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sábado, 16 de mayo de 2015

Alfonso Fernández Benítez: “La pintura clásica de caballete nunca pasará de moda”



El artista mexicano Alfonso Fernández Benítez habló en exclusiva para el blog. Defensor acérrimo de la pintura y con una clara intención por diferenciarse de las propuestas que están “de moda”, asegura: “Siempre lo que esté bien hecho ocupará en algún momento el lugar que se merece”.


Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina



En contra de muchas de las corrientes que priman en el mundo del arte contemporáneo, el joven pintor figurativo Alfonso Fernández Benítez (1986) nacido en la ciudad de Puebla, y de formación autodidacta, es un claro defensor de la técnica y el oficio que exige la buena pintura; resultado siempre del trabajo y la creación.

La pintura, ese lenguaje que depende sólo de la capacidad y maestría de un artista para modelar materiales inertes; aquella que, a través de un proceso lento y meticuloso, logra convertirse en un objeto único e irrepetible que perdurará a través del tiempo.
“Creo que en el arte -opina el pintor- es importante dominar los materiales y las texturas, pero también hay que ser inteligente; sucede que algunos ocupan su inteligencia sólo en vender y posicionarse y otros en pintar”.
La obra pictórica de Fernández Benítez es de temas variados: objetos, paisajes, figura humana -específicamente desnudos- y retratos, en los que se destacan niños a los que representa en entornos oscuros logrando captar sus actitudes, estados de ánimo e incluso pensamientos.
El mexicano comenzó a pintar cuando tenía tan sólo catorce años. A esa edad acercó su trabajo a una galería de su ciudad, en la que terminó trabajando.

“Me aconsejaron alguna vez que no me dedique a esto, -dice Fernández Benítez- porque iba a morirme de hambre (risas)” y agrega: “A pesar de que el camino ha sido duro, nunca he dudado de mi elección. Mi objetivo siempre ha sido posicionarme dentro la pintura figurativa mexicana”.




-En su formación como pintor fue clave la figura del español Eloy Morales, su principal maestro.



-Sí. En 2013 logré viajar a España para ser alumno de Eloy Morales -uno de los mejores hiperrealistas del mundo, súper humilde y gran persona-. Fue fundamental para mi carrera viajar porque además puede conocer a muchos grandes pintores realistas de la historia, vivos y muertos.



-¿Viene de una familia de artistas?



-No...Vengo de una familia de escasos recursos y mi formación ha sido totalmente autodidacta. Comencé muy joven a trabajar como profesional de la pintura y a los diecinueve logré independizarme completamente para vivir de esto. ¡Mi madre pintó hace un año un cuadro muy bueno! Pero no vengo de una familia de pintores.




-Uno de los temas que le interesa es la figura humana -y el desnudo- ¿Cuál es la reacción de los galeristas en México sobre este tema?



-La figura humana es lo que más me interesa plasmar en mi obra, aunque no es lo único que pinto; también pinto objetos, paisajes. etcétera. La respuesta de las galerías en México sobre el tema del desnudo es aceptable, nunca me han censurado.



-¿Por qué le resulta atractivo el desnudo?



-Siempre me interesó desarrollar la figura humana; ya sea desnudos femeninos, masculinos, ancianos, niños etc. Todos los cuerpos son diferentes aunque existen cánones, ningún cuerpo es igual a otro. Me resulta interesante descubrir mientras pinto que cada cuerpo es único.




-Pinta con frecuencia a niños en ambientes oscuros. ¿Por qué?



-La gente cree que un niño es sinónimo de felicidad y yo no estoy de acuerdo con eso. Lo que no es común me resulta más atractivo para pintar. Pinto niños porque para mí es la etapa más importante de los seres humanos. Los fondos oscuros son un recurso que utilizo para acentuar que un niño no siempre sinónimo de felicidad. Me interesa plasmar especialmente la soledad y es por eso que los fondos están vacíos. Esta serie la fui dirigiendo de a poco, con el paso de los años. No me fue fácil adaptarme a ella. En la actualidad sigo profundizando en este tema.




-¿Se siente más cómodo trabajando con óleo o tinta?



-Con el material que me siento más cómodo para trabajar es con el óleo, es el material que se adapta más a mis necesidades.



-¿Cuáles son sus desafíos más grandes como pintor?



-Mi desafío más grande se produce cuando tengo un lienzo en blanco al frente. Siempre tengo un miedo muy fuerte al comenzar un cuadro; ha sido así desde que comencé a pintar. Quiero superar el miedo que me causa empezar una pintura y enfrentar el lienzo con exactitud y valentía.




-¿Cómo se imagina dentro de veinte años?



-Me veo pintando y creando como ahora… y tal vez logre a esa altura hacerlo de una forma más segura y contundente. Mi meta es llegar a sentirme pleno y satisfecho de mi trayectoria como pintor. Siento que hay mucho camino por recorrer y me quiero seguir preparando. No soy un mecenas, ni muchos menos un maestro, pero me gustaría, con el tiempo, poder compartirles mis conocimientos a personas de escasos recursos que quieran pintar, para que puedan hacerlo y pinten sin parar. Me gusta mucho trabajar en equipo. Pienso que solo no se llega muy lejos. Aunque me gusta pasar mucho tiempo en soledad y estando solo encuentro claridad para mis obras... reitero, me gustan los equipos. Por amor al arte, verdaderamente, quiero compartir lo que sé, con gente que tenga ganas de crecer, con gente que tenga hambre de superarse.




-¿Qué opinión le merece la feria de arte “Zona MACO” de México?



-Es interesante que exista en México una feria de arte con tanto renombre mundial, aunque las veces que he asistido lo único que me ha llamado verdaderamente la atención es el precio tan exagerado de las piezas que allí se exponen, nombradas como arte objeto. Pienso que lo que se expone en ese lugar sólo es moda; y como toda moda tarde o temprano… ¡se pasara de moda!



-¿Qué opina de aquello que está “de moda”?


-Para mí el arte es un lenguaje: existe el lenguaje complejo y el lenguaje simple. Existen personas que prefieren usar el lenguaje simple para expresarse, como existen otros que prefieren usar el lenguaje complejo. Yo lo que hago es pintura clásica de caballete, pienso que ese tipo de pintura nunca pasará de moda. Creo que en el arte es importante por un lado dominar los materiales y las texturas, pero también hay que ser inteligente; sucede que algunos ocupan su inteligencia sólo en vender y posicionarse, y otros en pintar y hacer bien su trabajo sin importar lo que opinen los demás y por supuesto, más allá de las modas. Siempre lo que esté bien hecho, ocupará en algún momento el lugar que se merece.



-Coincide con la postura de su compatriota, la crítica de arte Avelina Lésper…



-Avelina Lésper es una persona que defiende la pintura clásica de caballete y ese es un lenguaje que yo considero complejo. Concuerdo en muchas cosas con ella… Está en desacuerdo con que se llenen las ferias de arte y los museos de “objetos del anti-arte”, como ella misma los llama. Aunque tenemos que asumir que siempre existirá gente que defienda la pintura clásica de caballete y otra que se dejará llevar por la posmodernidad y se incline por los movimientos efímeros.




-¿Qué proyecto está encarando ahora? ¿Alguna exposición o muestra?



-En 2016 voy a montar mi primera exposición individual en el CCU -Complejo Cultural Universitario de la Buap (Benemérita Universidad Autónoma de Puebla). Se trata de la sala de exposición más importante después del Museo Amparo. Tienen una sala espectacular. Es enorme...




-Por último, ¿cuál es la historia de la obra que seleccionó para ilustrar esta entrevista?



-Elijo “Muñelocos”. La inspiración surgió al visitar el Museo Reyna Sofía en España, después de haber tomado un curso de pintura con el pintor español Eloy Morales, quien, además, me despertó un interés diferente en mi técnica de pintura y dibujo… Pasó en el museo que me topé de frente con los grabados de Goya. Me impresionó demasiado cómo en un pedazo tan pequeño de papel, un artista puede cargar tantos sentimientos y hacer alarde de una técnica envidiable de dibujo y denotar en su máximo esplendor un suceso de la vida. Allí comprendí muchas cosas sobre lo aprendido en mi estancia en España… Al regresar a mi país, México, solo pensaba en esas imágenes plasmadas en papeles tamaño carta. El resultado fue esta obra titulada “Muñelocos”. Se preguntarán por qué el nombre… se trata de la marca de los peluches que me he ido ganando en las máquinas tragamonedas que aquí en mi país son muy populares… La chica que está con vestido blanco es Samantha, una joven mujer que al verla me inspira pintarla. La técnica es lápiz sobre papel.





Sobre el pintor:

Alfonso Fernández Benítez nació el 6 de enero de 1986, y vive en Puebla, México.


Su obra puede verse a través de su cuenta en Facebook: www.facebook.com/alfonsofernandezpainter y en su blog:http://alfonsofernandezart.blogspot.com.ar/



Sus gustos:


Un libro: “En las cimas de la desesperación” de Emile Cioran, 1933


Un grupo de música: “En general me gusta toda la música, de preferencia el género electrónico”.

Un disco: “Born Villain” de Marilyn Manson

Una canción: “Slo-Mo-Tion” de Marilyn Manson
Una película: “Modigliani” de Mick Davis, 2004

Una frase: La magia existe

Un hobby: La fotografía y convivir con mis mascotas.




Contacto:

Facebook:Alfonso Fernández Benítez


https://www.facebook.com/alfonsofernandezpainter


Web/Blog: http://www.alfonsofernandezart.blogspot.mx

El artista

La entrevista se publicó además en Diario Los Andes (Mendoza-Argentina)




Guillermo Rigattieri: Corazón de metal




El artista argentino Guillermo Rigattieri se refirió a su obra escultórica, la técnica que emplea para el metal, y cómo la infancia, el cielo y la tierra se conectan en su universo creativo. Ulises, su hijo, es fuente inagotable de inspiración: "Es un permanente disparador de imágenes y emociones, es un gran motor", dice. 


Por Camila Reveco 
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina

El trabajo del escultor argentino Guillermo Rigattieri (Mendoza, San Rafael, 1976) no deja indiferente a nadie. 

El mendocino, a través de su obra, expresa una cosmovisión realmente fascinante, nutrida de su afición por la literatura, el cine y especialmente la música. 

Se mantiene fiel a su estilo trabajando un material fuerte, duro, inmediato y directo: metal; con uniones sumamente sólidas y prolijas que le permiten construir de forma poética “figuras aéreas y visualmente livianas”. 

De impronta figurativa y seducido en su época de estudiante por el ámbito de taller de artistas como Eliana Molinelli y Roberto Rosas, lo que Guillermo Rigattieri pretende contar con cada trabajo son pequeñas historias y sale airoso del desafío. Demuestra virtuosismo técnico y logra una particular mímesis de vitalidad y oscuridad en las escenas que representa. El resultado jamás es inocente. 

Su tendencia compositiva se liga a la infancia y a lo lúdico y se entremezcla con la monstruosidad y el miedo de una forma exótica dotando a cada obra de una particular y tensa calma; de una extrañeza inquietante, incluso amenazadora. 

La riqueza espiritual del metal se manifiesta en piezas elegantes y austeras, en contraste con otras excesivas y dramáticas. La tensión y la armonía se yuxtaponen en un diálogo en donde reina el equilibrio, aspecto que Rigattieri trabaja con maestría, y que exalta la fuerza expresiva de todo su trabajo plástico. 

Un artista que hace hablar al metal, otorgándole poesía y misticismo. 

“Lo más gratificante de exponer en camada -dice el escultor-es poder ver los trabajos de grandes artistas”. Pero… ¿vive del arte un creador local? 

“Para mostrar lo que uno hace, se puede encontrar un lugar acá… ahora, para vivir de lo que uno hace, se tienen que abarcar más posibilidades”, confiesa. 


Miguel Ángel Avataneo: “Siempre me enfrento a la tela con alegría”




El pintor santafesino Miguel Ángel Avataneo habló sobre sus inicios, su rol como docente y su obra. Se refirió, además, al caso atípico de la provincia de Córdoba, lugar en el que está radicado y cuna de una nueva generación de pintores realistas. 



Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

Elegante, sutil y refinada; así es la pintura del talentoso artista santafesino Miguel Ángel Avataneo (1962), radicado en Córdoba desde hace más de treinta años.

Se trata de un pintor fiel a la línea y al dibujo, que se expresa con equilibrio y serenidad. Inspirado en los patrones del arte y el pensamiento del mundo clásico, Avataneo es un exponente clave del realismo contemporáneo, dueño de una cuidadosa composición, tan sensual como sugerente. 

El artista representa a la mujer y el desnudo femenino en búsqueda de un ideal de belleza y a través de la grandeza de las formas. Sus modelos mantienen siempre una actitud de permanente contemplación y relajo. 

“Recuerdo mi primera clase de pintura y dibujo -relata Avataneo-. Fue en mi pueblo… San Cristóbal, al norte de la Provincia de Santa Fe. Tenía cinco años y mi maestra fue Nelva Soza, todavía la veo; estuve con ella hasta los trece o catorce años.

El primer dibujo que hice fue un conejo, a lápiz de color -creo que mi mamá lo tiene todavía, cuando vaya para allá lo voy a buscar-“, y agrega: “Luego hice la primaria y la secundaria, siempre dibujando y pintando. Ya cuando tuve que elegir qué estudiar, me decidí por bioquímica, carrera que no prosperó y al año me fui a Córdoba a estudiar la licenciatura en pintura”. 

Su obra ha recorrido museos y galerías del mundo, posicionándose con éxito en el mercado internacional del arte, sin cortar raíces con su ciudad natal: “A San Cristóbal sigo yendo todos los meses; allá está toda mi familia: mis papas, mi hermano y mis sobrinos ¡que son siete! Y bueno, es mi lugar en el mundo.

Todos están orgullosos de lo que logré, pero me gusta sentirme lo que soy, un vecino más. Me gusta salir a caminar y encontrarme con la gente que conozco de tantos años, si me preguntás de algún lugar donde me gustaría vivir cuando sea viejito, elijo San Cristóbal”. 


lunes, 11 de mayo de 2015

Darío Mastrosimone: Un pintor al servicio de la fe


El artista porteño, radicado en la Patagonia, se refiere a los detalles recónditos de su obra, su visión acerca del arte y de su atípica carrera como pintor. La importancia de dar un salto de fe. 



Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina


Llevó una vida, hasta los cuarenta años, como contador público viviendo en Buenos Aires... pero un día tomó una decisión rotunda: se fue a vivir, junto a su esposa y sus tres hijos, a la Patagonia para dedicarse pura y exclusivamente a pintar.
Así fue como Darío Mastrosimone (1964) hizo a su manera “la gran Gauguin” dejando atrás su vida burguesa por el arte. Abandonó su estudio contable, el traje y el movimiento caótico propio de una ciudad cosmopolita. Actualmente, y desde enero de 2008, vive en San Martín de los Andes, pintando. “Es el día de hoy que a veces me cuesta creerlo”, confiesa, y agrega: “A veces uno tranza con la vida dejándose engañar por una seguridad ficticia o promesas de un buen estándar de vida”. 

-¿Qué le diría a aquellas personas que siempre han querido ser artistas y por distintas circunstancias llevan una vida muy diferente a la soñada? 

-“¡Uh! -responde- Lo peor que hay es tener una vida dividida entre lo que hago cada día y lo que siento que soy. Si tenés fe (profunda fe) y estas convencido en que eso que sos, es lo que Dios quiere que seas; sólo queda dar un salto de fe…"


sábado, 9 de mayo de 2015

Juan Medina: “Me gustan las mujeres que se gustan a sí mismas”



El reconocido pintor mexicano se refirió a su arte, y a las musas que representa: “Lo que pinto es el tipo de belleza que me gusta, pero sobre todo es el estereotipo de belleza que les gusta a las mujeres de nuestra época”, sostiene el artista. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural especializada en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina

El arte figurativo del siglo XXI hereda la poderosa impronta de la tradición y la de los grandes maestros, lo que implica un verdadero desafío para los artistas contemporáneos que pretendan seguir reivindicando este estilo. 

El pintor mexicano Juan Medina (1950) se siente atraído por el neoclacisismo del siglo XIX -viendo su trabajo se observa que admira a clásicos como Jean-Auguste-Dominique Ingres- y sale airoso del desafío. Este en un artista que recrea un universo -a veces imaginario, a veces gótico- pero siempre atravesado por los desafíos del dibujo y el oficio del buen artesano y del buen pintor; representando siempre a mujeres hermosas. 

¿Se lo ha criticado por representar a los estereotipos de belleza? “Claro que sí –responde- pero rara vez fueron críticas hechas por mujeres quienes, como dicen los franceses ‘estuvieran bien dentro de su piel’”. 


-¿Dentro de qué estilo encuadra su obra?

-No me agrada la idea de “encuadrar” mi obra en un estilo determinado. Creo que si se busca una palabra sería “obra figurativa”. Algunas personas consideran mi trabajo como surrealista, hiperrealista o realista. Tal vez es un poco de todo esto, pero sin la intención de serlo.

-Estudió en México, Estados Unidos y Francia. ¿Qué rescata de la educación artística recibida?

-Mi formación es básicamente autodidacta; visitando museos y leyendo muchos libros. He coleccionado más de mil libros -solo de arte- en los últimos años. También he tomado cursos en todas las escuelas donde he tenido oportunidad: la escuela del Louvre y la de Bellas Artes en Paris, el Art Students League en Nueva York y muchos otros. Mi búsqueda ha sido principalmente de conocimientos de técnicas tanto antiguas como actuales. Creo que saber “el oficio” es lo más importante en esta actividad. Es el lenguaje con el que después se dice -o no- una historia.

-¿Cuál le parece que es la situación del realismo en México?

-En las escuelas de arte en México se enseña principalmente arte contemporáneo, lo cual hace que muchos artistas jóvenes se inclinen por él. Los cursos de dibujo y técnica están poco presentes. En Estados Unidos hay un resurgimiento del realismo con una gran cantidad de artistas que apuestan a esta idea, además de muchas escuelas donde se puede aprender técnica



-¿Cree que forma parte de una nueva camada de pintores que siguen apostando por el oficio y al trabajo casi artesanal?

-Tengo poco tiempo de haber regresado a México y no formo parte de ningún grupo. Mi trabajo es más bien independiente; pero sí, siempre he apostado al oficio y al trabajo. Yo creo que una obra necesita tiempo para construirse. Un pintor debería poner en su obra aquello que está en su mente. Si guía su mano por las ideas de un grupo o la opinión de la crítica, estaría solamente siguiendo una corriente o copiando las ideas de otros sin expresar la suya propia.





-¿Qué opina de los eventos de arte contemporáneo como Zona Maco de su país?

-Hasta donde sé, es una exposición organizada por galerías que se dedican a la promoción del arte contemporáneo. Es un evento entre social y cultural, con poca o ninguna cabida para la pintura realista o figurativa, que es lo que a mí me interesa.

-¿Comparte las opiniones en general de su compatriota, la crítica de arte Avelina Lésper?

-No conozco a fondo su trabajo pero creo que es una de las pocas personas que se han atrevido a decir que mucho del arte contemporáneo es un fraude. Estoy de acuerdo con ella, al menos es una opinión diferente y valiente. Sería interesante un debate entre Avelina Lésper y Teresa del Conde.


-¿Quiénes son sus mujeres, qué momento representan y qué nos quieren transmitir?

-Las mujeres de mis cuadros son modelos profesionales. Seres humanos complejos a quienes la cultura ha restringido enormemente. Mujeres intemporales con historia, sueños, retos, con la esperanza; y muchas veces el miedo, de ser libres. No me considero un pintor de desnudos. En todo caso, citando a la Sra. Lésper, “…la piel como soporte de la narrativa de la existencia”. Mi obra no tiene un claro deseo de transmitir o expresar algo como mensaje. Cuando el cuadro está terminado, es casi siempre el espectador quien construye una historia de la obra; que por supuesto es su propia historia. Son las emociones del espectador las que están más en el juego.

-Sus modelos son jóvenes, delgadas, de pelo largo y castaño ¿es el estereotipo de belleza femenina que a usted le gusta? ¿Ha recibido críticas por representar sólo mujeres hermosas?

-El gusto por la belleza es algo que hemos aprendido y los estereotipos han cambiado a lo largo de la historia. Trato de pintar a la mujer como elemento de la especie humana en nuestro tiempo. Sí, es el tipo de belleza que me gusta, pero sobre todo, es el estereotipo de belleza que le gusta a las mujeres de nuestra época. Me gustan las mujeres que se gustan a sí mismas, que son como ellas quieren ser y no como las demás mujeres piensan que son. Claro que he recibido críticas pero rara vez fueron críticas hechas por mujeres quienes, como dicen los franceses “estuvieran bien dentro de su piel”.

-Sus composiciones son complejas: las modelos parecen interactuar, hay siempre “movimiento” e intervienen telas…

-Algunas de mis composiciones son complejas pero otras son bastante simples. Creo que un cuadro es un universo cerrado donde cada elemento esta puesto al servicio de una imagen inventada, con los detalles y la atmósfera particular que corresponde a la sensación precisa que quiero despertar.

-¿Suele hablar con sus modelos sobre cómo va a ser la composición?

-Sí, en muchas ocasiones platico algunas ideas con mis modelos y ellas empiezan a posar de alguna manera. Cuando encuentro una pose que corresponde a la idea que estoy buscando, le pido que se detenga y se inicia el trabajo. A veces eligen una tela para cubrirse, a veces la elijo yo. Lo que me interesa es la mujer interactuando en nuestra cultura y la ropa es parte de ella. Las telas antiguas o modernas son solo un símbolo de intemporalidad.




-¿La reminiscencia clásica siempre acompañó su obra? ¿Qué le causa admiración de los grandes maestros?

-No, no siempre, solo a veces, cuando confronto la imagen de la mujer de hoy con una del pasado. Con frecuencia vemos que las ideas no han cambiado tanto como creíamos o como quisiéramos que hubieran cambiado. Hay muchas cosas que me causan admiración de los grandes maestros, pero sobre todo, su capacidad para hacer evolucionar la pintura un poco más cada vez.




-Primero se inclinó por la acuarela, luego por el óleo. ¿Qué significó el cambio de técnica?

-Trabaje varios años haciendo acuarela, con una temática muy diferente a lo que hago ahora. Un viaje a Europa me hizo desear pintar algo completamente diferente pero necesitaba aprender pintura al óleo pues se adaptaba mejor a lo que quería hacer. El cambio de técnica implico un cambio de ritmo al pintar. La factura en óleo da y pide tiempo de observar, reflexionar sobre lo que se pinta. Da más cuerpo y peso al resultado.




-¿Cuál es la historia de la pintura que eligió para ilustrar esta entrevista? 

-Casi siempre parto de una reflexión intelectual mezclada con mis experiencias. Mis pinturas intentan decir lo que las palabras no pueden, a menudo por medio de símbolos. El desnudo representa el deshacerse de restricciones morales o culturales. Las alas, la búsqueda de la libertad. Las manzanas son pasión o sabiduría, etc., etc.La confrontación con las imágenes del pasado implican intemporalidad. Las figuras religiosas son aún más restricciones de la cultura. La mano de la modelo se construye a si misma como ella se ve. Trato de pintar lo invisible con ayuda de lo visible. Las figuras femeninas son mi primera elección no solo por razones estéticas.Las mujeres poseen un pasado lleno de esperanzas y miedos, representan toda la fuerza y la fragilidad que un ser humano es capaz de experimentar. La historia que me pides está en esto y en lo que tú ves en ella. Se llama “Historia Inconclusa”, se vendió en Lovetts Gallery en Tulsa, Oklahoma. No conozco el nombre del comprador.





Perfil:
Juan Medina nació el 19 de setiembre de1950
Vive en: Cuernavaca, Mor., México

Reconocimientos: 
2014 - Medalla de plata Salón de la Société Nationale des Beaux Arts (Paris) 2013 - Finalista del Art Renewal Center 2013 International Salon. 2012 - ARC™ Approved Living Master/ Finalista del Art Renewal Center 2012 International Salon. 2011 - American Art Collector Editor's Choice Award of Excellence International Guild of Realism 2011 Show (Santa Fe, NM) Artist's Choice Award International Guild of Realism 2011 Show (Santa Fe, NM) Premio Charles Cottet Salon de la Société Nationale des Beaux Arts (Paris), entre muchos otros.


Gustos:
Un libro: “Tierra de hombres” (Saint-Exupèry)
Un grupo de música o solista: Edith Piaf
Una canción: Aria “Un bel di vedremo” Madame Butterfly
Una película: “Casablanca”
Un hobby: escalada en roca

Contacto:
contacto@medinajuan.com
Página oficial: www.medinajuan.com. “No estoy en ninguna de las redes sociales”. 
El artista: