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miércoles, 18 de mayo de 2016

Patricia Sánchez Saiffe: Una constelación de pintura



En esta oportunidad, nos acercamos al universo pictórico de la joven artista mexicana Patricia Sánchez Saiffe. Aquí se refiere a la infancia como eje temático, el escenario creativo que palpa desde Guadalajara, el vital impulso de su familia y la propuesta de "Lotería Mexicana", entre otras cosas. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

Comunicadora de profesión, la artista plástica, Patricia Sánchez Saiffe, nacida el 26 de enero de 1978 en México y radicada en la ciudad de Guadalajara, estado de Jalisco, se dedica desde poco más de una década a la pintura figurativa mezclando significados y haciendo de cada lienzo una historia única, y al mismo tiempo, mil narraciones distintas a la vez. 

“Comencé a pintar a raíz que mi esposo me alentó a hacerlo. Yo siempre desee ser pintora, sin embargo al ir creciendo me decían que tal vez lo que deseaba era el diseño gráfico (debido a que se le podía tomar como una carrera más formal con tintes comerciales). Fue durante el bachillerato que lo estudié como técnica y resultó que lo que realmente seguía deseando no era ser diseñadora, sino ser pintora. Aunque, por azares del destino, terminé cursando la carrera de Ciencias de la Comunicación, estoy muy agradecida con todo lo que he estudiado ya que me han abierto los ojos y me ha generado mayor entendimiento a la hora de dedicarme completamente a mi pintura, pero más agradecida estoy que mi esposo vio en mí mucho antes, lo que soy hoy día. Sin él, difícilmente estaría aquí”, cuenta la creadora, Sánchez Saiffe al referirse sobre sus comienzos en el camino de la expresión artística; de la ejercitación de la mirada. 

Si bien la gracia de la infancia, y el misterio y grandeza del Cosmos, atraviesa prácticamente todo su trabajo (inspirada por su hija Regina, que es a su vez su modelo), la pintora expresa: “Para mi es fundamental renovarme en cada cuadro que comienzo. Siempre tengo en mi mente y en mi corazón la razón por la que me dedico al arte: estar realizando mí mejor obra hasta ese momento. Me da pavor maquilar mi propia imaginación”. 

Una mujer, con toda la humanidad en el alma y la capacidad para hacer pinturas de calidad. Luz, energía, trazo sin errores y hechos con mano segura, son las características que más se destacan de su arte. Una obra pictórica contundente y clara, que encierra a su vez todos los misterios e interrogantes del Universo.



-¿Cómo es Guadalajara?

-La ciudad de Guadalajara, siempre se ha caracterizado por ser sede cultural de tradiciones que nos representan como país a nivel internacional; como es el caso de La Charrería, El Mariachi y El Tequila. También ha sido cuna de grandes artistas de la Literatura y las Artes Plásticas por lo cual tenemos la fortuna de contar con importantes maestros con los que hemos crecido y vinculando nuestra ciudad con la expresión artística desde varias generaciones atrás. En los últimos años nuestra ciudad ha crecido aceleradamente lo que ha favorecido el crecimiento del foro cultural de todo el país. En Guadalajara se ha ido conformando una nueva generación de pintores de carácter figurativo de la que formo parte pues además disfruto de su cohesión, respeto a la individualidad, impulso colectivo, su carácter proactivo y compromiso con nuestra sociedad. 





- ¿Hay coleccionismo, galerías y consumo cultural? ¿Tiene lugar el realismo y la figuración? 

-Claro que sí, el profesionalismo en las galerías es cada vez más notorio e impulsan a formar nuevos coleccionistas al mostrar planes que facilitan la adquisición de obra. Ahora bien, colecciones de arte como la del Grupo Milenio y Black Coffee Gallery, por mencionar algunas, son claro ejemplo del impulso al arte en esta región; en especial a la pintura y escultura en sus manifestaciones realistas y figurativas. También existe la Colección Jumex, que aunque apoya más al arte conceptual, es una de las colecciones de mayor prestigio a nivel mundial. 



- ¿Qué relación existe entre las cosas que pintas y tu realidad, tu vida? 

-Cuando vuelvo consciente extractos de mi realidad, el deseo de trasladar ese cúmulo de emociones, sentimientos y pensamientos en una imagen, me permiten comprender plenamente que todo aquello que pinto no es azaroso ni surge de la casualidad. Lo que soy está plasmado en cada lienzo que voy trabajando pues mis ideas, anhelos, miedos y vivencias se pueden mirar a través de mis colores y pinceladas que van de la mano con mis conceptos… cada cuadro es autobiográfico. Mi mayor motivación es expresarme en cada lienzo con el desarrollo de un concepto que pueda ser leído en diferentes niveles y si bien, no hay pieza que no haya sido minuciosamente concebida y razonada previamente, existen símbolos que sigo descubriendo en el momento de su ejecución o incluso años. Mantengo una conexión muy estrecha con mi obra; a veces han llegado a traspasar los límites de la tela. Algunas se personifican, toman vida propia y en ocasiones pienso que han vivido en paralelo hasta al grado de dejar de saber si es la realidad lo que pinto o, por el contrario, si ésta se crea con lo que pinto. 

- La infancia es uno de los ejes centrales de tu obra pictórica ¿Cómo fue tu niñez? ¿Tienes recuerdos ligados al arte? 

-Si bien a “la infancia” nunca la planeé como un eje central, definitivamente ha caracterizado mi carrera. Se ha visto constante en mi obra porque mi principal inspiración y modelo es mi propia hija. Sin embargo ahora comprendo más claramente, gracias a ella también, que es la etapa en que sé que es más libre al pensar, creer y sentir… Se vuelve mi tranquilidad ante el impulso de querer tener un mundo lleno de certezas. Mi niñez fue feliz, ingenua, fantasiosa y con una gran necesidad de expresión creativa. Tengo el recuerdo de tener siempre a la mano un cuaderno de dibujo y el deseo de ser pintora. Recuerdo que cuando tenía como cuatro años entré de la mano de mi mamá a una tienda de artículos de arte y el aroma a los solventes y pinturas inmediatamente me aceleró el corazón y hasta dejé de respirar. Solo abrí los ojos lo más que pude hasta que caí en cuenta que me faltaba el aire… Hoy día me sorprendo ocasionalmente con la misma sensación, como de un vuelco del corazón, cuando hago conciencia justamente al estar pintando. 



- El atelier del artista, más allá de su lugar de trabajo, adquiere muchas veces una connotación mágica ¿Cómo es tu taller? ¿Lo sientes realmente especial? ¿Cómo lo has ido armando? 

-Mi taller tiene un ventanal desde el techo hasta el piso, que aumenta la magia con el comportamiento de la luz natural en él, pues vuelve a la luz un pigmento más en la paleta. La evolución o curso de la obra va en relación a los matices que ella le proporciona. Y claro que mi taller es especial; más como concepto que como espacio físico, porque es ahí –en el concepto- donde nacen mis cuadros realmente. Nunca me he sentido cómoda pintando con luz artificial ni en un espacio que no tenga vista hacia el cielo o hacia los árboles y por eso también mi “taller” es cualquier espacio donde pueda trabajar con esos elementos. Si bien el boceto difícilmente cambia de cómo lo diseñé ya una vez comenzado el lienzo su ejecución adquiere vida propia… se arma solo. Ya aprendí que los “accidentes” en el proceso son verdaderas ayudas. Como otros artistas, me imagino, he ido armándolo con los materiales que voy descubriendo y que me permiten crear desde hace ya doce años, aumentando y cambiando la paleta de colores, soportes, medios, libros… 

- Sostiene Rudolf Arnheim que “cuando el hombre emergió de la naturaleza, el arte emergió de entre los demás objetos (…) El arte no permitía separar una categoría de objetos de otras, pues era una cualidad común a todos. Dados que todas las cosas estaban hechas por el ser humano, el arte no requería el talento de los especialistas. Todas las cosas precisaban talento y casi todo el mundo lo poseía”. ¿Qué te sugiere? 

-El extracto en sí, pareciera sugerir que el mismo Arnheim estuviera diciendo que todo ser humano precisa del talento sin necesidad de especializarse para crear arte ya que el arte y la naturaleza al ir de la mano generan por consecuencia que el humano naciera con el arte corriendo por las venas, capaz de crearlo en cuanto objeto realice. Sin embargo, lejos de querer decir lo contrario, el mismo Rudolf explica en este libro así como en todos los demás que escribió bajo la temática de percepción visual, que es preciso desde edad temprana tener una educación artística, ya que la percepción y el pensamiento o razón, están estrechamente ligados y son fundamentales para concebir la realidad. Lo que a mí me sugiere con ello es: Si bien todos tenemos por naturaleza la intuición artística, no significa que sin instrucción seamos todos capaces de crear obras de arte, más sí estamos todos capacitados para distinguir qué es para nosotros mismos, en lo individual, una obra de arte basándonos en la emoción, sentimiento, percepción y razonamiento que nos genera. Así, los seres humanos estamos capacitados para observar, percibir y comprender nuestro alrededor bajo nuestro propio diccionario de vivencias y pensamientos y por lo tanto en el momento de concebir una opinión ante el arte, no existe ni lo correcto ni lo incorrecto. Es esa misma percepción lo que generará la amplitud de gama en cuanto a gustos se refiera.





- ¿Qué lugar crees que ocupa hoy el talento en las artes plásticas? 

-Yo considero que además del talento se requiere auto-exigencia, curiosidad, tolerancia a la frustración, ambición y capacitación constante para producir una obra artística que demuestre dominio, que logre trascender, representando la sensibilidad y el pensamiento de su autor en cualquiera de las áreas de la plástica. Creo que si solamente te sostienes en el talento, tarde o temprano éste se quedará corto. Si tu arte lo vuelves una disciplina y vives para él, lo normal será que lo estés enriqueciendo con teoría (capacitación y ambición), experimentación (talento, curiosidad, auto-exigencia) y práctica (tolerancia a la frustración). Se volverá cada vez más sólido y crecerá sin limitantes. Así que en cuanto a cuál creo que es el lugar que ocupa hoy día el talento, diré que es fundamental pero no es lo único y que todo aquello creado sin los fines que convoca el arte (estética, maestría, trascendencia, actualidad y atemporalidad…) es simplemente expresionismo. Dependerá de la educación de la sociedad y del mismo autor que se considere artista, si el término de artes plásticas se desgaste ante una nueva creencia de que todo medio y deseo de expresión es arte. 

- Son muy pocas las mujeres que pintan en relación a la cantidad de hombres ¿Por qué será? 

-La causa, y más aún la solución, no me queda muy clara pero es importante hacer notar que el arte es un campo en el que ser hombre o mujer no es una ventaja o desventaja por sí misma. Pienso que ese desequilibrio no es un tema perteneciente al ámbito artístico de forma exclusiva, porque en la mayoría de las profesiones se ha ido emparejando más el terreno para que las mujeres podamos desempeñarnos donde queramos, gracias a los cambios en la misma sociedad. Si partimos de que venimos de culturas donde el convencionalismo, que a mí no me tocó, era el rol de la mujer como ama de casa principalmente. 



-Si algo tienen en común los pintores figurativos en su estrecho vínculo con la realidad circundante y eso genera un acercamiento del público que puede "leer" sin problemas aquello que quieren decirle. ¿Te parece? Es que creo que mucho del llamado "arte contemporáneo" alejó al espectador de los museos y galerías, de la obra de arte y de los artistas por tantas propuestas incomprensibles o vacías de contenido. 

- Creo yo que, independientemente del estilo y de la corriente artística que se maneje en el arte, cada obra termina siendo un espejo ante el espectador, y como tal también debemos verla los creadores de ella, sin discursos por escritos ni exclusivos que sesguen la interpretación personal del espectador. Creo fielmente que todo es percepción; que si uno está pensando en rojo, automáticamente verás sobresalir cada punto y mancha de éste color. Así mismo, una obra puede tener diferentes lecturas de acuerdo a tu momento presente y es ahí donde uno como espectador se deja atrapar o repele alguna obra artística. Por otra parte, el estilo figurativo, automáticamente es más amable visualmente ya que al dar cuerpo y forma definida, como bien dices, posee una lectura más fiel a la que intentó mostrar el autor, más no por ello significa que mantenga el mismo diálogo con ella. Cada pieza posee una infinidad de interpretaciones, desde el estado de ánimo hasta el momento histórico en que se le lea. 

- ¿Siempre te sentiste atraída por la pintura figurativa? 

-Definitivamente es la que más me llama la atención y con la que me siento más cómoda al expresarme. 

- ¿De qué manera crees que se lograra una obra original? A veces creo que debe ser difícil para los pintores realistas diferenciarse entre sí y a su vez creo que también es fácil caer en la repetición... 

-No creo que mi obra pueda confundirse con la obra de algún colega, por el simple hecho que nace de mi misma, aunque tengamos temas similares o el inconsciente colectivo esté haciendo de las suyas. Sin embargo, la repetición en la propia obra es la tentación constante en todo artista; puede volverse una fórmula ganadora por medio de la cual uno caiga en un letargo creativo y se mantenga en su zona de confort o segura. Por ello, para mi es fundamental renovarme en cada cuadro que comienzo. Siempre tengo en mi mente y en mi corazón la razón por la que me dedico al arte: estar realizando mí mejor obra hasta ese momento. Me da pavor maquilar mi propia imaginación. Tal vez yo sea la única que note una mejoría en cada pieza que hago, pero me queda claro que lo hice, y me esforcé en dar un paso más. Siempre me propongo expresarme mejor conceptualmente en cada pieza que comienzo y en ocasiones me arriesgo en la técnica, otras en los soportes, en los formatos o incluso en el material. No ha habido ningún cuadro en los últimos años en que no sienta que comienzo de cero con algo, porque me importa tener un aprendizaje constate. Hago pruebas, me sumerjo estudiando el cómo, no puedo ni por un momento pensar en que un cuadro sea la misma versión de otro en otro formato. Así cada obra es original al 100. Podré recurrir a un mismo tema en ocasiones cuando éste aún tiene más que decirme y del cual deseo seguir expresando, pero sin duda, tendrá elementos en su ejecución que los diferencie para mí. Deseo que cuando se reconozca una obra mía sea por mi esencia y no porque es el mismo cuadro con diferente pose. 



- Se destaca una serie con composiciones integradas por niños junto a animales: conejos, pájaros, tortugas o pinguiños... ¿Por algo en especial? 

-Esa fue la etapa con la que me inicié profesionalmente en la pintura y la cual me trae gratos recuerdos. Los animales siempre me han gustado mucho y el haberlos puesto en una interacción sorpresiva o momentánea con los niños, era una forma de expresar que cuando uno está abierto de mente y consigo mismo, pueden ocurrir cosas inimaginables con el único propósito de disfrutarlo. Hoy en día esos animales que representaban algún concepto específico para mí, en ocasiones han sufrido una metamorfosis y su significado lo ocupa un color, un tipo de pincelada, un soporte, o se fusiona completamente con la figura principal de la obra. 

- La maternidad ¿te inspira al momento de pintar? ¿En qué aspectos? 

-La maternidad como los otros aspectos que enriquecen y conforman mi vida, son fuente de inspiración. Sin embargo como lo habíamos platicado antes, es mi hija la que realmente me inspira por sí misma. Tiene una capacidad de expresión tal, que vuelve posible cualquier situación positiva que desee pintar. En ocasiones la idea nace de verla y en otras le platico el concepto que deseo expresar y me modela perfectamente, sintiendo y personificándolo a la perfección. No necesito ya decirle ni que pose me gustaría, pues siempre la mejora a la hora de modelarme y si a eso le sumamos que mi esposo también nos ayuda con los detalles técnicos e ideas creativas… se vuelve un gran trabajo en equipo; nos sintonizamos de forma que el resultado siempre es mejor a lo imaginado. Tal vez por ello encuentres en mi trabajo esa emoción constante. 



- La tuya es una pintura muy emocional y llena de vida que re-significa la infancia pero ¿qué opinión te merece la juventud contemporánea? (a mi me emociona la infancia desde muchos puntos de vista pero me parece banal la juventud) ¿cómo la ves desde tu lugar de artista y mujer? 

-En contraste con mi generación, la encuentro un poco más apática, pero es más fácil verlo desde fuera, ya que la cercanía causa ceguera. Podemos encontrar en la mayoría de las regiones -y hasta llegar a sentirlo también-, que a la juventud actual se la ha etiquetado de la siguiente manera: falta de intensidad y compromiso. Hay tantas teorías al respecto, como la influencia de las redes sociales, la inmediatez de la información y la satisfacción a la orden del deseo entre muchas otras, que pudieran estar influenciándolo. Sin embargo, también creo que es un resultado de la sociedad en general. Yo tristemente veo este comportamiento superficial en los adultos jóvenes y en padres de familia. Es como si existiera un entumecimiento de sensaciones y sentimientos que nos mantuviera en letargo a toda la sociedad en general. Pero si miras más de cerca, individualmente, te das cuenta que siguen existiendo los sueños, las metas, el corazón se desvive por sentir y por querer y ser querido, la motivación sigue intacta, pero tal vez nos falta como sociedad volver a confiar los unos en los otros, pero principalmente en uno mismo. El dejar de verlo todo como competencia y ser un poco menos soberbios. Tengo mucha fe en que le daremos la vuelta, es cuestión de principios y de hastío ante la falta de trascendencia. Por eso es tan importante para mí todo el tema de la auto-exigencia y la disciplina. No todo es negro, los mismos medios tecnológicos y los avances que lo acompañan, también nos hacen soñar aún más al tiempo que nos invita a conocernos mejor, mueve la necesidad de generar mayor conciencia y por ende habrá cambios internos que al irse sumando lo veremos reflejado en la misma sociedad. 

La juventud siempre será esa energía que mantiene la curiosidad y la rebeldía que genera cambios, también depende de nosotros el seguir creyendo en ellos, educándoles con todo el compromiso y amor que se requiera y propiciar los cambios aportando nuestro granito de arena. 

- Trabajar "en serie" siempre me pareció un desafío fundamental porque le exige al pintor buscar un "todo coherente" un "conjunto armonioso"... ¿Lo crees? Y eso no siempre sucede, hay pintores muy buenos pero a los que le falta unicidad. A ti ¿te sirve "pensar" en series? ¿Cuáles han sido "tus series" a lo largo de tu recorrido y si trabajas actualmente en alguna... 

-Comencé con series porque tenía la idea de que así debía de trabajarse. Más aún cuando se va a exponer individualmente. Fueron dos series en particular las que recuerdo: una se llamó “Burbujas marinas” y la otra fue “Fábulas y cuentos”. El tema es lo que les daba esa coherencia y unidad. Me fascina el sorprenderme en cada obra nueva, por lo que me cuesta trabajo el pensar en crear series como línea de producción. Sin embargo, si el tema y la técnica en sí, todavía tiene mucho más que decirme y aportarme, la sigo trabajando y justo es el caso en el que me encuentro ahora mismo. El tema del cosmos me maravilla, deseo estarlo pintando todo el tiempo, así que estoy haciendo una mini serie, donde su unidad proviene del tema general y de pintar sobre un fondo obscuro. Cada uno tiene un tema específico del universo. Difícilmente me despediré pronto de estos temas, aunque en ocasiones lo vaya intercalando. Anteriormente ya había pintado con claro oscuro dos temas similares y aunque me resistía un poco el retomarlo, no había dado fin al ciclo. Y para no caer en ese estado de repetición, lo que he ido experimentando en cada pieza es el trabajar con diferentes materiales. Así si los llegara a reunir todos al mismo tiempo, la constante sería el tema y la oscuridad de donde brota esa luz que rompe el vacío, pero con materiales distintos que a su vez romperán la monotonía. 




-¿Que puedes contarnos sobre el evento Lotería Mexicana, encuentro internacional de arte figurativo? 

-La Lotería Mexicana, ha sido un suceso muy peculiar. Nació el 2014 en Guadalajara bajo la batuta del artista José Parra (mismo que se dio a la tarea de convocarnos a todos los que tuvimos el gusto de participar), poco después se unió al proyecto el colectivo francés Libellule. De ahí nace un evento internacional con artistas de gran talla. Lo cual comenzó a generar tanto ruido, que pronto había varios patrocinadores que deseaban formar parte. La lotería es un juego de tradición mexicana, similar a un bingo, que en lugar de números son imágenes de personajes (humanos, animales y cosas). Lo conforman 54 cartas, las cuales recreamos entre 17 mexicanos y 19 extranjeros con una cosmovisión riquísima así como estilos figurativos únicos. Yo participé recreando las cartas: La Maceta y La Chalupa. Inició su camino itinerante el 22 de enero del 2016 en la ciudad de Guadalajara en el recinto del museo Ex Convento del Carmen y viajará por varias ciudades del interior de la República Mexicana para después viajar por Europa. Se planea que regrese en diciembre del 2017 para ser entregadas las piezas que la conforman a sus respectivos dueños. Incluso, la colección mexicana de arte Black Coffee Gallery adquirió para su acervo un buen número de piezas (incluidas las dos de mi autoría), las cuales planea seguir exhibiendo. Este proyecto es un claro ejemplo sobre la sinergia y proactividad que existe entre los pintores figurativos de Guadalajara principalmente y el impulso por parte de particulares y sector público hacia el arte. 



Sobre la artista: 

Nombre: Patricia Sánchez Flores Saiffe 
Fecha de nacimiento: Enero 26, 1978. 
Lugar de nacimiento y Lugar en el que está radicado: Guadalajara, Jalisco México. 
Estudios formales: Lic. Ciencias de la comunicación. 

La pintora en una muestra, junto a Regina, su hija de doce años. 

Menciones/Reconocimientos: 

Seleccionada en: I Bienal Eulalio Ferrer, Guanajuato, Gto. México 
-2012 Salón de Octubre, Guadalajara Jal. México 
-2012 Acervo en el Museo Virtual de las Artes (MUVA), Gobierno del Edo. de Jalisco. 
–Desde 2012 Artistas de Winsor & Newoton, Catálogo Inglaterra -2010. 4ta convocatoria para Colección de Arte Milenium: Luna, Sol: Dualidad. México -2016 

Sus gustos: 

Un libro: Las mil y una noches. 
Un grupo de música o un solista: Mecano / David Bowie 
Un disco: No sé si es Baires o Madrid (Fito Paez) 
Una canción: La flor de la mañana (Presuntos implicados) 
Una película: The secret life of Walter Mitty 
Un hobby: Astronomía 

Contacto: 

Facebook: Patricia Sanchez Saiffe 
Web/Blog:http://cargocollective.com/patriciasanchezart 
Otro: patriciasanchezart@live.com.mx

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