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viernes, 22 de julio de 2016

Esther Gomez Urdiales: “Tenemos una sensibilidad distinta a la del hombre"


La artista española Esther Gomez Urdiales está especializada en la técnica del pastel. Con ella dialogamos no sólo de pintura, sino también de la fuerte convicción que necesitan muchas mujeres a la hora de dedicarse de lleno a eso que las hace felices y que las realiza plenamente. La historia de ella, es la historia de muchas otras, que por su perseverancia se mantienen dentro del camino de la expresión. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina



“Mi taller está en Málaga, España. Es un taller no demasiado grande pero cómodo para pintar ya que está en mi propia casa. Allí tengo todo lo que necesito para poder trabajar a gusto. Sí…., tenía facilidad para dibujar desde chica, pero sobre todo para imaginar...No. No había artistas en la familia”, así comienza el diálogo con la artista plástica española Esther Gomez Urdiales, nacida en la ciudad de Málaga en el mes de abril del año 1970. “Me gusta la paz del campo y adoro mi tierra... esta es una ciudad muy completa. El lugar donde vivo no es que me inspire especialmente, pero la paz e introspección que me proporciona me ayuda a ahondar en mi evolución artística”, agrega después. La pastelista Esther Gomez Urdiales divide su tiempo entre la familia y el arte. Tiene tres hijos de quince, veintiún y veintinco años, pero además se encarga de sus animales, cuatro perros y tres gallinas. Su casa-taller está ubicada en el campo, pero no muy alejada de la ciudad porque todos los días de la semana lleva a su hijo más chico hasta el instituto. Cuenta además que hace retratos por encargo, y que en el tiempo que puede, retrata a familiares por el placer simple de hacerlo: “Demoro más o menos dos o tres días por dibujo. Pero depende de los detalles que tenga que hacer”, explica y agrega: “Soy autodidacta aunque he realizado un par de cursos intensivos, y he expuesto en muestras colectivas... de manera individual aún no”. -“Tus hijos, -le pregunto- ¿qué piensan sobre tu actividad como artista? ¿Se sienten orgullosos de la mamá? Me responde: -“No. Me siento completamente sola en este camino. Ellos preferirían que trabajara en algo que nos reportara más dinero... ellos no tienen nada que ver con el mundo artístico. Lo que pasa es que soy muy cabezota y sé que tengo un camino largo de evolución artística, pero es un camino que yo veo”. -“Claro, -comento- tienes potencial. No puedes dejarlo a un lado.” Se apura en tipear para contestarme y me explica: -"Eso no. Prefiero morir de hambre que dejar el arte a un lado. El dinero es necesario pero no es el que mueve el motor de mi vida”. 

Con féminas como Esther, el mito del "sexo débil" parece quedarse sin piso. Al rato, le digo que han sido muchas las mujeres talentosas que por diversas circunstancias de la vida, dejaron guardado todo su potencial sin volver a expresarse artísticamente; y otras que quizás se fueron amoldando, de a poco, a ciertos requisitos y exigencias que le inculcaron de chicas... Entonces pasa a contarme: “Yo pase por una depresión luego de divorciarme (hace seis años). Quería morirme. Estuve casi tres años sin agarrar un lápiz. Pero vi que tenía que salir de algún modo, así que sin ganas me obligué a dibujar... Al principio no me salían cosas muy buenas, pero me daba cuenta de que al menos en ese rato dejaba de pensar en mi ex marido. Y dejó de importarme el resultado... poco a poco fui mejorando. Gran parte de mi recuperación se la debo al arte”. 

Esther Gomez Urdiales ha sorteado toda una serie de obstáculos para dedicarse a pintar de manera profesional. Hoy da clases grupales y dice que se la conoce más afuera de Málaga que en su propia ciudad ("nadie es profeta en su tierra..."). Ahora justamente es esa su asignatura pendiente, y por eso tiene varios proyectos que quiere concretar.


-¿Cómo cuáles? -“Cursos intensivos, exposiciones colectivas, Masterclass con entrada libre, participar más concursos -porque no lo hago muy seguido-... y también quiero crear una escuela de pastel”, concluye. Acá, la entrevista con una pintora que hace oídos sordos a las presiones y convenciones sociales; y su excelente trabajo.





martes, 19 de julio de 2016

Diez pintores contemporáneos nos dicen cuáles son sus obras clásicas favoritas


Usted, artista: si tuviera que pensar en una pintura que siempre le haya causado profunda admiración... ¿cuál elegiría y por qué?

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina




Esta ha sido una pregunta recurrente. Y a propósito. Tenía ganas de llegar a un número significativo de respuestas para armar luego un artículo y ver qué había sucedido... comparar gustos, establecer hipótesis y sacar conclusiones... Totalmente imposible. Gustos son gustos.
Siempre sentí curiosidad por saber qué siente un pintor cuando se enfrenta a una pintura que le gusta, que lo conmueve... ¿qué ve? ¿qué admira un artista plástico de otro artista plástico?
Quizás mi duda exista porque desde chica escuché a mi padre -pintor- hablar en casa con mucha frecuencia, y con una pasión desmesurada, sobre ciertos período de la historia del arte, destacando a algunos pintores sobre otros y refiriéndose a pinturas -o aspectos de éstas- con lujo de detalles.
La realidad es que muchos artistas sí tienen SU gran obra favorita; quizás la que ellos mismos hubiesen querido pintar, o no.Lo importante es que estos diez artistas han podido elegir a una (sólo una) dentro de toda una cantidad impresionante de pintura que han visto a lo largo de su vida. Una especie de "misión imposible" que hizo dudar a algunos más que a otros...¡pero estos lo lograron!
En esta primera entrega, les comparto las grandes obras maestras que eligieron diez artistas plásticos argentinos y contemporáneos. Diez artistas de diferentes generaciones, de distintas provincias de nuestro país y que tienen a su vez distintas especialidades: pintura, escultura, arte digital e ilustración.
Se trata de Helmut Ditsch, Gustavo Toniutti, Agustín Viñas, Matías Sosa Wulf, Rubén Reveco, Federico Calandria, David Acevedo, Martín Motta, Beatríz García Huertas y Félix Pablo Villagra. Todos entrevistados en este mismo blog.

Reitero entonces la pregunta común que nos ofrece respuestas tan variadas: 

-Si tuviera que pensar en una pintura que siempre le haya causado profunda admiración... ¿cuál elegiría y por qué?

Collage de Barry Kite 

domingo, 17 de julio de 2016

Pintura "hot": Lo mejor del arte contemporáneo, al desnudo

 Pintura de Rubén Reveco

Desde hace dos años vengo publicando entrevistas de artistas plásticos, en especial de pintores figurativos. Ahora, este espacio virtual cuenta con sesenta notas. Y en cada una se desgranan relatos, sentimientos y maneras de concebir al arte desde la mirada de distintos creadores, que si bien tienen perfiles diferentes, los une a muchos la figuración como estilo al momento de plasmar sus capacidades expresivas. 


Por Camila Reveco 
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas 
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina



Les comparto en el siguiente artículo la obra "al desnudo" de ocho de los mejores pintores contemporáneos que le dan vida a este blog, y anexo fragmentos de las entrevistas en donde vierten sus impresiones respecto al erotismo, los estereotipos de belleza, el sexo y la relación con el cuerpo. Tema vasto e incluso hermoso. 


(Nota: Si cliquean en el nombre del pintor pueden acceder a la nota completa en otra pestaña)

Pintura de Alfredo Araujo Santoyo


jueves, 14 de julio de 2016

Consuelo Hernández: "Realismo, realismo... no te alejes del realismo"

Sin eludir ningún tipo de polémica, la artista española Consuelo Hernández sostiene: “Volvemos a ser protagonistas y testigos de una significativa revalorización del arte figurativo”. En esta entrevista la pintora se refiere al “arte contemporáneo”, el “realismo madrileño” y establece nexos entre su arte con la extensa formación humanística lograda. 

Por Lic. Camila Reveco
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

"Muchas veces oí repetir a mi padre: “Realismo, realismo... no te alejes del realismo”, expresa la pintora española Consuelo Hernández, nacida en Tornavacas y radicada actualmente en la ciudad de Madrid. Fue justamente con él, con quien recorrió por primera vez y a la edad de siete años, el grandioso Museo del Prado y las obras de los grandes maestros como Velázquez, Goya, El Greco, Rembrandt. 



Fundamental es la influencia de los padres para la conformación de la identidad personal y la elección vocacional. Consuelo Hernández, repitió una y mil veces esos recorridos por los museos, y terminó dedicándose a la pintura. Por supuesto, a la pintura realista. 


Una nota sin desperdicios porque estamos hablando no sólo de una excelente artista plástica, sino también de una mujer con una sólida formación humanística vinculada a la filología románica, ciencia que estudió en la tradicional y prestigiosa Universidad de Salamanca.




miércoles, 13 de julio de 2016

Andrés Alarcón: "La pintura me ha enseñado a vivir"






El pintor colombiano se refiere en esta entrevista a la figuración, la conexión entre el arte y la felicidad, y sus motivaciones más grandes como artista. 



Por Camila Reveco 

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas 

camilareveco.mza@gmail.com 

Argentina


El joven pintor colombiano, Andrés Alarcón, nacido el 6 de septiembre de 1988 en Bogotá, Colombia se impone como una de las más grandes promesas de la pintura figurativa contemporánea.

Desde hace ocho meses está radicado en Guadalajara, México. El miércoles 13 de julio presentó treinta y cuatro de sus mejores obras en el Museo del Pueblo de la ciudad de Guanajuato. Se trata de su primera muestra individual en ese país y lleva por nombre "Tiempo en la piel". 

En la misma, Andrés Alarcón, a través de su atractiva pintura reflexiona acerca de los estragos del tiempo, y así, nos hace reflexionar sobre la vida, el amor, el olvido, el pasado y el futuro. Ese tiempo vivido que indefectiblemente se manifiesta en la piel y que esconde siempre, de una u otra forma, la juventud ansiada y recordada de forma nostálgica -como una nebulosa- y la resistencia a la vejez. 

"El tema general -subraya el artista- es la piel en las cosas y en las personas y cómo es mi visión alrededor de eso. Hay una obra en gran formato, que es la principal, se llama La Espera y mide 3 x 2, es el trabajo que concentra básicamente todo lo que quiero decir". 

Por último destaca que "inaugurar significa una confrontación con mi trabajo y conmigo mismo. Por eso mismo se llama "exposición", tu te "expones", "expones" tu trabajo a las demás personas. Es una especie de termómetro que me indica cómo estoy, qué tanto impacta mi obra, si estoy dando un mensaje adecuado -acorde a lo que yo quiero decir- . Es un medidor". 

La nota, a continuación.


Manuel Castillero Ramírez: Sinfonía para una pintura








Entre la realidad y la ficción, el caos y el orden. Varias son las dicotomías presentes en el universo pictórico del español Manuel Castillero Ramírez. Un pintor del presente para la figuración del futuro.


Por Camila Reveco 
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas 
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina



Formado en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos Mateo Inurria, Manuel Castillero Ramírez es un pintor figurativo español nacido en la ciudad de Córdoba, el 2 de noviembre de 1976. Ganador de varios premios y certámenes de pintura, entre todos sus reconocimientos, merece destacarse el Primer Premio de Pintura Figurativa 2015, que tuvo un renombrado jurado. 

La lúcida obra del joven pintor andaluz tiene cuerpo y personalidad. La forma en que maneja la luz es sutil y tiene diversos efectos lumínicos que pueden asociarse con la fotografía de un cine ficcional, futurista, de ciencia ficción o post-apocalíptico en donde la desolación es la protagonista. 

En sus cuadros el hombre está de más. Hay un mundo (¿otro?) que prescinde de todos nosotros. 

Sus temáticas originales posicionan al español como uno de los mejores y más originales pintores figurativos contemporáneos. 

Para Gustav Mahler (Austria, 1860-1911), un músico que nuestro entrevistado admira, componer una sinfonía es “componer un mundo con todos los medios posible”. Para Manuel Castillero Ramírez, pintar un cuadro también. 

martes, 12 de julio de 2016

Hugo Diez: “Cuando pinto, estoy con el pasado a mi lado”




Su pintura representa a una porción fundamental de nuestra cultura argentina: el gaucho, el indio. El suyo es el mundo del campo, de las grandes extensiones de pampa, paisajes en donde el esfuerzo y el sacrificio cobran protagonismo. Con ustedes, la obra y el pensamiento del pintor Hugo Diez. 



Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

camilareveco.mza@gmail.com

Argentina



Trenque Lauquen, es una ciudad fundada por el general Conrado Villegas, que se encuentra en el oeste de la provincia de Buenos Aires y a sólo 80 kilómetros de la provincia de La Pampa. Significa en mapuche “laguna redonda” y es el lugar en el mundo que vio nacer al artista Hugo Diez, entrevistado en esta oportunidad. 

¿Por qué hago tanto hincapié en este escenario? La historia de Trenque Lauquen explica la temática representada en la pintura costumbrista de este creador argentino. Se trata de un lugar nacido para contener el avance de los indios en el oeste bonaerense. Allí se entrelaza la historia de sus orígenes con la Conquista del Desierto y el posterior poblamiento de las pampas, que posibilitó esa campaña. Por eso, el universo pictórico de Hugo Diez se entiende y justifica a partir de ese lugar específico que le brindó según dice: "Una atmósfera maravillosa", e inigualable. 

Allí comenzó a crear. Sus primeros trabajos, explica, fueron pintar los telones de fondo para las obras de teatro que se hacían en su colegio, dirigido por una persona "amante de las artes y sobre todo del teatro", como lo recuerda Diez, que inculcó la pasión y el entusiasmo en sus alumnos. ¡Qué fortuna más grande encontrarse en los primeros años de formación a este tipo de gente! ¿no? 

¿Qué hace básicamente Hugo Diez cuando pinta y por qué lo entrevistamos? 

Porque a través de su trabajo, en el que abundan las pinturas panorámicas y en donde los personajes están "alejados", le quita invisibilidad al pueblo originario y reivindica las características típicas del gaucho. 

Representa con maestría y total fidelidad la vida rural de llanura, el caballo, la vestimenta y los típicos facones, así como los valores ligados al sacrificio, la solidaridad, la lealtad, la hospitalidad, y la valentía. Todo eso puede verse en sus lienzos. Y más. Hugo Diez es un pintor con escarapela. 


martes, 5 de julio de 2016

César Santos: La fiesta del Realismo



El artista plástico cubano-estadounidense César Santos tiene una imaginación y un virtuosismo privilegiado. Es dueño de una obra minuciosa, de técnica depurada, con una precisión y densidad realmente notable. Aquí, la entrevista exclusiva con uno de los mejores pintores realistas contemporáneos del mundo. 


Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina


La propuesta de César Santos, tan contundente como original:
   

Nació en Santa Clara, Cuba en 1982 y desde el año 1995 reside en Miami, Florida. César Santos es un pintor joven pero su obra es madura. Tiene un acabado impecable, en la que se entremezclan áreas de carbonilla y pintura al óleo. Todo lo que pinta este artista cubano, guarda una intensa belleza y a la vez representa un aire fresco que sorprende y seduce. 



Su pintura es sólida. Santos fue reconfirmando su talento a través de los años. Hoy su marca como pintor es destacada por todo el mundo. 



La obra que ha logrado envuelve al espectador en una órbita de misterio y fascinación que si bien aborda temáticas distintas, tiene como común denominador una atmósfera que se puede identificar con claridad. En cada lienzo se reconoce su aliento, su soplo, eso que se llama “estilo”. 

Se trata de un pintor ambicioso, dotado con una agudeza y sensibilidad que lo transforman en inclasificable. Cruza géneros, crea híbridos en donde convive lo clásico y lo moderno, va más allá de donde los límites pictóricos le permiten. 

Dotado de un increíble conocimiento sobre técnicas de pintura y admirador de la obra de los grandes maestros de la historia del arte, César Santos nos ofrece un trabajo grandioso, que se termina por agradecer: que exista lo suyo nos alivia porque significa que la pintura realista está más viva que nunca y que ha sabido mantenerse en un contexto de tanta improvisación y falta de rigor absoluto. 

En la nota, el artista César Santos explica su experiencia como estudiante de la Angel Academy of Art (Florencia, Italia) lugar en el que aprendió “realmente a dibujar”, como afirma. Fue el espacio que pudo acercarlo a ese anhelo que mantuvo siempre por “pintar con la mano lo que vemos con los ojos”, parafraseando al novelista francés Honoré de Balzac (1799-1850). En el Viejo Continente consiguió la sólida formación clásica que buscaba. Cuando regresó a Estados Unidos, una sólida carrera lo estaba esperando y las galerías y museos no sólo de América, sino también del resto de los Continentes expondrían lo suyo para deleite del público. Un público deseoso de ver pintura, ese mismo público que se alejó por años de los lugares de exhibición, cansado de propuestas incomprensibles de dudoso o nulo valor estético. 

César Santos sostiene, por otro lado, que dedicarse al realismo no se trata de “copiar”; porque, además de que cada pintor tiene su propia manera de "ver" el mundo, cada época ha tenido su propio realismo, acorde a las ideas imperantes de ése momento. El ámbito cultural e ideológico de cada tiempo crea una serie de estructuras formales e informales que acaban constituyendo categorías únicas e irrepetibles. Por eso hoy “copiar” a Rembrant, como explica nuestro entrevistado, no tendría sentido alguno; es tan absurdo como imposible. 

Quizás esta reflexión explique la yuxtaposición de lenguajes que atraviesa todo el universo pictórico de César Santos. Hay una búsqueda consciente por hacer uso de todas las técnicas clásicas pero a través de un lenguaje completamente contemporáneo, familiar a nuestro tiempo.  

Otro punto importante que destaca Santos es cuando se refiere al “renacimiento” de la pintura (si es que lo hubiese). Es que el pintor reconoce que si bien hay un impulso importante en torno a la vuelta por las técnicas clásicas, opina que sólo una profunda aceptación y comprensión por eso que llaman “arte contemporáneo” ayudaría a un real "Renacimiento" de la pintura en este siglo XXI. 

También habló del “abandono del retrato como tal” y nos cuenta por qué tiene, a pesar de su corta edad, una obra tan prolifera.