Laura Rudman: "No es bueno conformarse con el trabajo propio"

Todo empezó en un espacio donde lo importante era el desarrollo de la creatividad. Lo demás, lo que se aprende en el camino, sirve como herramienta para llegar siempre a ese lugar; el creativo”, cuenta Laura Rudman, nuestra entrevistada. “Todo empezó” en el espacio de pintura de Adelina Tarditti, “Deli”, querida artista local que falleció el año pasado. Con el tiempo llegarían a la vida de Laura otros Maestros, pero en aquel lugar y con sólo seis años, encontró lo más importante: su vocación.

“Tal vez si los arquitectos se volvieran albañiles / y se juntaran con otros albañiles

y siendo todos distintos  / fueran al mismo tiempo un solo cuerpo,

una misma casa, sabrían entonces colocar ladrillos relacionados entre sí

de tal manera que levantarían  / una casa sin centro con el centro en todas partes”

Luis Villalba, “Fotogramas”

Por Lic. Camila Reveco 

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia

Los bares y cafés, los patios y las baldosas; las mesas, sillas y tazas de café… los barcos y grullas de papel. Todo es visto por la artista mendocina Laura Rudman desde una experiencia estética, todo está cargado de nostalgia. Cada pintura, es una casa (un hogar) lleno de historias.  “Me inspiro en una palabra, en un pedacito de una canción, en alguna poesía… Está dentro de mí lo que yo quiero decir, lo que quiero hacer. Casi te podría decir que para mí, “artista”, es aquel que se vale del oficio y de la herramienta para expresar profundamente lo que es único, lo que es interior. Toda la obra es un camino para poder desentrañar conceptos e ideas en el papel, en el volumen, en lo que sea”, expresa.

Hija del periodista Julio Rudman y esposa del escultor Leandro Pintos, Laura nos recibió en su casa para esta entrevista exclusiva dónde hablamos sobre la infancia, el tiempo en la Universidad, el oficio, sus Maestros, los temas de su pintura, el arte femenino y la importancia del “otro” para el proceso creativo.

Sheryl Luxenburg: "Soy una persona extremadamente organizada y sistemática"

Internet nos permitió descubrir a Sheryl Luxenburg, pintora de gran trayectoria que vive y trabaja en Canadá y que es dueña de un oficio excelente. Está dedicada al hiperrealismo, y logró con el tiempo desarrollar una curiosa técnica que surgió a partir de la mezcla del acrílico con la acuarela. El resultado es impresionante y la artista, sin guardarse ningún secreto, cuenta en qué consiste. 

Por Lic. Camila Reveco 

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia 

“La lluvia borra la maldad y lava todas las heridas de tu alma” 

Luis Alberto Spinetta 

La artista plástica canadiense Sheryl Luxenburg tiene un trabajo realmente impactante. A través de sus retratos femeninos desarrolla una propuesta en donde logra, con eficacia, explorar la comprensión del constructo emocional. Nos muestra expresiones de mujeres que son modeladas por las emociones; allí hay angustia, tristeza o soledad, y el agua está presente como un personaje más, que llega para aliviar la pena, para traer un poco de calma. 

Desarrollar un tema (y saber hacerlo) es fundamental. Y lo destaco porque es común entre los hiperrealistas que se concentren sólo en la copia de forma literal, en la mímesis tajante, dejando de lado este aspecto. Evidentemente siempre sorprende el despliegue técnico del que ostentan, pero muchas veces no se sabe cuál es el sentido de la copia/de la imitación si no existe por parte del artista alguna interpretación sobre algo, si no hay interés por expresar algo más personal, si no hay inventiva… Por eso el resultado termina siendo, muchas veces, frío y carente de imaginación. 

No es el caso de Sheryl. En ella está presente el dominio técnico, la impecable factura; pero también es evidente su interés por el estudio de las emociones y el mundo interior de los seres humanos. Ella sabe muy bien qué quiere representar, planea de forma muy meticulosa cada obra. Nada de azar o improvisación en su pintura. Lo de ésta canadiense es pura planificación, y es una forma válida de trabajo que da cuenta de lo exigente y riguroso que es el Hiperrealismo, sin duda, un lugar para pocos, que concentra a los pintores más obsesivos. 

También es llamativo lo tremendamente generosa que se muestra la artista al momento de compartir secretos técnicos; esos que sólo la práctica y la experiencia de más de cuarenta años le han permitido descubrir. En su página web y en esta entrevista cuenta abiertamente sus métodos que seguro, resultan reveladores para más de uno. No es habitual éste gesto por parte de los pintores, que muchas veces se muestran celosos al momento de compartir conocimientos o experiencias, más si se trata de hacerlo de forma desinteresada. 

“Si bien hay poca actividad hiperrealista en Canadá, Jason de Graaf, Alvin Richard, Anne-Marie Kornachuk y Paul Beliveau son algunos de los hiperrealistas que están entre mis favoritos”, cuenta y agrega: “También puedo mencionar a Ken Danby y Alex Colville… Pero en Canadá hay, sobre todo, excelentes artistas en el ámbito del paisaje o del arte abstracto”. 

¿Qué artistas latinoamericanos le gustan?, le preguntamos por curiosidad y nos responde: “Me encantan… especialmente Omar Ortiz, Bill Caro, Marcos Beccari, Harold Munoz y Claudio Bravo”. 

Sofía Santarone: "Toda mi obra gira alrededor de la figura humana"

Sofía Santarone es una joven artista plástica argentina nacida en la provincia de Mendoza en 1980 y está radicada en Ecuador desde hace seis años. Su obra está plagada de simbolismos, trabaja con una variada paleta de colores vibrantes y tiene, además, un sentido del detalle impresionante.

Por Lic. Camila Reveco

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia

-Me llama la atención lo laborioso de los fondos en muchos de tus trabajos ¿Les das más interés que a las figuras?

-Ha sido todo un trabajo el de ir complejizando los fondos, porque al principio las figuras no tenían fondos trabajados, estaban “solas”, muy “huerfanitas”, digamos. Entonces, para ponerlas en contexto, empecé todo un trabajo de elaboración de los fondos. Al principio, eran más bien abstractos, como formas de relleno y, eventualmente, comencé a complejizar, como decís vos, la técnica, poniéndola al servicio de la figura. Toda la intención de mi obra gira alrededor de la figura humana y, en realidad empecé a hacer los cuadros en duro para tener la posibilidad de seguir dibujando y no tener que preocuparme por enmarcarlos, o transportarlos. Todos los fondos son una justificación, un elemento contenedor. La figura es lo primero que aparece en la creación y alrededor de eso voy construyendo lo que es el fondo. A esta altura de mi carrera, digamos, los fondos se han complejizado mucho, pero en realidad toman importancia por la cantidad de trabajo, aunque todo gira en función de la figura o las figuras centrales.

Juan Lascano: "La cualidad fundamental para un realista es la paciencia"

El gran realista argentino en entrevista telefónica exclusiva con Ophelia se refirió a su método de trabajo, habló sobre el presente de la figuración, e incluso sobre las artistas mujeres y su lugar en la Historia del arte.

Por Lic. Camila Reveco

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia

-Bodegones, desnudos, paisajes… Ha incursionado en gran variedad de temas desde siempre pero ¿dónde radica a su interés por el paisaje y qué es lo que más lo seduce de este género?

-El paisaje patagónico es tan deslumbrante, tan imponente en cualquiera de sus manifestaciones que para mí es una muestra perpetua de fascinación y es un gran desafío porque incluye la zona de los lagos con sus bosques gigantes y al mismo tiempo la parte esteparia que es tan fascinante como los bosques.

-En su estudio constante sobre la luz ¿cuáles son las ventajas de pintar al natural, del modo que lo hacían los impresionistas? 

-En realidad, cuando una pinta con luz natural las ventajas desde el punto de vista mecánico no son muchas, porque la luz natural cambia continuamente. El desafío es mucho mayor, precisamente por eso. Si el sol se pone, si las nubes lo tapan… la luz cambia y eso determina todo el tiempo diferentes reflejos, matices, gamas de colores. Ósea que en realidad la luz natural complica un poco la vida, pero la enriquece. Y yo ante la simplicidad y el enriquecimiento, prefiero el enriquecimiento. Desde luego que he intentado pintar con luz eléctrica pero es una luz muy pareja, demasiado monocroma y me parece poco interesante por eso elijo la luz natural.

Paula Dreidemie: La pintora de las nubes

En entrevista exclusiva para “La Sed de los Peces”, la artista plástica mendocina visitó el estudio de la radio para contarnos sobre sus inicios en la pintura, la forma en la que trabaja los fondos de sus cuadros y mucho más. La suya, es una pintura que concentra el interés en el aire y la atmósfera y pone especial énfasis en el trabajo de la luz. Sus cielos y nubes tienen vibración y están plagados de poesía.

Por La Sed de los Peces

Fuente: Revista Ophelia

-Del diseño gráfico a las artes plásticas:

-“Durante la etapa de la secundaria tuve plástica un año y era la materia que más me gustaba, pero por problemas de conducta me fui a un colegio en donde no tenía plástica. Siempre que veía a mis ex compañeros -que sí tenían plástica- les preguntaba qué habían hecho, y les pedía que me mostraran los trabajos que hacían, porque me apasionaba todo sin entender nada. Salí del secundario muy a la deriva, me gustaba dibujar, pero nunca había podido tener la experiencia de hacer talleres o cosas referidas a esta. Elegí diseño porque en el momento me pareció que tenía más salida laboral. Allí me di cuenta que tendría que trabajar con lo que el cliente me pidiese y no era lo que yo quería. Alucinaba en las horas de dibujo… Y compartíamos buffet con los estudiantes de arte, de modo que siempre los veía con las carpetas grandes y sus dibujos, hasta que decidí arriesgarme y me pasé a plástica. Me sentí como un pez en el mar, aunque estoy dentro del 98% de los que no terminó la carrera. Después me empecé a formar de manera autodidáctica y Alfredo Ceverino me invitó a trabajar en su taller donde estuve unos cuatro años”.

Facundo de la Rosa: "Una pieza monumental puede caber en la palma de una mano"

En entrevista exclusiva para “La Sed de los Peces”, el escultor mendocino visitó el estudio de la radio para contarnos detalles de su trabajo, nos habló sobre la magia que esconde cada material y cómo puede relacionarse éste lenguaje con el musical. Su forma de expresarse nos habla de un persona llena de sensibilidad hacia el arte, receptivo a elevadas inspiraciones y con un amor genuino por su oficio. En él conviven dos aspectos fundamentales del arte; el elemento formal y el interno.

Por: La Sed de los Peces

Fuente: Revista Ophelia

-Todo empieza por casa:

-“Tengo un enorme agradecimiento a mis padres porque son dos personas que me pescaron la volada y me incentivaron. En ese sentido arranqué con la pata derecha. El camino lo hace uno solo pero estoy agradecido de haber sido apoyado. La verdad es cada vez sucede creo con menos frecuencia eso de que a personas, que nacen con ese “bicho interno” por crear, las familias que les digan: “con eso te vas a cagar de hambre”. Yo me crie viendo libros de Historia del arte, viendo a mi vieja pintar, y tuve el incentivo por genética. Pero uno tampoco se puede quedar con eso. Hay que entrenar la constancia sin desistir. Se debe ser perseverante, estratega e inteligente”.

Ana Taulis: Arte íntimo e intenso

Ophelia en Santiago de Chile: Entrevistamos en exclusiva a la pintora chilena Ana Taulis en la Comunidad Ecológica de Peñalolén, lugar en el que vive y trabaja; y estuvimos con ella en el Museo de Arte Modesto que allí funciona, a cargo del artista Alejandro Garros que amablemente nos recibió. La Comunidad queda a poco más de diez kilómetros del centro de Santiago, hacia la Precordillera. Muchos artistas, incluida Ana, fueron llegando a esa zona en la década del 80; todos buscaban un destino más natural donde vivir en un Chile atravesado por el miedo y la violencia. Iluminándose con velas y faroles, de manera totalmente espontánea, se formó de a poco el ambiente que es hoy: un espacio que ofrece variadas alternativas culturales, donde vive gente cálida, sintonizada con la Tierra y donde se mezcla la bohemia, el arte y la ecología.

Cae

Cae eternamente 

Cae al fondo del infinito

Cae al fondo del tiempo

Cae al fondo de ti mismo

Fragmento de “Altazor” de Vicente Huidobro

Por Lic. Camila Reveco 

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia

De niña Ana Taulis se imaginó compitiendo en las Olimpiadas; quería ser atleta. Viajó mucho por varios países debido a la profesión de su padre, y el cambio de entornos sociales, gente y paisajes, gestó en ella una sensibilidad especial que iba a mezclarse de a poco con una gran cuota de nostalgia. La nostalgia de “no ser parte de ningún lugar”, como dice. O de ser parte de muchos lugares al mismo tiempo. Las marcas de esa infancia errante se manifestaron y quedarían plasmadas por siempre en su trabajo plástico.

Luego, en el transcurso de la secundaria, su propuesta se fue consolidando. Allí, si bien no se sentía buena dibujando, al menos no tan buena como el resto de sus compañeros, fue encontrando de a poco la forma de expresar en el dibujo emociones y sentimientos. Sueños, recuerdos y su mundo más íntimo comenzaron a plasmarse de forma visceral y auténtica.

La obra de la artista chilena Ana Taulis está conectada a lo profundo, ligada a lo emocional, motivada por el sentimiento. La pintora crea imágenes de una poderosa sugestión, capaces de dialogar calladamente con el espectador. Sabe muy bien utilizar ciertas deformaciones, y lo hace siempre con una clara intención expresiva. El conjunto se percibe delicado, íntimo e intenso generando una cálida tensión, de gran personalidad.