"Cordillera de los Andes": Primer encuentro binacional de artistas argentinos y chilenos

El primer encuentro binacional de artistas visuales tendrá su capítulo mendocino el viernes 3 de mayo, a las 20.30, en el Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel. El sábado 4, se presenta la Revista de arte Ophelia número 3. La segunda etapa de esta exposición será en septiembre, en Santiago de Chile. 

Por Redacción Ophelia 

“Cordillera de los Andes”, la exposición binacional que reúne a cuarenta artistas argentinos y chilenos de reconocida trayectoria, inaugura el viernes 3 de mayo a las 20.30 en el imponente Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel, uno de los espacios más bellos de la Ciudad de Mendoza que reabrió sus puertas en marzo del año pasado luego de haber estado 41 años cerrado.

Camila Reveco, editora de Revista Ophelia (Mendoza) y Soledad Neira, directora de Galería de arte Fondo y Forma (Santiago de Chile) han sido las encargadas de la organización de este encuentro de arte que tiene como objetivo rendirle homenaje a este impactante acontecimiento natural que tantos significados adquiere para ambas ciudades. Para eso han reunido a importantes artistas visuales de ambos lados de este macizo montañoso preguntándoles, que denota, para ellos este cordón montañoso que atraviesa gran parte de nuestro Continente.

El evento cuenta con el auspicio de la Secretaría de Cultura de Mendoza y de APECH (Asociación de pintores y escultores de Chile); podrá verse hasta el 3 de julio y, de acuerdo al cronograma previsto, durante el mes de septiembre la muestra se trasladará a Santiago de Chile.

Al otro día de la inauguración, el sábado 4, también en el Museo Carlos Alonso, los artistas convocados a a participar de Cordillera, protagonizarán -a partir de las 17- un conversatorio para compartir experiencias creativas y se presentará oficialmente la Revista Ophelia Nº3 que destaca en esta oportunidad la obra de la pintora mendocina Omara Serú. En el panel estarán reconocidos especialistas de Argentina y de Chile que forman parte de éste último ejemplar: Gisela Sanhueza, Gimena Iriart, Soledad Neira, Mercedes Fernández, Andrés Cáceres.

La entrada es libre y gratuita.

 Betsabé Stay  y Camila Reveco, de Revista Ophelia

Jorge Porras: Mi obra se mueve, muta, se transforma a cada instante

Creador de mundos fantásticos protagonizado por seres ancestrales, guerreros, vírgenes, bestias y máquinas. La propuesta del pintor ecuatoriano Jorge Porras, plagada de imaginación, nos recuerda lo ilimitada y subjetiva que resulta la representación. En exclusiva, la entrevista con Revista Ophelia.

Por Camila Reveco desde Argentina

Fuente: Revista Ophelia

creveco@revistaophelia.com 

Defensor de la pintura tradicional, el artista Jorge Porras, nacido en Ecuador en el año 1968, se permite experimentar con ideas y materiales variados e investiga todo tipo de técnicas para dotar de una mayor expresividad a su obra.

El buscar un lenguaje plástico, una identidad, te hace transitar por un sinnúmero de lugares, unos fáciles y otros con sobrecarga de influencia, dice.

Cultor de un trabajo cargado de simbolismos, de sello personal y reconocible, es evidente en Porras la influencia que ha recibido de artistas de la talla del francés Gustave Moreau (1826-1898), del austriaco Gustav Klimt (1862-1918) y, especialmente, de los maestros del Renacimiento, en particular de Leonardo Da Vinci.  Pero a su vez, se mezclan en sus cuadros recuerdos de la infancia ligados a su Cotacachi natal.

Los aromas, sonidos e imágenes generaban en mí un mundo personal lleno de encanto y memoria”, describe.

La atmósfera general de sus pinturas concentra un alto componente espiritual y de ensoñación. Cada obra exige al menos dos miradas sigilosas: una para el conjunto, otra para los detalles. Allí no sólo se concentra una excelente ejecución, también es evidente el peso conceptual de su propuesta.

Busco capturar lo espiritual, la esencia de los personajes y las atmósferas, según la cromática, porque son la esencia del hombre, de Dios, el todo”, explica.

Karen Pinto Monroe: Voy buscando la mejor manera de plasmar lo que siento

En su obra subyacen figuras de su subconsciente sobre las cuales va dibujando patrones de los tejidos y vasijas indígenas. Con su arte quiere homenajear a la cultura prehispánica. “Mi amor y respeto a mis ancestros mapuches, y a toda su cultura y cosmovisión, me inspiran a la hora de crear”, dice la artista chilena en esta entrevista exclusiva. 

Por Camila Reveco 

Fuente: Revista Ophelia 

creveco@revistaophelia.com 

“Hace más de una década decidí emprender este camino y no me arrepiento“. Lo explica la artista Karen Pinto De La Calle (1979), “Monroe”, que si bien en un principio estudió periodismo decidió  luego volcarse de lleno a la pintura, allí encontró su verdadera pasión: “Me considero autodidacta, ya que voy experimentando y aprendiendo”, comenta y agrega: “Lo que subyace en mi pintura son las emociones. Voy liberando emociones y sentimientos con figuras y colores. Mi obra tiene pedacitos de mi alma”.

Dueña de una pintura visceral y colorida, la gestora y crítica de arte colombiana Gina González expresa que Monroe “juega con la percepción visual y su significado, su paleta colorida y armoniosa rellena la silueta y simula un cubismo étnico muy original y novedoso” y luego añade:

Su obra siempre se ha caracterizado por la plasmación de una estética postmoderna, atractiva, seductora, siempre bañada de colores vibrantes y un toque infantil. Pero en esta esta ocasión da un paso más allá, dibuja encima de lo existente, escribe una nueva historia. 

Graciela Genovés. "El discurso del arte contemporáneo es intolerante"

Aficionada a pintar lo que encuentra a su alrededor (personas, paisajes, calles, objetos), su obra es, ante todo, vibrante. La artista platense, radicada en el barrio de San Telmo, lejos de eludir la polémica se refiere aquí a los tópicos más sensibles que habitan dentro del circuito del arte contemporáneo y nos revela detalles sobre su oficio. 

Por Camila Reveco

Fuente: Revista Ophelia

creveco@revistaophelia.com

Cultora de una pintura tradicional y aprendiz del maestro Osvaldo Ernesto Attila (Buenos Aires, 1933-2006), la artista plástica Graciela Genovés (1962) es dueña de una obra alegre, plagada de colores vivos, de luz y de armonía. La suya es una pintura urbana que representa espacios de su mundo cotidiano,  siempre en tono intimista y generando un aire de irrealidad permanente. Sus cuadros son una fiesta.

Me gusta que en mis pinturas se note que están hechas acá en Buenos Aires, que están hechas con esta luz, hechas con esta gente con la que comparto la calle, el barrio, la cuidad”, dice.

En su trabajo se evidencia la superación de la dialéctica de oposición que caracterizó el arte de las últimas décadas  del siglo XX: para la artista no hay distinción entre figuración y abstracción; sus óleos generan un espacio ideal para la convivencia entre estos de modos de ver, y siempre lo logra a través de una atmósfera peculiar que brinda una sensación general de plenitud.

Yo cuando pinto lo que intento es ver y de laguna manera traducir plásticamente lo que veo, y lo que veo no es totalmente abstracto. Tiene un componente abstracto pero también tiene un montón de aspectos reconocibles “de la realidad”, cuenta.

Interpeladora, Graciela pone en duda la idea de la “democratización” del arte contemporáneo que se pregona bajo consignas como “todo es arte” o “todos son artistas”, cuando son cientos los artistas que están siendo, en este momento, excluidos de muchos circuitos de exhibición.  Se promociona a los que llaman “artistas conceptuales” o “emergentes”, pero lo emergente resulta ser, en muchos casos, algo vacío de contenido e incomprensible, que poco o nada tiene de ruptura y mucho menos de vanguardia.

“Dentro de este discurso que aparentemente es tan democrático, tan progresista, se esconde una intolerancia muy grande, porque en base a este discurso, excluyen a artistas de ferias, lugares de exposición, difusión y venta de obras, de los medios de comunicación y de todo tipo de aliciente de la práctica artística”, sostiene.

Jorge Iglesias: "El desnudo y el sexo siempre han sido controversiales; dan miedo"

En exclusiva, la entrevista con el artista colombiano que vive y trabaja desde la ciudad de Bogotá. Multifacético; se dedica al arte plástico y también le gusta escribir. Aquí nos referimos a sus dibujos y, en especial, a su propuesta erótica donde nos muestra escenas de la vida intima.

Por Camila Reveco

Fuente: Revista Ophelia

creveco@revistaophelia.com 

Si lo pensamos en términos generales podríamos suponer que el arte es siempre erótico, en el sentido de que hay obras que emocionan o conmueven, que esconden un “secreto”, y eso está muy asociado al deseo. Hay en la emoción estética una especie de orgasmo. Pero existe un arte que es específicamente erótico, y que siempre ha llamado la atención de forma especial ¿por qué? ¿qué nos resulta tan tentador? Pensemos en “Leda y el Cisne” de Miguel Ángel, o en “Mujeres abrazadas” de Egon Schiele, y tantas otras maravillas de la pintura de distintos periodos de la historia.

Pero retomando la pregunta acerca del porqué ver arte erótico es, al menos, llamativo, podríamos suponer, que lo que logra un dibujante, como Jorge Iglesias,  al representar escenas de la vida sexual es, en definitiva, exponernos. ¿Por qué? Porque nos muestra  escenas que forman parte de nuestra vida intima, que pertenecen al ámbito de lo  privado,  pero él las convierte en algo publico y eso genera un efecto un tanto inquietante, de dulce tensión.

Jorge Iglesias entiende que sus enredos, como los llama, -en los que trabaja desde hace más de dos años-, son principalmente eróticos (no son, según él, sensuales, tampoco pornográficos):

Yo pongo a mi obra en el renglón de lo erótico: a veces soy explícito, a veces no; a veces soy fuerte, a veces soy suave; pero en la mayoría de mi obra, soy erótico”.

Son eróticos porque provocan un placer que involucra el cuerpo. Y en la obra del artista colombiano vemos representado el deseo sexual y el orgasmo en mujeres y hombres entregados al placer. Disfrutan de su sexualidad sin miedo. Disfrutan de un beso, de una caricia, de sus genitales,  de la erección. Avanzan con desenfreno, de la misma forma que Jorge avanza en sus dibujos espontáneos y frescos que se originan a partir de un garabato, de un impulso.  De su trazo (a veces fuerte, a veces suave) emergen mujeres y hombres poderosos (lo erótico implica poder) pero por sobre todo, libres.

Y la libertad (siempre) es fiebre.  

Claudia Kaak: "Mi pintura captura momentos de turbulencia"

Comenzó a dibujar de niña, estudió arte e hizo un profesorado en historia. “En mis épocas de estudiante devoraba libros sobre arte y visitaba museos”, cuenta. La joven artista alemana centra su atención en la pintura figurativa y se interesa en la representación de todo tipo de emociones vinculadas, siempre, a su experiencia personal.

Por Camila Reveco

Fuente: Revista Ophelia

creveco@revistaophelia.com

“Los alemanes hablan muy poco de sus sentimientos porque mostrar emociones es visto como una señal de debilidad”, dice Claudia Kaak (Heppenheim, Alemania 1987). Pero ella hace exactamente lo contrario. Su obra está marcada por la auto referencialidad: “Sufro de algunos problemas como estrés post-traumático. Y creo que es importante hablar de eso en mi obra para romper el estigma”, explica y agrega: “Mi trabajo representa muchos sentimientos existenciales y captura momentos en el tiempo de mucha turbulencia psicológica y emocional, que se relacionan a situaciones de violencia y traumas que no son exhibidos de manera explícita”

En su pintura existe un componente altamente psicológico, que convive en una atmósfera meditabunda, casi melancólica. Claudia prefiere que sus obras hablen por ella y, en este sentido,  nos transmite un mensaje muy evocador al insinuar en sus composiciones la complejidad de una mente inquieta:

“Quiero mostrar ese desorden de emociones, no esconderlos. Opino que esconder tus emociones no es bueno ni para las personas como tampoco para nuestra sociedad”.

-Considerando el carácter autobiográfico de tu obra ¿piensas que el arte tiene un lado “terapéutico”? ¿Cura heridas?

-De cierta manera. A veces puede ayudarte a analizar las cosas de una manera diferente porque uno tiene que lidiar con ellas durante el proceso de creación. Depende del tema. Pero no podría decirte que “cura” heridas. No sé si mis heridas se curarán algún día. No puedes “superar” algo que todavía está sucediendo. Pero espero poder aprender a vivir con esas heridas.

Anna Wypych: "Me interesa pintar la condición humana"

Artista polaca de gran reconocimiento, la joven pintora, en una entrevista exclusiva, se refiere a los temas que la inspiran al momento de crear y cuenta detalles acerca de la ciudad en la que vive. Los desnudos que representa son tan sólo “una excusa para exhibir a la mente en su estado más puro”.

Por Camila Reveco

Fuente: Revista Ophelia

creveco revistaophelia.com

Como lo narra a través de su web, Anna Wypych  (Gdansk, Polonia, 1986) es “pintora, mama, esposa y vive en las orillas del hermoso mar Báltico”. Su trabajo es básicamente realista pero tiene elementos hiperrealistas y surrealistas. En su obra relata historias sobre pensamientos y sentimientos, y de esa forma se concentra en cuestiones muy concretas de comunicación que implican una reflexión sobre el arte.

“Todos saben que la destreza física y la astucia son importantes, pero hay cosas aún más importantes: la determinación, la fuerza de voluntad, ser testarudo y obstinado. Son cualidades que me encanta buscar en las personas para después pintarlas”, dice.

Anna forma parte de la nueva camada de pintores realistas del siglo XXI que, a través de un perfecto dominio de la técnica como base de cada una de sus obras, evidencia lo viva que está la pintura en este contexto tan confuso en donde pareciera que todo es arte.

La historia de Polonia vuelve todo el tiempo a su arte y cultura, y constituye, seguramente, un continuo punto de referencia, un eterno memento. “El arte es una especie de arma en la mano. Separar el arte del amor a la patria es imposible”, expresó el pintor Jan Matejko (1838-1893), el artista polaco más importante del siglo XIX. Nacido apenas un año antes que Paul Cézanne, fue un clásico académico, pero su arte dio forma a la imaginación de muchas generaciones de polacos. No podemos dejar de mencionar las joyas cinematográficas modernas que directores de cine como Roman Polanski o Krzysztof Kiéslowski nos han regalado.

Estamos, sin duda, atravesando un momento crucial marcado por internet y las nuevas tecnologías, que ha generado ventajas magníficas, sin duda, aunque también es válido preguntarse acerca de los riesgos de esta globalización cultural que representa, en definitiva, un desafío para las culturas e identidades de los pueblos. En este sentido, se destaca el especial arraigo que esta joven artista siente por su Polonia natal, que evidencia cómo las estructuras sociales le pueden brindar al artista condiciones determinantes para su creación.

“Se podría decir que somos un poco grises, y eso se puede subestimar mucho, pero es hermoso ver como el gris varía en sus tonos”, expresa Anna y agrega: “Aunque no estoy directamente inspirada por el lugar en dónde vivo, por el simple hecho de vivir aquí, tengo este lugar y su cultura profundamente arraigadas en mis huesos y en mi alma”.