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lunes, 8 de febrero de 2016

Javier Jiménez Sánchez-Dalp: Instantáneas del destino humano


Entrevistamos al dibujante español Javier Jiménez Sánchez-Dalp y conversamos sobre el arte del retrato, la especificidad que implica trabajar con biromes y el momento de encuentro con el espectador, entre otras cosas. 

Por Camila Reveco 
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas 
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina

"El dibujante nos da una de las grandes "instantáneas" del destino humano. Ha sensibilizado el instante decisivo de la leyenda. El dibujo concentra todos los comentarios del psicológo". 
Gastón Bachelard.


Arquitecto de profesión, el artista español Javier Jiménez Sánchez-Dalp (1964) empezó desde muy pequeño a dibujar. “Creo que esa condición me vino dada al nacer y la potencié gracias a que mis padres, cuando tenía ocho años me apuntaron los sábados a unos talleres de dibujo y pintura en Sevilla”, recuerda el dibujante y agrega: “Mi primer encargo digamos formal me lo hizo mi propio padre cuando tenía catorce años para hacer el retrato de mis dos últimos hermanos -somos doce-. En casa los diez primeros -yo soy el quinto- teníamos un retrato a grafito de un reconocido retratista sevillano. Él pensó que yo ya estaba preparado, confió en mí y así fue como realice mis dos primeros retratos. Desde entonces es la faceta que más he practicado y en distintas técnicas”. 

El impulso por parte de su familia marcarían su determinación por volcarse de lleno al universo de lo creativo desde niño e incursionar a lo largo de su desarrollo por distintas disciplinas. Así fue como Javier Jiménez Sánchez-Dalp decidió emprender el arduo camino del dibujo -al que se dedica de forma exclusiva hace diez años- y explorar el difícil y laborioso arte del retrato a bolígrafo; tratando siempre con cuidado la luz y las formas, el color y la composición. 

Inspirado por eventos inesperados, fenómenos imprevistos o gestos descubiertos, el artista, ha logrado con gran sensibilidad y talento eternizar esos momentos que no han sido reconocibles a través de la palabra pero que él, con su birome, capta para colmar de emociones y sentimientos. “El arte como expresión personal del artista tiene muchas vertientes -expresa Javier-, una obra puede tener un fin de denuncia, de pensamiento, de estado de ánimo e incluso simplemente de impresión o de abstracción, pero yo diría que el más alto porcentaje son intentos de atesorar lo bueno de la vida que vivimos”, cierra. 

El retrato, que adquiere su significado moderno en el Renacimiento y que como expresión artística aparece ya en el siglo V A.C. sobre las monedas de los reyes persas, ha sabido mantener su vigencia diferenciándose por su magia particular de la fotografía, práctica tan extendida actualmente entre todos nosotros. 

Los rostros que elige Javier Jiménez Sánchez-Dalp para sus potentes retratos, son el reflejo de la época que vivimos y la consistencia que tiene su trabajo plástico aporta a la permanencia de esta especialidad. 
- ¿Por qué sólo retratos? 

-Hay tres razones para responder a esa pregunta de por qué retratos casi exclusivamente. Y digo esto último porque realmente no es del todo exacto, ya que tengo obras de otro tipo pero son las menos y no se divulgan tanto. La primera razón y la más importante es porque el retrato es el tema que más me gusta y con el que más me identifico y disfruto. Segundo porque en este mundo tan competitivo en todos los sectores, especializarse en algo siempre es bueno. Si te especializas en algo que sea poco habitual mucho mejor. Retratistas a bolígrafo no hay muchos. Y tercero porque de esa especialización surge que la mayor parte de encargos que recibo son de ese tipo. 

-¿No teme quedar “atrapado” en un determinado tema? 

-Te diría que a medias ya que me es mi tema preferido del que es difícil que me canse. De todas formas me gustaría no solo abordar con más frecuencia otros temas sino también emplear las otras técnicas que practico poco, el óleo, el grafito, el carboncillo, el pastel o la acuarela. Es difícil ser un todo terreno como por ejemplo, mi amigo Fidel Molina que toca todos los temas y nunca desafina. 



-¿Por qué el bolígrafo? 

-El uso del bolígrafo es más reciente. El primer retrato que realicé fue hace unos ocho años. Tenía entre manos un retrato de mi hija con unas gafas de sol de su madre en las que yo me veía reflejado haciéndole la foto. 

"No recuerdo muy bien cuál fue la circunstancia que me llevo a usar el bolígrafo, creo que fue que no tenía un sacapuntas o se me estropeó su cuchilla para afilar el lápiz de grafito".  

Me encontré en esa tesitura y se me ocurrió hacerlo con tinta de bolígrafo. Yo ya había visto algunos dibujos así sobre todo los primeros que hizo Juan Francisco Casas que es el auténtico maestro de esta técnica. Me lo tomé como un ensayo y el resultado me sorprendió tanto que desde entonces me propuse practicar y mejorar esta técnica. 

El primer dibujo a birome 

-¿Qué ventajas y desventajas tiene? 

-La técnica con bolígrafo tiene como ventaja que el resultado es muy impactante, primero si tiene una buena ejecución por el efecto realista, casi fotográfico y segundo por ser un elemento tan cotidiano que cualquier persona utiliza cada día. Es lo que más sorprende a la gente, que con una herramienta tan básica se consigan resultados bellos y artísticos. Por contra tiene la desventaja de que el error es irreparable y ese riesgo a la vez que hace excitante el trabajo, también es muy valorado por el que ve una obra así y casi que es la pregunta que más me han hecho. 


-Los dibujos que tiene están plagados de momentos felices. Parece ser que las personas tenemos la necesidad de atesorar -y eternizar a través de una obra de arte- , la vida que vamos viviendo y sobre todo lo que está marcada por momentos bellos ¿no? 

-En mi caso es así. El ser humano tiene intrínsecamente en su ser la búsqueda de la felicidad. En casi todo lo que hacemos hay una búsqueda de ese sentimiento. El arte como expresión personal del artista tiene muchas vertientes. Una obra puede tener un fin de denuncia, de pensamiento, de estado de ánimo e incluso simplemente de impresión o de abstracción, pero yo diría que el más alto porcentaje son, como dices, intentos de atesorar lo bueno de la vida que vivimos. 



- Incluso es lo que refleja con su serie sobre África… 

-Para obtener fondos destinados a un hospital que estamos haciendo en África, en mi colección de dibujos "África a bolígrafo", intente reflejar todo lo que vi y sentí a través de la gente de Douala en Camerún. Hice cientos de fotos y estuve en lugares muy dispares y vi situaciones de todo tipo, duras y agradables. Sin embargo cuando me sitúo con mi bolígrafo ante el papel en blanco y tengo que seleccionar por donde, siempre me inclino hacia aquellas cosas que de allí me transmitieron sentimientos positivos. Imágenes bellas de la felicidad que allí también existe. Esto me retroalimenta y me da mucha más fuerza para seguir colaborando en vez reflejar lo negativo que todos conocemos de sobra. 




- ¿Cuánto tiempo -y cuántas biromes- le demanda un dibujo? ¿Alguna birome en especial? ¿Preferencia de colores? 

-Pues no creas que se consume mucho en un retrato. Depende evidentemente del tipo de obra y si es un retrato también depende mucho del tamaño y sobre todo del pelo. El cabello es la zona donde se demanda más carga de tinta y por eso no es lo mismo en tiempo retratar a una chica con melena larga que a un chico con pelo corto. Si el retrato es un supuesto intermedio y un tamaño por ejemplo 40x30, el tiempo que necesito es más o menos unas 25 o 30 horas de trabajo. En cuanto a los colores, la tinta que más uso es la azul, aunque me gusta muchísimo la tinta negra porque tiene un efecto de grafito y carboncillo que confunde a la gente. 

"Hay muchos dibujos míos hechos con tinta negra de bolígrafo que el público hasta que no se acerca mucho no distingue si es grafito o tinta. Una cosa muy importante también no cambiar de birome en una misma obra". 

A todo el mundo le parece que la tinta de bolígrafo es siempre la misma en color, pero yo distingo entre azules marinos, que suelen ser los biromes más antiguos en fabricación, tintas azules violeta en los que tiene una edad intermedia y azules celestes en los recién fabricados. En los negros pasa igual, hay tintas que tiran a azul, otras a verde y otras a rojo. La diferencia es mínima pero yo lo noto y por eso intento usar el mismo birome para cada dibujo. Los biromes rojos y verdes los utilizo poco. Hay artistas como Casas que ya está pasando al color en algunas exposiciones puntuales. En algunas de sus últimas obras combina todos los biromes consiguiendo unos efectos muy reales en el tono de piel. 



-¿De dónde cree que nace el talento? ¿Se puede lograr excelencia con mucho trabajo? ¿O cree que en parte también se hereda? 


-Con el talento hay que nacer pero si no se desarrolla no existe. Todos tenemos alguna cualidad que nos es dada al venir al mundo, de carácter artístico, intelectual, de tu propia personalidad o de cualquier tipo. A veces lo difícil es encontrarte con ella o tener la oportunidad de desarrollarla en tu vida. Si tienes la suerte de encontrarte con esa cualidad, si el medio que te rodea lo permite y te puedes comprometer con ella, la excelencia solo se puede alcanzar con el trabajo diario. Yo soy arquitecto de profesión y la inquietud por las artes siempre la lleve conmigo. He hecho edificios, he compuesto canciones, he modelado y pintado toda mi vida. Quizá ahora y desde hace unos diez años estoy muy volcado con el dibujo y cada obra nueva encuentro cosas que mejorar y retos para añadir a la próxima. 





- Si bien su educación formal la recibió por parte la de arquitectura ¿cree que aportó a su faceta artística? ¿En qué aspectos? 

-Por supuesto que sí. En la arquitectura se utilizan y ponen en práctica las mismas claves que cualquier pintor, dibujante o escultor utiliza para crear sus obras. La luz, la escala, la proporción, la composición etc. Ejercitar todo esto en la arquitectura me sirve porque es trasladable a otras artes y viceversa. Es el mismo lenguaje utilizado y puesto en práctica de distinta manera para conseguir un fin artístico. Hacer arquitectura es esculpir el espacio, buscar la luz, la orientación y las medidas perfectas para cada uso. Si la escultura por ejemplo llena el espacio, la arquitectura lo contiene. Hay muchos paralelismos entre todas las artes y se pueden extrapolar muchas cosas de unas a otras para hacer mejor las cosas. Hubo una obra que no llegó a realizarse de Eduardo Chillida en el interior de una montaña. Murió antes de que se hiciese pero el concepto era maravilloso `porque su idea fue construir una escultura en el interior vaciándola en determinadas zonas. Era como una escultura de espacio y aire, eso es la arquitectura, crear el espacio. Yo además soy de una generación en la que la informática aún no estaba implantada en la universidad. En mis años de carrera en la Escuela de Arquitectura todo se hacía artesanalmente, dibujo, dibujo y más dibujo. Se comentaba por aquel entonces que si no sabías dibujar no podías ser arquitecto. Hoy en día es distinto y la mayoría de los nuevos estudiantes de arquitectura proyectan en el ordenador, que es realmente el que dibuja tus ideas a través de programas de diseño y de infografía 3d. Para mí la arquitectura y el dibujo son mi rutina y quehacer diario, una misma forma de vivir y expresarme unidas de manera invisible. 


-Con respecto al público ¿Cómo es en general el encuentro con el espectador, momento en que se cierra el círculo? 

-Ese momento para mí es muy emocionante y del intento sacar cosas positivas y aprendizaje para las próximas obras. Ese trazo final que cierra como dices ese círculo suele ser un encuentro de sensaciones y curiosidades por la técnica. Los comentarios en su mayoría son positivos y con aspectos comunes que se repiten con frecuencia. Valoran la expresividad, el volumen generad con tramas como algo difícil de ejecutar y que saqué el alma de la persona. Aparte también está la curiosidad esa en preguntas del tipo “¿Cómo los haces?” “¿Qué ocurre si te equivocas?” “¿s bolígrafos de esos que se pueden borrar?” “¿Cómo no te cayeron esas gotas traicioneras que suelta de manera caprichosa el bolígrafo cada cierto tiempo?”, en fin preguntas por no ser una técnica habitual. 

- Leí una anécdota sobre el pintor James McNeil Whistler. Un día alguien llamó a su puerta, él se acercó a abrir y descubrió con desagrado que se trataba de un acreedor. –“Pase usted –le dice el pintor- adelante ¿Le apetece una copa de champán?”. El hombre se quedó parado en la puerta y mirándolo fijamente lo increpó: -“¿Cómo es posible que pueda usted permitirse recibir a las visitas con champán, si no es capaz de pagar sus deudas?” –“Ah, no se preocupe –le responde-. Le aseguro que el champán tampoco lo he pagado”. Con esto le pregunto: ¿Se puede vivir del arte en España? 

-Pues como producto que no es de primera necesidad y en una época de crisis de la que estamos saliendo poco a poco en España, es difícil vivir del arte o al menos vivir con cierta comodidad y holgura económica. 

"Hay muchos artistas que en este tiempo se tuvieron que reciclar, abordando otras actividades o compartiendo sus conocimientos mediante talleres que les ayudan a compensar la escasez de mercado en la venta de sus obras". 

Aquí desde hace un tiempo están muy de moda este tipo de cursos impartidos por profesionales reconocidos del arte, que son asequibles para sus alumnos. A buen seguro, en una época boyante económicamente, en la que el arte volviese a tener un mercado decente les sería más rentable pintar que impartir sus conocimientos. 



- ¿Colaboran las redes sociales en este marco? 

-Son un gran apoyo y ayudan mucho a los profesionales en esta época que vivimos. Se ha multiplicado la difusión del arte y los artistas puedan mostrar sus obras sin necesidad de exposiciones en galerías y eventos específicos. Hasta hace poco, la galerías era casi el único mecanismo para difundir. Ahora como en todos los sectores de la sociedad, internet con sus blogs de arte, las webs de los artistas y las mejores redes sociales hacen de “gran galería virtual” donde cualquier persona tiene alcance a cualquier artista de cualquier lugar del mundo y seguir al instante en lo que está trabajando. 




-Por último, si tuviera que pensar en una pintura que siempre le haya causado profunda admiración ¿Cuál elegiría y por qué? 

-Sin duda “Las Meninas” de Diego Velázquez (1599-1660) por su composición, su mensaje, su calidad pictórica, su atmósfera y porque Velázquez es mi pintor preferido. 

La elegida del dibujante español 

Sobre el artista: 


Nombre: Javier Jiménez Sánchez-Dalp 
Fecha de nacimiento: 11 de junio de 1964 
Lugar de nacimiento: Sevilla, España 
Estudios formales: Escuela de Arquitectura de Sevilla. Arquitecto 1992 
Menciones/Reconocimientos: 

"En arquitectura Premio obra joven en 1995 del Colegio de arquitectura de Andalucía Occidental. En pintura o dibujo, la verdad es que nunca participé en ningún concurso". 

Sus gustos: 

Un libro: Miguel Angel. Biografía novelada de Miguel Angel Bounarotti. 

Un grupo de música o un solista: Neil Diamond 

Un disco: Maná Unplugged (1999) 

Una canción: “Una noche de amor desesperada” de la banda de rock de Andaluz “Triana” 

Una película: “La Misión” (1986, de Roland Joffé, Estados Unidos) 

Un hobby: Componer música. 

Contacto: 

Facebook: www.facebook.com/javier.jimenezsanchezdalp 

Blog: www. aboligrafo.blogspot.com 





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