dibujo y pintura.
La decisión de iniciarse como pintor implicó cambios importantes porque el joven dejó de lado la carrera de ingeniería civil. “Sentí que era mucho más gratificante hacer arte, sentía que tenía condiciones naturales y pensé que era mejor ser un pintor regular o bueno -pero pintor-, que un mal Ingeniero Civil… ¡quizás salve muchas vidas!”, reflexiona con humor el artista plástico influenciado en este momento por la corriente hiperrealista que exige técnica, oficio y minuciosidad al extremo (en definitiva, entrenamiento constante).
En la pintura del venezolano se destaca la incursión en el mundo de los bodegones, que supone infinitas posibilidades creativas en cuanto a la composición, estudio de luz, elección de elementos, colores y texturas. 





jueves, 17 de noviembre de 2016

Alejandro Pasquale: El pintor de la botánica


Plantas y niños enmascarados se entrecruzan inquietantemente en sus pinturas. El artista porteño expone uno de sus trabajos en la ciudad de Mendoza; se podrá ver a partir de mañana en ECA, Espacio Contemporáneo de Artes. La suya es una obra tramada a golpes de sorpresa. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina


En el marco del premio Itaú Artes Visuales 2016, el público mendocino tendrá la oportunidad de conocer una de las increíbles pinturas seleccionadas del artista plástico porteño Alejandro Pasquale que estará expuesta en el Espacio Contemporáneo de Artes de la ciudad de Mendoza a partir del viernes 18 de noviembre.
En diálogo con el pintor, radicado en Buenos Aires desde el 2006 luego de estar viviendo en la Patagonia, repasamos su trayectoria -siempre marcada la figuración- y se refirió además al recorrido que fue delineando a través del tiempo, pasando primero por una etapa de dibujo en birome y luego por pinturas que denotan su afición por el mundo de las plantas.
La botánica y el arte han mantenido desde siempre una estrecha relación y la obra de este pintor argentino nos recuerda ese magnífico vínculo. Observar las creaciones de Alejandro Pasquale nos acerca al trabajo de los antiguos botánicos que debían dibujar con precisión las plantas que observaban en lugares remotos para su posterior estudio; esos mismos dibujos además ilustraban las enciclopedias que luego las familias miraban con atención en casa. Tiempos en que no existía la fotografía como herramienta para registrar de forma instantánea aquello que se tenía como objeto de estudio, y a los científicos no les quedaba más remedio que ingeniárselas con un lápiz. Así como aquellos investigadores necesitaron de la creatividad para lograr resultados, el artista Pasquale observa y estudia de forma autodidacta el mundo vegetal a través de libros de botánica porque le significan una herramienta para producir su obra final.
Por eso dice que la clave para aprender es “aprender a observar”; allí se encuentra el mayor desafío de este joven pintor que sorprende por tener una temática tan original y por representar de forma tan peculiar a sus personajes (los niños) en entornos también muy llamativos. A Alejandro no le asusta tomar riesgos.
La nueva camada de artistas figurativos me sigue sorprendiendo y me hace pensar en uno de los aspectos más maravillosos del realismo: nunca jamás habrán dos artistas que representen de igual modo el mismo objeto. (vean luego la nota a la paraguaya Yuki Hayashi que también pinta plantas y verán que es muy diferente a Pasquale) ¡Qué viva la pintura!


miércoles, 16 de noviembre de 2016

Doménico Cirasino cruza los límites con “Invocaciones”



El creador mendocino presenta su muestra en la que juega con aspectos nuevos de la expresión artística combinando mundo real y virtual. Se trata de una formación múltiple en donde interviene la plástica, lo digital y la programación. Inaugura el viernes 18 de noviembre en el Espacio Contemporáneo de Artes de Ciudad a las 20. 

Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

En la nueva y original propuesta del artista argentino Doménico Cirasino, nacido en Mendoza el 4 de junio de 1984, lo visual adquiere una valoración totalmente distinta porque su colección de ocho obras interactivas -que se podrán ver a partir de este viernes en el ECA- sobrepasan los límites de lo plástico. El espectador además, está invitado a participar de forma activa de la experiencia y podrá interpretar de manera muy personal el concepto que el joven creador nos propone en esta oportunidad.

sábado, 12 de noviembre de 2016

Yuki Hayashi: Oda a la flor


Nació en una colonia de inmigrantes japoneses ubicados en el sur de Paraguay, se dedica a pintar con una sutileza admirable las plantas y las flores de su propio jardín.Yuki Hayashi es una pintora exquisita y forma parte de la gran familia de artistas realistas latinoamericanos. La nota, en exclusiva. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina


Me gustan mucho aquellos pintores que saben muy bien qué representar, y que además representan aspectos puntuales de la naturaleza con tanta precisión. Es lo que más me llamó la atención de la pintora Yuki Hayashi –nacida el 30 de noviembre de 1971-: que se dedique exclusivamente a pintar en detalle y con maestría las plantas y flores de su propio jardín. Allí se concentra todo su interés pictórico. 



Yuki además merece toda mi interés por ser mujer (sabemos que en el mundo de la pintura la cantidad de mujeres que se dedican a este oficio es mucho menor en comparación a la cantidad de hombres). Pero hay más; la pintora forma parte de una familia de artistas realistas latinoamericanos y representa a Paraguay (país hermano con muchos exponentes talentosos –entre ellos los amigos del blog Adriana Villagra y Hernán Miranda, radicado en Florida-).

Cuarto aspecto distintivo: la creadora en cuestión es parte de una colonia de inmigrantes japoneses; de la colonia Pirapó, en el departamento de Itapúa, al sur de Paraguay, y desde los ocho años está radicada en la ciudad de Asunción. No sólo en su sangre guarda aspectos de esta cultura fascinante, en sus lienzos la impronta oriental es evidente. A esta herencia, hay que sumarle una sólida formación académica que la respalda: hizo una maestría en la prestigiosa Universidad de Tsukuba, en Japón. Esta ciudad es conocida por su gran concentración de instituciones de investigación avanzada en muchas áreas de la ciencia y la tecnología. 

Allí se especializó justamente en pintura japonesa; conoce sus particulares y sabe explotarlas (los primeros artistas japoneses fueron muy pero muy originales con respecto a las técnicas, los medios, los soportes y formatos usados, diferenciándose mucho de Occidente). 

En la nota, Yuki Hayashi se refiere a su obra-centrada en su jardín-, explica la técnica que utiliza, menciona a sus máximos referentes y nos cuenta aspectos de su vida que nos ayudan a imaginar qué hay detrás de esta mujer de ojos rasgados; talentosa, profunda y de gran sensibilidad.






lunes, 17 de octubre de 2016

Un ejemplar de “Masters of Contemporary Fine Art” en Argentina



Hace unos días recibí en mi casa desde Portugal el increíble libro que editó la galería internacional de arte contemporáneo Art Galaxie con base en Londres.

Se trata de “Masters of Contemporary Fine Art” (Volumen I), una publicación de lujo que reúne a muchos de sus artistas plásticos. Todos y cada uno de primerísimo nivel.

Trabajos de este tipo evidencian la cantidad de talento que existe por parte de muchos profesionales del arte que siguen apostando con esmero por el oficio y la técnica. Sin duda, esfuerzos que merecen ser destacados por quienes trabajamos difundiendo conocimiento a través del ARTE y de la CULTURA movilizados por una pasión que nos desborda, que nos hace felices y que, en verdad, no tiene demasiadas explicaciones lógicas. 

Portada del libro que reúne a artistas de más de cuarenta países 

martes, 4 de octubre de 2016

Hernán Ricaldoni: El pintor de los escenarios


Lejos de la soledad que la gran mayoría de los artistas plásticos experimenta desde su taller, el argentino Hernán Ricaldoni pinta arriba de los escenarios y al ritmo de bandas de rock en un contexto plagado de energía y éxtasis total. Un pintura llena de vitalidad y fuerza; expresiva y totalmente espontánea. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina


“Nací en Buenos Aires, vivo en Necochea -¿Qué pienso del lugar dónde nací? -Que tenemos una idea europea de la construcción de la ciudad, que tiene algo de romántica… y que arquitectónicamente es maravillosa. Si viene un turista de cualquier lugar de Latinoamérica seguro que queda impactado. Ahora, si viene un europeo, va a buscar otra cosa…lo propio del tango, su nostalgia y melancolía; eso es lo auténtico y lo más digno que tenemos para mostrar. Aunque lo que a mí me genera ruido de vivir en Capital Federal es la necesidad de parecerse al otro”. Lo dice el artista plástico Hernán Ricaldoni, que nació el 13 de diciembre de 1975 y está radicado en Necochea, en la costa atlántica argentina. 

Un artista que definió su vocación por la pintura con tan sólo quince años y se recibió más tarde de Profesor de Artes Visuales. Su particularidad es que pinta en vivo y con público presente, -también lo hace desde su taller- y trabaja mayormente junto a bandas de rock, aunque además ha tenido la oportunidad de estar junto a grupos de Austria e Inglaterra involucrados con la música clásica y con el jazz. En esos casos, reconoce que su experiencia "ahí arriba" no resulta ser tan “física” y no vive la noción de “identidad”, como sí le sucede, por ejemplo, junto a “Bersuit Vergarabat”, emblemática banda del rock argentino: “Con ellos, ahí arriba estamos todos vibrando y pensando en lo mismo, sobre todo lo siento con sus temas más sociales y políticos; me identifico tanto con lo que dicen que entonces me siento muy cómodo”, confiesa Ricaldoni.

domingo, 18 de septiembre de 2016

Carlos Concha Vial: "Las élites se sienten modernas con cuadros de manchas"



Pintor chileno. Carlos Concha Vial es uno de los artistas contemporáneos más significativos de la escena nacional. Interpelador y agudo, se refiere a sus inicios, la situación que atraviesa el realismo en su país y la educación formal en artes. 

Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas 
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina



“Desde muy chico sentí atracción y placer al dibujar. Luego en el colegio te das cuenta que sobresales y lo sigues haciendo con más gusto. En mi familia se destacan en el plano artístico por el lado materno; mi bisabuela -que fue una de las pioneras de la fotografía en Chile- y mi abuela que fue una gran pintora y ceramista, merecedora de varios premios en su vida. Ella, Aurora "Lola" Calvo, fue gravitante en todo esto”, explica el pintor realista chileno Carlos Concha Vial nacido el 19 de agosto de 1962 en la ciudad de Santiago.
Comenzando a transitar la etapa de la adolescencia, con sólo trece años, su abuela artista plástica decide inscribirlo en el taller del reconocido Miguel Venegas Cifuentes (1907-1979), fundador de la Facultad de Artes de la Universidad Católica de Chile y maestro de destacados pintores, entre ellos Ricardo Maffei (1953) y el fallecido Claudio Bravo (1936-2011). “Era la academia privada más prestigiosa de la época y yo el menor de sus alumnos codeándome con algunos grandes de hoy”, recuerda Carlos, quien más tarde continuaría su formación en España, durante cuatro años, en la Academia de Muñoz Vera.
En muchas de sus obras Concha Vial representa con maestría Iglesias, museos, avenidas, edificios, estaciones de trenes o parques de ciudades europeas y de su Santiago natal. También figuran entre sus temas predilectos instrumentos musicales, tales como cantigas y violines; y estudios de figura humana y retratos.
Su propuesta pictórica, junto a la de otros de su generación, nos permite decir que el estilo realista sigue vigente (más allá de los castigos que ha sufrido por parte de los creadores del “Todo vale” y del “Todo está permitido”, impulsores de las propuestas más intrascendentes y absurdas). Tiene exponentes de excelente factura y sigue siendo un arte ampliamente cultivado; y por sobre todo, es una propuesta que le permite a cada pintor ser siempre un artista de su tiempo; ser verdaderamente un artista contemporáneo, sin renegar del pasado.
“Siempre me estoy remitiendo y estudiando a los grandes de la antigüedad. A los renacentistas y a genios de la pintura como Vermeer, Rubens, Velázquez, Ramón Casas y Sorolla, maestro de la Luz”, admite el artista chileno que además de pintar, da clases de dibujo y pintura desde su taller.


El nuevo Renacimiento de la pintura: 
Eso que llaman desde ciertos circuitos "arte contemporáneo" alejó al espectador del fenómeno artístico por propuestas que no comunican, no generan ningún tipo de "shock", ni invitan a ningún tipo de "reflexión", como nos han querido hacer creer. Son los realistas del siglo XXI los encargados de llevar adelante el nuevo Renacimiento de la pintura, y son ellos los que volverán a encontrarse con el público perdido.
En esta entrevista fundamental con uno de sus referentes, Carlos Concha Vial, reflexiona sobre el realismo en Chile, los pintores contemporáneos, la educación artística -sus falencias-, y la función social del artista, entre muchos otros temas.

martes, 13 de septiembre de 2016

Eduardo Romero: "De Arrecifes no me ha quedado nada sin pintar"




Hay un aspecto sobresaliente en la obra pictórica del artista argentino Eduardo Romero: él pinta su pueblo; aquel que lo vio nacer y donde todavía vive. Y lo pinta de modo amable; porque representar nuestro entorno es una de las premisas más bellas y profundas del realismo. Volver a la tierra.


Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina



Siempre me ha gustado esa actitud de muchos pintores que fielmente representan su entorno, por más chico y sencillo que sea, sin dejarse obnubilar por las luces  de las ciudades cosmopolitas y tan bien valoradas por cualquier turista. Pintores que se alejan del bullicio de las grandes urbes.
El espíritu creador de Eduardo Romero, nacido el 18 de mayo de 1944, no necesita de edificios imponentes, ni de amplias avenidas para poder inspirarse y contar “algo” porque lo suyo está intrínsecamente vinculado a Arrecifes, una pequeña ciudad ubicada al norte de la Provincia de Buenos Aires que tiene poco más de veinte cinco mil habitantes. Si bien ha representado otros paisajes de nuestro país porque le gusta viajar, Arrecifes es el lugar protagónico de su obra; el que está presente en todo su universo pictórico.
Pienso en la cantidad de artistas e intelectuales, de todas las épocas, que han tenido la necesidad imperiosa de viajar y recorrer el mundo, instalarse en lugares exóticos para pintar rarezas o respirar la atmósfera de lugares de inenarrable belleza para inspirarse y hacer arte o poder pensar.
Eduardo Romero en cambio, elige, en un acto de sencillez y de profundo amor hacia su entorno, articular los pinceles con las esquinas y las calles de su ciudad y documentar en una tela la existencia de aquellos rincones y casonas que vio desde chico y que indefectiblemente van modificándose por el paso del tiempo. Su pintura trata no sólo de aquello que ve, sino de aquello de lo que es parte. "De Arrecifes no me ha quedado nada sin pintar: puentes, ríos, arroyos, casas viejas…", confiesa.
Explica que mientras trabaja escucha música: "Acá hay una FM que pasa folklore toda la tarde, sin propaganda, ni notas, nada. Me gusta porque no me distrae, ni me hace cambiar de frecuencia". Además, durante la semana, toma clases de canto y le gusta tocar la guitarra.
“Mi madre contaba que yo desaparecía y me encontraban dibujando en el suelo ¿la edad? no sé…. cinco o seis años. -relata Eduardo Romero-. En mi familia -agrega- no hay ningún dibujante ni pintor, en absoluto… salvo todos mis tíos y mi madre que cantaban y lo hacían muy bien. Pero nadie jamás me incentivó porque mis padres en aquellos tiempos no le daban importancia... pintar no era importante”.
Les presento la nota con el artista Eduardo Romero que a través de un lenguaje pictórico claro y preciso, y con sentido del humor, nos narra su visión sobre el arte y nos muestra la porción del mundo que más conoce, Arrecifes. Un lugar que sobre todo lo conoce a él y conoce lo que ha sido. Su infancia, formación e influencias más importantes. 

"Pinta tu aldea y pintarás el mundo", Tolstoi

lunes, 29 de agosto de 2016

Hernán Javier Muñoz: "Estoy aferrado a la pintura"



El pintor realista argentino, en exclusiva para el blog, se refirió a sus inicios y sus influencias. "Hace poco me arriesgue a dejar todo por la pintura y las puertas se han ido abriendo", dice. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

"Desde chico siempre dibuje a "Mafalda". Quino me presento el dibujo en todos los aspectos. "Asterix" también fue parte fundamental de mi crecimiento. Las producciones de Disney me acercaron al color con “La noche de las narices frías” o “La dama y el vagabundo “. Mis viejos siempre me incentivaron y recuerdo que mi tío paterno tenía facilidad para el dibujo".
Son las palabras del joven pintor argentino, Hernán Javier Muñoz, nacido el 5 de abril de 1983 en la Provincia de Buenos Aires y que trabaja desde su taller, ubicado en el barrio Mataderos de Capital Federal. Muñoz egresó de la Escuela de Arte "Rogelio Yriurta" y es Profesor de artes plásticas, tal como indica en su web.
Un artista figurativo de poca producción, pero interesado en lograr la máxima calidad posible en cada trabajo. No hace mucho decidió dedicarse de lleno a pintar y la decisión le generó algunas dudas e incertidumbres: "El tema es que es muy difícil comprender que se puede vivir del arte, ni yo me lo creía, hasta que hace poco me arriesgue a dejar todo por la pintura y las puertas se han ido abriendo", observa.
Sobre su formación, sostiene: "Mi etapa de formación no tiene fin porque soy autodidacta por naturaleza. Nunca estoy conforme y siempre siento que me falta conocimiento. En mi camino como pintor me encontré con los antiguos Maestros a través de libros y visitas al Museo de Bellas Artes y por otro lado mis trabajos me acercaron a artistas con los que compartimos esta pasión".
En su obra la belleza femenina ocupa un lugar de privilegio. Cierto clima de ensoñación y fantasía, y un espíritu de reconciliación y serenidad, se percibe en sus telas. Por eso, y como lo catalogan en otros sitios de arte, su trabajo puede ser parte de lo que se llama "realismo fantástico" o "mágico".
El artista, a través del lenguaje claro y preciso que ofrece el realismo como estilo pictórico, va más allá y su imaginación le permite rodear a sus modelos con manzanas, instrumentos musicales, aves y óleos. Alrededor de ellas hay aire, espacio y ritmo.
"Mi manera de aprender -explica Muñoz- es acercándome a las obras de los Maestros y jugar a que desarmo sus paletas, tratando, con la intuición, de llegar a comprender las mismas pero con mis propias herramientas. Es un camino difícil pero divertido. Es creer que, guiándome con mi corazón, puedo hacer una obra de arte".
-¿Influencias directas? -"Hay varios maestros que mantengo en el subconsciente -confiesa- por nombrar sólo algunos: Bouguereau, Dalí, Rembrandt, Caravaggio, Velazquez o Rivera".
Hernán Javier Muñoz forma parte de la nueva camada de creadores latinoamericanos que llenan de impulso y vitalidad al realismo. En este contexto en donde reina la improvisación y falta de rigor absoluto, se necesitan de muchos otros artistas que como él, se aferren a la pintura.

"Si despierto alguna emoción en el espectador, es que logramos una interacción emocional mediante el arte", dice Muñoz. Esa interacción es única e irrepetible, como cada vida y como cada pintura 



- En este momento ¿es lo más importante en tu vida la pintura? 

-Estoy aferrado a la pintura, es mi motor de vida. Se puede decir que ahora se lleva la mayor parte de atención porque hace poco que lo tome como oficio y estoy muy concentrado en superarme día a día crecer y hacerme conocido en el ambiente. Diría que hay varias cosas importantes en mi vida y les doy la atención que ameritan, por eso mis momentos fuera de la pintura son para mí pareja, familia y amigos. 

- ¿Estás disfrutando de la elección que has hecho de volcarte de lleno al arte o sentís un poco de miedo? 

-Es la mejor decisión que tome en mi vida, claro que están los miedos pero es parte de la vida. El miedo es solo una ayuda para no irse por las nubes y bajar a la realidad. Frenar, mirar bien el panorama y seguir con precaución. Realmente estoy disfrutando esta aventura, es un mundo nuevo y amo pintar. 



- ¿Crees que es importante ponerse metas altas? ¿Qué metas te has propuesto? 

-Las metas altas son parte de nuestra naturaleza de supervivencia, sin un porque no hay sendero, no hay camino y por lo tanto no hay una meta. Yo tengo tres metas en mi vida como artista: la primera (que la logré) es vivir de mis obras. La segunda es ser uno de los más importantes pintores argentinos, y la tercera es que mi obra trascienda en el tiempo como las obras de los grandes maestros. Obviamente de la última nunca voy a saber si la logré, es solo una meta platónica pero una meta en sí. 

- El pintor paisajista inglés John Constable afirmó: “la pintura es para mí otra de forma de denominar la palabra sentimiento”; y Delacroix, escribió: “la pintura no es otra cosa que un puente tendido entre la mente del artista y la del espectador; la fría perfección no es arte” ¿Crees en la comunicación de sentimientos a través del arte? 

-Hermosas palabras de grandes maestros. A mí me gusta decir que a través de la pintura puedo demostrar que tengo alma y corazón. Por lo tanto si con lo que hago, despierto alguna emoción en el espectador, quiere decir que logramos una interacción emocional mediante el arte. Cualquier tipo de expresión artística la consideró un portal hacia lo más profundo de nuestros sentimientos. 



- ¿Es necesario intentar poder competir -sanamente- con los grandes maestros? 

-Yo creo que un buen artista no compite, un buen artista “crea” con las influencias que recibió y recibe de los pintores que va conociendo. Al ser tan receptivos emocionalmente con las artes nos quedan impregnados en los sentidos pequeñas cosas de cada artista que luego, inconscientemente, las utilizamos en nuestros trabajos. Ósea siempre va a estar Caravaggio , Velázquez , Dalí o Bourguereau... en mis obras. Son tan grandes que te marcan y te hacen entender el oficio, te hacen saber del esfuerzo que implica ser artista. 

-¿Y con los contemporáneos? 

-Respecto a mis contemporáneos sólo puedo decir que hay grandes pintores y que muchos están al nivel de los grandes maestros. Es una suerte aprender a disfrutar, dejarse asombrar por lo que hacen. Yo miro las obras de los otros artistas sin ánimo de competencia. Todo lo que quiero crear trato de aprender a hacerlo de alguna manera autodidacta dejándome afuera de cualquier copia técnica de mis colegas. Hay que impregnarle nuestra esencia y personalidad a las obras para que cuando la vea alguien no diga “esa obra se parece a la de ...” 

-Sin lugar a dudas creo que el mayor desafío de los pintores realistas contemporáneos es tratar de distinguirse, es fácil caer en la repetición de temas. 

-Hay temas, situaciones, objetos que uno repite porque pareciera que todavía faltara sacar cosas que tenemos adentro. Luego pasa y hacemos otras cosas. El problema es que a veces el artista se deja ganar por lo comercial y repite lo que se vende. A mí me aburre repetir así que tarde o temprano término cambiando. 



-Te encuadran dentro del “realismo fantástico” ¿estás de acuerdo? 

-Me gusta mucho ese nombre que le pusieron a mi trabajo, realmente no sé si es eso o no, pero la verdad es que solo son imágenes y temas que vuelan en mi cabeza y tengo que sacarlos. El desafío es poder representarlos en la tela. 

-La manzana es un elemento recurrente y la usas de forma simbólica, surrealista ¿por qué? 

- Uso varios elementos para representar diferentes metáforas o alegorías. La manzana es una, la guitarra, y varias cosas más, me ayudan a darle significado a la obra. Ósea, no hay una particularidad en la manzana en sí, un día representa un fruto prohibido con un contexto enorme y otras veces es sólo un objeto que levita. 



-¿En qué aspecto crees que contribuyes como pintor realista a documentar la realidad de nuestra época? 

-Mis temas reflejan situaciones del alma y del corazón, a veces con un estilo romántico y poético como en la obra: "El secreto del Renacimiento de Afrodita", que cuenta la historia de un enamorado. O “Hamingja curiosa ante la disolución de las palabras”, que trata de una figura mitológica tratando de distraer a un mortal. Me gusta la diversidad de temas, a veces hablo de cosas internas mías y otras de historias mágicas o realidades fantásticas. Igualmente mi idea no es encasillarme, si no investigar varios temas 

-¿Las mujeres que representas son pintoras? Alrededor de ellas aparecen paletas de colores, pinceles, y distintos materiales de trabajo… 

-Utilizo a estas mujeres por un tema estético, me gusta representar mis cuentos o situaciones de vida mediante la mujer como personaje. Le dan finesa, ternura, erotismo y armonía a mi manera de pintar. Por algo son las modelos de los más grandes maestros, nos modifican el corazón y las emociones constantemente. Que hubiera sido de Dominique Ingres sin sus imágenes de baños turcos, o de Alma-Tadema sin esas bellas mujeres sobre mármoles. O Salvador Dalí sin Gala, Francisco de Goya sin sus majas… y así podría estar todo el día (risas). Soy un enamorado eterno de la belleza humana y en particular de la belleza femenina. 




-Los ejemplos que nombras ayudan también a pensar en la evolución del canon de belleza femenina a través de tiempo ¿cierto? 

-Sí, igualmente creo que cada artista le da cierta parte de su personalidad a sus modelos. Las modelos de Gustav Klimt… ahí se nota, sólo con la mirada, que es una mujer de Klimt. O por ejemplo la María fallecida de Caravaggio, que fue rechazada de ante mano por su realidad y fuera de tiempo. Por eso un buen artista no es el que respeta la técnica hasta su más alto rango académico si no el que pinta su esencia en cada obra para que cuando sea señalada digan: “¡esa pintura es de tal artista!” 

-Mario Vargas Llosa, hace muy poco, fue a conocer el nuevo edificio de la Tate Modern en Londres y se encontró con un palo de escoba como obra de arte. Escribió un artículo que generó revuelo ¿Puede un palo de escoba ser obra de arte? 

-"El arte" se ramifica en tantas cosas que es imposible encasillarlo en un solo tipo de reproducción. Para que hoy, ese palo de escoba “funcione” como obra en una galería hay que cumplir muchos requisitos: hacer propaganda, ser buen vendedor, publicitar y por sobre todo, crear un personaje: disfrazar de artista al creador de esa ocurrencia (y convencerlo a él de que es un “artista” poniendo bajo “obra de arte" un precio desorbitante). Por el contrario, para una obra como "La Piedad" sólo se necesita de trabajo y talento. La obra de Miguel Ángel sola toma protagonismo por su inmensa belleza. La gran estafa del arte contemporáneo del siglo anterior y principio de este, está cayendo. La gente sabe dónde hay belleza, trabajo y dedicación ¡Por eso este movimiento figurativo está creciendo cada día más y más! 


-Qué tema más delicado ¿no? 

-Es que estamos hablando de “arte” y estas anécdotas sobre palos de escoba, etc, me ponen muy nervioso (risas). Trabajo muy duro y que venga alguien con una tela en blanco y diga: “Es arte” y lo venda en millones, hace que muera la disciplina, la dedicación, la moralidad y además tira por la borda esa enseñanza elemental de que en la vida para lograr objetivos ¡hay que trabajar! Es también, desde mi punto de visa, una falta de respeto a los grandes maestros que nos dieron todo. Díganme “chapado a la antigua”, o “cerrado”… o lo que quieran. Pero… una mirada de Rembrandt ¡te roba una lágrima! No me pueden decir que un palo de escoba o un inodoro generan esa emoción. 

-¿Próximos proyectos? 

-Quiero participar del próximo concurso de MEAM (El Museu Europeu d'Art Modern de Barcelona) que será en el 2017. 
También tengo en mente una exposición pronto, mucho no puedo adelantar. Por ahora tengo algunas de mi obras expuesta y a la venta en Spoleto, Italia, y estoy por muy contento porque allí me dieron el primer puesto como artista figurativo clásico. 




- Si tuvieras que elegir una pintura clásica para tener en tu casa ¿Cuál sería y en qué parte la pondrías? 

-Si pudiera tener una obra clásica esa sería “Premier Deuil” del pintor francés William-Adolphe Bouguereau. Gracias a ella aprendí a pintar. Solía ir al Museo Nacional de Bellas Artes con una cajita de pequeñas porciones de óleo y trataba de descubrir su paleta. La pondría en mi taller futuro, así la puedo ver cada vez que me surge una duda. Digo "taller futuro", porque no me entraría en donde estoy ahora. 

La elegida de Muñoz. También se la conoce como "El primer duelo" o "El despertar de la tristeza". Mide 2.03 m. x 2.52 m. y es el año 1888 

Los gustos de Hernán: 

Un libro: "No soy un buen lector, pero elegiría “El día de los trífidos” de Ray Bradbury. Me gustan las historias apocalípticas . 

Grupo de música o solista: Eric clapton 

Un disco: Eric Clapton Unplugged 

Una canción : Tears in Heaven (Eric Clapton) 

Una Película: Elijo dos , una nacional y otra extranjera … "Made in Argentina" (basada en la obra teatral "Made in Lanus") y la que hizo explotar mi imaginación…"Volver al futuro", la trilogía. Era un niño y me fascinaba la ciencia ficción y aventura.

Un hobby: Ir al cine y cocinar


Contacto: 

Mail: hernan.j.m.arte@gmail.com 
Facebook: www.facebook.com/hernanjavier.munoz




martes, 23 de agosto de 2016

Inaugura la muestra "Artistas en crisis" en Nuestramérica

Detalle de obra de Ale Rojo


Siete artistas plásticos mendocinos inauguran la muestra "Artistas en crisis"el viernes 2 de septiembre en el Centro Cultural Nuestramérica de Ciudad. 

Conversamos con Ale Rojo, uno de los pintores que está presente.

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

camilareveco.mza@gmail.com

Argentina



El viernes 2 de setiembre a las 20.30 siete artistas plásticos mendocinos -¡las siete maravillas del arte local!- serán parte de la muestra "Artistas en crisis" en el Centro Cultural Nuestramérica (Jorge A. Calle 35) ubicado en la sexta sección de la Ciudad de Mendoza. 



Forman parte de esta colectiva Daniel Bernal, Marian Adrian, Carolina Paredes, Andrea Noto, Gabriel Zamorano, Laura Aramayo y Ale Rojo, reconocido pintor mendocino con quien conversamos sobre este evento. Los trabajos que integran la muestra -dice- giran en torno al pasado. 



"Las obras que yo voy a exponer son pinturas de tamaño mediano, pero otros artistas expondrán en diferentes formatos", comenta el artista que además expondrá algunos de sus grabados.

El evento -destaca Ale Rojo- lo organiza el Movimiento por la Identidad Cultural -del que forma parte- con apoyo de SADOP (Sindicato de Docentes Privados). 


 "Kayla", escultura cerámica de Marian Adrian. Podrá verse en Nuestramérica 


viernes, 19 de agosto de 2016

Marian Adrian: “Mi obra no existe por mera ocurrencia o accidente”


El artista argentino, nacido en la provincia de Mendoza, se refirió a sus comienzos realistas y la impronta erótica de sus esculturas en cerámica, su especialidad. Su obra existe porque detrás hay un trabajo meticuloso y obstinado.


Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

Argentina

“Mis obras tienen gran influencia estética proveniente de los maestros del cómic, como Frank Frazzetta, Luis Royo y Boris Vallejo”, sostiene Mariano Adrián García, mas conocido como Marian Adrian, el joven escultor argentino nacido en la provincia de Mendoza el 1 de abril de 1976. 

“Mi etapa de formación, fue de joven, ya en la escuela secundaria. Me llamó siempre la atención la escultura de la antigüedad griega clásica y helenística, sobre todo Miguel Ángel y Bernini”, cuenta respecto a sus inicios en el año 1989. 

Marian Adrian hace tres años se dedica full time a la escultura en cerámica, técnica que eligió porque implica bajos costos para la reproducción de piezas. “Podía ser resina con moldes de silicona, yeso con moldes de silicona, o cerámica -explica el creador-. El yeso era lo más barato de todo, pero con piezas de muy baja durabilidad y muy frágiles. Tanto la resina como la silicona son muy caras. Podría haber sido en cemento, pero nunca me gustó la idea de destruir el molde para sacar la pieza”, dice. 


Eliseo Ferrándiz: "Sacrifiqué todo por la pintura, sin ella no soy nada"


Su maestro, los comienzos, los desafíos que impone una técnica tan minuciosa y exigente como el hiperrealismo: "Necesito hacerlo bien y cada vez mejor, siempre mejor...". Estos, entre otros temas, en la entrevista con el pintor español.

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
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Argentina

Amar a la pintura como si se tratase de amar a una mujer: "Sacrifiqué todo por ella", "se convirtió en una obsesión", "sin ella no soy nada", son palabras del joven pintor español Eliseo Ferrándiz, nacido el 13 de agosto de 1981 en Alcoy (Alicante) y aprendíz del prestigioso artista también alcoyano Copérnico García Molla. Un artista hiperrealista que vive para pintar y el enfrentamiento a la tela conforma toda su existencia. Su obra se "lee" con facilidad y placer. Es una propuesta pictórica impregnada de fantasía, erotismo, eficacia y sutileza. La página oficial de nuestro creador explica: "Sus colecciones incluyen obras figurativas al óleo, pastel y grafito, destacando en todas ellas la búsqueda de la perfección en los detalles, aportando frescura con sus pinceladas, para potenciar la realidad, expresada en la belleza del cuerpo femenino. Además de su obra pictórica, Eliseo Ferrándiz enseña en su taller las distintas técnicas que él domina y actualmente está su proyecto por varios puntos de la provincia de Alicante".