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lunes, 21 de diciembre de 2015

Javier Arizabalo García: La pincelada oculta



En una entrevista exclusiva conversamos con el artista francés, radicado en España, Javier Arizabalo García sobre su propuesta pictórica. Su obra es un festival de realismo al extremo en donde impera el movimiento lento y la energía calma.

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina



Cuando una pintura impacta y alucina la pregunta que se hace el espectador frente al asombro es ineludible: ¿Cómo lo hizo? Como si aquello increíble que se nos presenta ante los ojos, no pudiera lograrlo una persona común y corriente con un pincel en la mano.
Claro está que la duda no mitiga el desconcierto frente al virtuosismo y despliegue técnico de los grandes pintores; en el arte simplemente se admira lo que se ve. Es lo que sucede frente a la obra del pintor Javier Arizabalo García nacido en San Juan de Luz, -Francia- en 1965 y radicado en Irun, al norte de España. 
Su extraordinario oficio evidencia el enigma propio de la creación artística. Hoy, el pintor, licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ocupa un lugar de relevancia en el ambiente de la pintura realista contemporánea. 
Su trabajo, junto al de toda una nueva generación de nuevos artistas de impecable factura, pone de manifiesto la manera en que el realismo ha sabido transmitir a lo largo de la historia nuevas ideas, mutar y re-configurarse, trascendiendo de lo meramente representativo. 
“La excusa de la realidad representa un reto y una emoción”, explica nuestro artista y agrega: “En mi práctica necesito las formas naturales en las que asirme". 
La pintura sin límites de Arizabalo García demuestra que, a pesar del contexto hostil en el que reina la mercantilización y la banalidad de las distintas corrientes estilísticas de moda, el arte sigue teniendo sentido y ganas de perdurar. “Lo contemporáneo sólo es una borrachera de elementos, el devenir apartará lo superfluo”, concluye. 


-¿Se imaginó de niño como pintor?

-No me acuerdo, yo creo que lo que me imaginaba era ser aceptado, recibir cariño y recompensas por lo que hacía, aunque el pintar o dibujar también me resultaba un refugio. Sólo los mayores pueden introducir la idea de un oficio.

-Ciertos aspectos técnicos se resuelven a través del tiempo ¿Cómo ha sido su proceso?

-Por supuesto que hay aspectos técnicos que cambian desde la época en que uno va aprendiendo a “escribir” imágenes a cuando se tiene que acoplar al medio sociocultural. Pero lo que me mueve en la práctica es la apropiación y mantenimiento de las imágenes emocionantes. En mi práctica habitual esto se encuentra muy camuflado, uno se prostituye al aceptar encargos o a mantener una “coherencia” artística de cara a las galerías o al público general y sus gustos. Me quedaría pintando aspectos emocionantes para mí, como un modo de contemplación y de acción, de pequeñas cosas de la vida. Admiro a las personas que hacen obras y discursos complejos que funcionan y que apabullan, ¿a veces igual alguna obra mía lo puede ser?, pero no me siento del todo cómodo. De vez en cuando me permito un pequeño detalle de paz y disfrute, ahí es donde mi espíritu se encuentra.


-Su pintura tiene una energía calma ¿refleja su personalidad? 

-Es cierto, hay personas que se fijan en la mentalidad, sobretodo en esta época en que se destacan estos aspectos, pero lo que hacemos demuestra nuestra energía y su cualidad. El músico y compositor Wim Meertens hace hincapié en cómo esta energía condiciona su expresión, se ve perfectamente en un arte que se desarrolla en el tiempo en cuerdas percudidas (piano). En una pintura que camufla la expresividad de la pasta pictórica, por la sujeción a la idea de realidad -como la que suelo realizar- la pincelada está casi oculta y el color muy mezclado y sujeto al color local. La energía, aquí, se manifiesta en la lentitud, en la temática, en las poses, en un cierto equilibrio, en las luces,… Sí que me refleja a mí, soy de baja energía.



-Muchos artistas reproducen el estereotipo de belleza imperante pero usted parece distanciarse y representa con frecuencia a personas mayores ¿Celebra el paso del tiempo?

-Si bien los estereotipos que nos vienen de la moda, las revistas o de otros entornos hacen hincapié en cuerpos lisos, juveniles, estos cuerpos me resultan poco interesantes en la reproducción de las calidades de la piel, es una cuestión formal; aunque no me importa decir que lo que representa una persona mayor con sus vivencias e imperfecciones es más rico y personal.





-Otras veces centra toda su atención en una flor o en una mano ¿Cómo decide “qué” pintar? 

-Más bien escojo configuraciones de luz que permitan ver los objetos de manera atractiva, volumétrica, pictórica, fotográfica. En esas posiciones cualquier objeto o sujeto es visto con interés. El que se tiene más cerca puede ser el elegido, u otro que corresponda a algún contexto. Lo que me suelo fijar es en las condiciones de la luz, si escojo una luz natural y como ésta resbala por el motivo -en el caso de que lo haga con luz artificial-, hago pruebas hasta dar con la que me convence, como se ha hecho en la pintura a partir del renacimiento. En la práctica contemporánea a veces el artista no sabe iluminar o escoger las condiciones, otras veces la apariencia de “espontaneidad” es buscada, porque forma parte de un código, aunque aun así se puede saber quién lo controla y quien no, es lo mismo que en la fotografía, en el cine o el video.



Culto a lo real

-¿Por qué eligió al realismo para expresarse?

Las personas que me enseñaron trabajaban la plástica de esta manera. Ya en la carrera, lógicamente, pude ver otras tendencias, y aunque las reconozco y aprecio, en mi práctica necesito las formas naturales en las que asirme. 
"No se mantener mi interés y concentración en un espacio de infinitas posibilidades durante mucho tiempo, no me motiva, por ello la excusa de la realidad representa un reto y una emoción". 

- ¿Cuál es el panorama del realismo en España? 

-Pocos países pueden tener algo comparable al Prado, esto forma parte de nuestra herencia cultural. El resto de hechos en el pasado reciente también han permitido abonar un campo extenso del que hemos bebido varias generaciones, y que hace que por lo conseguido se nos envidie. Pueden plantearse conjunciones geográficas, históricas, de carácter para entender la fuerza del realismo o de otras corrientes de artes, aunque como otros profesionales tenemos que salir fuera para poder ganar el jornal. En España hay un desastre que no sólo es el del gobierno, ministerial.



-¿También se refleja en la escena artística? 

-El desastre es universitario, de museos, de favoritismos, de mezquindades, de mafias, de especuladores, de vendedores de mantas, de incultos, de zánganos, de pedantes; quizás gracias a ello vamos contracorriente e intentamos asomar la cabeza aquí y allí, aunque nos menosprecien. Creo que cuanto más difícil nos lo pongan más nos esforzaremos. El MEAM de Barcelona o la Fundación Arcilla, por hablar de los más recientes, son las apuestas que desde la iniciativa privada han tenido que salir para que llegue a la sociedad el impulso del realismo, ahora tenemos que seguir siendo críticos y aportar algo interesante al momento actual.

- Se piensa de los artistas que son excéntricos o que llevan una vida “desordenada”, pero más allá de los estereotipos ¿hay algo de locura en esto de dedicarse a pintar?

-Un profesional lo es en cualquier profesión, se dicen tantas tonterías al respecto. Hay ideas alrededor del personaje que pueden hacer vender su obra pero ¿tiene que ver con esta? Yo, personalmente, ni soy adorador de mitos ni me interesan los chismes. Sólo algo que tenga que ver con el contexto histórico me puede resultar de interés. 

"Funcionamos con prejuicios, ¿no es tan loco o más dedicarse a la matemática y plantear problemas hipotéticos, o a la filosofía y pensar qué es lo que somos?"

Dedicarse a pintar, dibujar, esculpir, fotografiar, hacer video, cómic, gráficos, música, danza, teatro, etc… es reflexionar, interpretar y objetivar la realidad, jugar con ella, crear contextos, sugerir nuevos objetos o sujetos. Esto tiene una aplicación directa en la vida práctica, es con lo que hacemos las ideas y las relaciones de nosotros y el mundo. 


-¿Qué opina de las corrientes contemporáneas que, alejadas de la pintura, tienen que ser “decodificadas” a través de la palabra de un curador? 

-Toda actividad humana experimentada, aprendida y codificada es susceptible de convertirse en arte. A partir de un cierto momento de desarrollo social surgen los decodificadores, interpretadores y evaluadores de las “creaciones” o acciones, de lo que el hombre hace. En la sociedad actual se magnifica hasta la más mínima nimiedad o basura y los anteriormente mencionados son los encargados de hacerlo, ya que en ello les va el sueldo. De entre todo lo que se muestra, una pequeña cantidad tiene valor, porque tiene arte, alguien lo ha elaborado habilidosamente y decantado para que nos sea útil o sea capaz de movilizar eficazmente emociones, pensamientos. Lo contemporáneo sólo es una borrachera de elementos, el devenir apartará lo superfluo.

-¿Qué connotación adquiere para usted la palabra “éxito”? 

-Es un éxito que muchas personas de aquí y de allá les guste o incluso adquieran con su dinero obras mías, una pintura es un artículo de lujo. El artista puede permanecer ajeno a este milagro que sólo vuelve a ser consciente cuando aparecen épocas más austeras.


- ¿Conoce Argentina? ¿Qué pintores destaca de nuestro país y de nuestro continente? 

-No conozco Argentina, es una pena porque desde hace unos cuantos años no he tomado aviones por miedo, no sé si volveré a hacerlo. De pintores argentinos destaco a Alejandro Rosemberg, al que le tengo mucho aprecio y a Diego Gravinese, que también recuerdo de topármelo en búsquedas por Internet, por lo demás lamento no tener más referencias argentinas. Ya de América entera los primeros que me vienen a la mente son Gabriela Machado de Brasil, el ya fallecido chileno Claudio Bravo, y los estadounidenses Jacob Collins y Daniel Sprick. Si me pusiera a pensar más despacio la lista sería larga. 

-La mezcla de culturas entre España y América data de 1492; mucho más adelante... Argentina promueve una gran ola inmigratoria ¿Cree que nos une una tradición pictórica entre ambos países?

- Tendría que conocer la cultura Argentina para poder decirlo. Pienso que todo lo que ha pasado a lo largo de los dos siglos, desde que España y Argentina caminan por separado, hace que seamos muy diferentes, a pesar de que compartamos un idioma común. Aun así, muchos argentinos sienten España como una madre, y también muchos españoles y vascos emigrados tuvieron en Argentina otra patria. Con respecto a la pintura, la explosión informativa de las últimas décadas hace que cada vez estamos todos más cerca de una cultura global, y que la expresión pictórica se influencie más por la propia cultura, el resto de las artes y su nivel de desarrollo unidos a la economía.



El sello de Javier Arizabalo García:
- En cada pintura la postura del cuerpo insinúa una diagonal que atraviesa la tela.
- Elige el claroscuro fuerte para iluminar ciertas zonas
- Los desnudos que representa son pudorosos, cubiertos y tímidos
- Los fondos siempre son planos y oscuros, pero insinúan un delicado degradé.
- Los paños son preferentemente de color verde o rojo.
- Los modelos están siempre de perfil e iluminados de modo artificial.

Perfil:

Javier Arizabalo García nació el 6 de abril de 1965 en San Juan de Luz (Francia) y vive en Irun (España). Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Leioa, País Vasco, en la especialidad de Técnicas Gráficas.



Sus gustos:

Un libro: “El sueño de África”, Javier Reverte
Un grupo de música o un solista: Rubén González
Un disco: “Sweet Bitter Love” de Aretha Franklin
Una canción: “Fields of Gold” de Eva Cassidy
Una película: “Antes del amanecer” (De Richard Linklater, Estados Unidos, 1995)
Un hobby: Fotografía

Contacto:

domingo, 19 de julio de 2015

Carlos Montero Gil: Pinta tu aldea y pintarás el mundo


El artista español, se refiere en una entrevista exclusiva a su obra pictórica que refleja paisajes y escenas de la vida en Murcia, su ciudad natal. Admirador de Antonio Berni y de contemporáneos como Ciruelo, se destacan sus pinturas en tablones de cedro.

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina

Para el artista Carlos Montero Gil, pintor de paisajes y escenas de la vida urbana, el entorno es el disparador clave de todo su trabajo. Aquello que ve todos los días, el ambiente del que forma parte, las calles y su bullicio congelado, son los temas presentes en su rigurosa obra pictórica, que parecen apelar constantemente a la ciudad del español, nacido en Murcia en 1971. Entretanto aparecen los niños y su universo lúdico, la nostalgia y el afecto por los juguetes antiguos. 

“No hay nada más triste que pintar lo que no has vivido”, dice Montero Gil, que siempre ha mantenido el interés por representar las pequeñas cosas, los momentos efímeros y anónimos con los que el espectador se siente identificado de manera espontánea. 

Su concepto hace alusión a ese permanente estado de encantamiento con el que miran el mundo los artistas, esa capacidad “de verlo todo como si fuera la primera vez y crearlo de nuevo”, en palabras del compositor Gustav Mahler. 

La propuesta de Carlos Montero Gil establece conexiones con el tiempoy refleja su identidad como pintor español contemporáneo. Se trata de un artista con un imaginario consistente. 

“Cuando era apenas un adolescente entré como aprendiz en un taller dedicado a la escultura tradicional en cartón, siempre estaba rodeado de pintores y escultores. Me gustó tanto aquello que cuando salía de trabajar iba corriendo, a seguir formándome, a una academia de pintura”, relata el artista español, que ha desarrollado desde sus inicios el oficio de esculpir y pintar de forma paralela. 

De ese taller formó parte durante ocho años y luego tomó la decisión de estudiar escultura en la Escuela de Arte de Murcia. “Hasta que un buen día -agrega- empecé a presentarme a los certámenes de pintura al aire libre que son muy comunes en España, donde aprendí de muchos artistas. Ese mismo año ya fui premiado y tuve claro hacia dónde enfocar mi futuro artístico”. 

El pintor destaca que, de toda la formación que obtuvo, la que recibió por parte del gran maestro Antonio López lo marcó de forma significativa: “Es uno de los realistas más importantes de este tiempo”, remarca. 


- Sobre su relación con el realismo ¿siempre su búsqueda estuvo enmarcada dentro de este estilo? 

-Sí, en general sí, aunque disfruto igual observando una obra realista como otra abstracta. Hay demasiado buen y mal arte como para ceñirse a un solo movimiento. Cuando miro una obra lo que busco es que me sorprendan y me muestren algo original. En mi última exposición incluí en el catálogo una frase de Renoir que decía algo así como: “Uno debe de vez en cuando intentar cosas que están más allá de su capacidad”. Siempre defenderé a cualquiera que haga esto independientemente de su estilo. 

- Se relaciona además a la idea de no perpetuarse en las zonas de confort, no repetirse a sí mismo…asumir nuevos y mayores desafíos.

-Efectivamente, es eso a lo que me refiero. No me gusta ver gente llena de talento que no arriesga nada, creo que tenemos la obligación de aportar algo más. Un artista no debe ser nunca conservador porque, bajo mi punto de vista, entonces dejará de serlo. 



- ¿Su vocación por el arte siempre estuvo definida o fue algo que se dio a través del tiempo? 

-Desde niño ya me sentía atraído por el arte. Vivía al lado del Museo de Bellas Artes de Murcia (MUBAM), uno de los museos más importantes de la ciudad, y de vez en cuando nos acercábamos a verlo. Recuerdo que había una escultura que a mis hermanos y a mí nos daba miedo pero al mismo tiempo nos atraía mucho. 

- ¿Recuerda de qué se trataba?

- Si no me equivoco… no quiero fallar, era una motocicleta y un motorista quemado. Por lo menos es lo que nos parecía a nosotros (risas). Era realmente una pequeña aventura ir allí. Pero nunca me había planteado dedicarme a ello, aunque en la escuela el dibujo era lo que mejor se me daba -cosa que no tenía mucho mérito, porque el resto lo llevaba muy mal (risas)-. En realidad no sé en qué momento decidí ser pintor, estuve muy influenciado como ya te conté por esos artistas que me rodeaban. No fue encenderse un día una luz y decir “voy a ser pintor”, fue más un proceso. 




-¿Qué piensa?¿El talento se hereda o se adquiere? 

-Como en todo en la vida, creo que nacemos con unas facultades más desarrolladas para unas cosas que para otras, si bien es cierto que soy de los que cree en el trabajo. En el tiempo que llevo dedicado a esto he visto en algunas personas una progresión impresionante y eso se consigue con esfuerzo. También he visto la otra parte: artistas que tienen un don especial, que te dejan con la boca abierta, puro talento. Independientemente de esa capacidad creo que la pasión es la respuesta, hay que cultivar ese don, porque como decía Picasso: “Detenerse es perecer”.

- ¿Cómo es su proceso creativo? ¿Se levanta y pinta lo que se le pasa por la cabeza, o por el contrario, piensa y planifica su trabajo?

-Casi siempre parto de una idea, ésta a veces viene sola y otras me pasó horas pensando e indagando.Normalmente me gusta tenerlo todo atado antes de empezar, el problema es que en la pintura al final es ella la que te lleva donde quiere y muchas veces varía de lo que tenías planificado. Pero eso al fin y al cabo ¡es lo fascinante del arte!



-Representa con frecuencia paisajes y escenas de la vida urbana ¿El entorno es lo que más te inspira?

-Sí, somos parte de lo que nos rodea y en buena parte somos lo que vemos. Siempre he querido transportar al espectador a esos momentos que he vivido. No hay nada más triste que pintar lo que no has sentido, es un vacío que no se puede describir. 

- Pinta además figura humana sobre tablones, es original el soporte y la perspectiva que elige…

-Todo viene de la escultura, siempre me ha fascinado la madera. Tallaba sobre tablones de cedro y un buen día me quedé observando uno de ellos, sentí que quería pintar algo ahí. Tenía claro que quería dejar vista parte de ella porque cada veta es casi una historia, tiene algo mágico. Comencé a hacer bocetos y no me convencía ninguno hasta que di con la perspectiva adecuada, que fue la que hizo darle sentido a todo.


- ¿Cómo es el panorama del arte figurativo en España? ¿Tienen lugar en los museos y galerías los pintores, o se destacan más las propuestas ligadas al happening y las instalaciones?

-A niveles de mercado está claro que esas propuestas están tomando más protagonismo, pero siempre es bueno ver lo que se está haciendo, no tener prejuicios es muy enriquecedor. Hay mucho talento y hay que aprovecharlo para coger nuevas ideas. Es cierto que el arte figurativo está vetado en algunas ferias, pero no quiero unirme a ese discurso. Creo que también se están creando obras en las que este tipo de manifestación tiene clara aceptación. El tiempo es ese juez insobornable que pone a cada uno en su lugar. Hay que ser positivo.

- Hacer arte que sea innovador es una posibilidad, pero esto no significa que tenga que ser ilegible. Muchas veces se asume la idea de vanguardia como la descripción de una realidad ilegible, que hay que decodificar, y no tiene por qué ser así… 

- Creo que tenemos opiniones muy parecidas, sólo hay que darse una vuelta por las redes sociales para ver que se están haciendo obras maravillosas con un lenguaje muy claro para el espectador, la pregunta es ¿esto debe ser sólo así? Soy de los que piensa que no hay que ponerle puertas al campo, cada uno debe hacer lo que estime, siempre y cuando lo que haga sea sincero. El problema es desgraciadamente que hay muchas personas dispuestas a satisfacer al mercado antes que seguir su propio camino. 


-Es interesante que, sin abandonar la técnica, el artista pueda abrirse hacia otros lenguajes para potenciar y enriquecer el propio… 

-Decía (Miguel Ángel Mayo) Golucho, uno de los pintores españoles que más admiro que “si el discurso o la técnica superan la obra, ésta no vale”. Creo que la virtud está en el término medio y es tan importante una cosa como la otra. Uno puede tener una técnica fabulosa y no transmitirte nada, dejarte más vacío que antes de verla, y al contrario, tener muchas ideas y no saber cómo llevarlas a cabo.

- ¿Cómo ha impactado la crisis que se vive en España en el escenario de las artes plásticas? 

-Pues hemos pasado las de Caín; el desempleo creció y los sueldos bajaron, el nivel adquisitivo es menor, con lo cual se compra menos. Además, el impuesto cultural subió del 8% al 21%. Si miro el lado positivo pienso que, si de algo ha servido esta crisis, ha sido para reinventarse a sí mismo. La mayoría de los artistas están dando lo mejor de cada uno, y la creatividad aflora por todos lados. 


-¿Qué opina del ambiente pictórico latinoamericano y qué talentos destaca? 

-Creo que gracias a internet el nivel artístico en general ha crecido; nos empapamos unos de otros y eso es muy bueno. Estuve a punto de exponer en Argentina con un grupo de artistas pero el proyecto quedó en el aire. Sería maravilloso poder presentar mi trabajo allí, ahí lo lanzo por si alguien recoge el guante. Entre los artistas argentinos que más admiro se encuentra Antonio Berni, es increíble cómo trabaja la figura, resulta atrayente la variedad de expresiones distintas que podía captar. Sin duda fue un hombre al que admirar por su pintura y su compromiso social. También me quedo con el ilustrador Ciruelo al que sigo desde hace muchos años. Respecto a los artistas latinoamericanos actuales me gustaría nombrar a Edgar Noé Mendoza, para no perderse su realismo mágico.

-¿Proyectos que esté encarando?

-Ahora mismo estoy inmerso en un proyecto, “Sótano” en el que tratamos de darle una vuelta de tuerca a lo que es una galería tradicional. Un proyecto en el que estamos trabajando varios artistas (Álvaro Peña, Cristóbal Pérez, Marcos Amorós, Patricia Gómez, Silvia Viñao). Estoy preparando también una nueva exposición en la Galería Léucade con Diego Inglés en el que vamos a intentar fusionar su escultura con mi pintura. 

Elige tu propia obra: 

“Paula es el cuadro del que estoy más satisfecho hasta ahora” 

-¿Cuál es la historia de la obra que seleccionó para ilustrar esta entrevista? 

-Este cuadro que os presento se titula “Paula”, es un óleo sobre tablones de nogal de 85X85cm. Desde que empecé a pintar siempre me gustó representar niños, quizá porque me devuelven a mi infancia, una época que recuerdo con especial cariño y que compartía con mis hermanos, pues pertenezco a una familia numerosa. En este caso represento a Paula, mi sobrina. La he pintado desde que ella era un bebé, pero han sido retratos en formato y soporte habituales, sin embargo, siempre había tenido la sensación de que estos cuadros no terminaban de reflejar el espíritu de la niña. Quería crear algo que rompiera con esas dos dimensiones y tuviera vida propia, que representara realmente su pequeña personalidad, su vitalidad. Después de darle muchas vueltas y hacer varios bocetos, comprendí que si quería darle vida tenía que utilizar un soporte también vivo. Elegí los tablones de madera, en este caso el nogal, así como el color rojo que predomina en la obra dándole una sensación de fuerza y viveza. Este cuadro es del que estoy más satisfecho hasta ahora, porque gracias a estos soportes, mi técnica, más tradicional, resulta más contemporánea, más fresca en el ambiente en el que se desarrolla. También lanza un mensaje: los juguetes que aparecen con la niña son considerados aún hoy día como juguetes de niños varones, creo que esa idea está obsoleta y es hora de cambiarla, por lo que el cuadro además de un retrato es un llamamiento a la igualdad de género. 

Perfil:

Carlos Montero Gil nació el 16 de noviembre de 1971 en Murcia, España. 


Menciones/Reconocimientos:

-2º Premio Certamen de Arte Valbusenda (Zamora 2014) -Accésit Certamen de Pintura de Cehegín (Murcia 2014) -1º Premio de Pintura Ciudad de Almería (Almería 2014) -3º Premio Certamen de Pintura Valbusenda( Zamora 2013) -Finalista LXXI Premi Centelles.( Barcelona 2013) - 1º Premio II Certamen Nacional de Pintura Villa de San Javier. ( Murcia 2013) - 1º Premio XII Concurso de Pintura al aire libre Los Martínez del Puerto. (Murcia 2013) - 1º Premio XIV Concurso de Pintura Concejalía de Igualdad, Ayuntamiento de Molina de Segura.( Murcia 2013) - 1º Premio VIII Certamen de Pintura Beneixama (Alicante2012) - Adquisición I Certamen de Pintura Casco Histórico de Lorca (Murcia2012) - Finalista en el IX Certamen Internacional Toledo Puche de Cieza (Murcia2012) - - 1º Premio Certamen de Pintura Lorca Taller del Tiempo(Murcia2011)- 1º Premio Certamen de Pintura deCastalla (Alicante 2011), entre muchosotros.

Sus gustos:

Un libro: “Batman, el regreso del caballero oscuro”, un cómic de Frank Miller
Un grupo de música: Whitesnake
Un disco: “Master of puppets” de Metallica
Una canción: “Necesito droga y amor” de Extremoduro
Una película: “La lista de Schindler” (Steven Spielberg, 1993)
Un hobby: Disfrutar la vida

Contacto:

Facebook: www.facebook.com/carlos.monterogil.1
Web/Blog: www.carlosmonterogil.blogspot.com

Esta entrevista se publicó originalmente para el suplemento de cultura de Diario Los Andes (Mendoza, Argentina)

Ver además la nota publicada en: 

http://elartederubenreveco.blogspot.com.ar/2015/07/entrevista-carlos-montero-gil-en-el.html?zx=76499e21d0cfa590





miércoles, 24 de junio de 2015

Neuquén Contemporáneo 2015: Rodrigo Alonso, el curador que se comió una estrella


Rodrigo Alonso junto al director de MNBA, Oscar Smoljan 

Hace varios meses, artistas neuquinos y rionegrinos esperan una respuesta por parte Rodrigo Alonso, contratado por el Museo Nacional de Bellas Artes de la provincia de Neuquén, como curador de este evento. Le respondió a la prensa con insultos. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad artes plásticas 


camilareveco.mza@gmail.com 
Argentina


LA PREGUNTA QUÉ LE HICIMOS A ALONSO EN SU MURO DE FACEBOOK: 

Señor Alonso ¿por qué mantiene en la incertidumbre total a los artistas que quieren participar del "Neuquén Contemporáneo 2015" y no contesta sus reclamos?, le preguntó quien suscribe al curador en su cuenta de Facebook 

LA RESPUESTA QUE NOS DIO POR PRIVADO: 

“Oíme idiota ¿Qué querés lograr el mensaje que pusiste en mi Facebook? Si no entendés nada de arte mejor preocupate por estudiar y formarte. O dedícate a otra cosa. No hagas el ridículo haciendo alarde de tu ignorancia. Suerte en tu próxima vida”. 


sábado, 6 de junio de 2015

Lorena Mont: La irrefrenable necesidad de mirar el mundo


Desde Palmira, Mendoza, el trabajo creativo de la fotógrafa Lorena Mont. Su formación, su manera de trabajar y sus nuevos proyectos.

Por Lic. Camila Reveco
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina 

Romanticismo y pasión son las palabras que emanan de todos los lugares a los que puede llevarnos la fotografía de la argentina Lorena Mont (1982). A partir de un estrecho vínculo con la literatura, la mendocina (comunicadora social de profesión) inició su carrera en el plano de las artes de forma autodidacta. “He tenido ayuda de grandes fotógrafos, quienes, desinteresadamente me han guiado”, reconoce. 

Ávida lectora, su medio de vida es la docencia. Vive y trabaja en Palmira, la pequeña ciudad de San Martín que la vio nacer. Lorena Mont vive con su cámara colgada al cuello esperando ese “segundo mágico”. Observa la porción de mundo en la que le toca vivir y desde allí registra el mundo entero. “Me despierto diariamente con el canto de un gallo y en el día me acompañan por la calles los chivitos de enfrente. Chocos y niños correteando…”, describe. 

Recortes que esconden sus pasiones, sus miedos, verdades o mentiras. Recortes que susurran soledades inundadas de silencio. Recortes en los que abundan tantas otras abstracciones melancólicas que saca sin pausa de la poesía que más la inspira. “Alejandra Pizarnik, es una poeta a quien admiro profundamente”, admite. Foto fuerte, intensa y femenina. Foto de mujer profunda y segura. Foto que cubre el cuerpo como si se tratara de una tela de seda. 

La artista, en esta entrevista, relata cómo nace su irrefrenable necesidad de mirar el mundo a través de su cámara. También se refiere a su trabajo creativo y la relación con la literatura.

-Siendo comunicadora y docente ¿Qué te llevó a incursionar en la fotografía?

-Comencé hace varios años un taller literario y el profesor recuerdo que en una oportunidad me dijo: “Escribís con imágenes”. Esa frase quedó haciendo punta en mi cabeza. Pasó un tiempo y se me enfermaron los ojos –me diagnosticaron glaucoma-. El pronóstico que me dieron al principio no era alentador porque peligraba mi vista. En la desesperación de pensar que podía quedar ciega me fui corriendo a una librería a comprarme decenas de libros. Empecé a leer con obsesión. También comencé a pintar y me compré luego mi primera cámara de fotos, una Nikon. 

-Se trató de un intento desesperado por aferrarte a imágenes…

-Todo era parte del mismo plan: miremos todo lo que tengamos que mirar, hoy. Luego… la situación se estabilizó, al menos ya no había señal de alarma. Pero a partir de ahí me incliné por la fotografía. Me sedujo tanto que comencé a estudiar de distintos libros, a mirar tutoriales. He tenido ayuda de grandes fotógrafos, quienes, desinteresadamente me han guiado.


-¿De qué forma se relacionan la literatura y la fotografía en tu trabajo? ¿Lo primero influye y determina lo segundo? 

-La literatura fue quien me mostró que existen infinidades de universos. Me enseñó a mirar: pero no mirar como quien se ve al espejo en las mañanas, mirar penetrando. Tratar de buscar eso que se esconde detrás de todo lo que los demás ven a simple vista. Cuando se vuelve espontáneo ese ejercicio de sensibilidad y se encuentran “escenas” ¿Cómo no contarlas? ¿Cómo no compartir esa belleza? ¿Cómo no gritarlo? Es ahí cuando tenés dos opciones: o sacás el anotador como lo haría un escritor, o sacás una cámara de fotos, como lo hice yo. Pero los dos elementos tienen el mismo objetivo, intentan representar la realidad de una manera “fantástica”. 

-A Julio Cortázar justamente, le parecía curioso que fotógrafos como Cartier-Bresson o Brasai definan su actividad como una aparente paradoja: la de recortar un fragmento de la realidad, pero de manera forma que ese recorte sea una explosión que abre una realidad mucho más amplia. 

-Nuestra memoria es una sucesión de fotografías. Recordar un momento es ver una foto fija, un recorté finísimo de nuestra historia. Aquello que parece una exigencia me parece por el contrario una ventaja si hay capacidad de síntesis. Una fotografía puede ser una historia. Tiene tiempo, atmósfera, ritmo, tono, personajes… El reto está en combinarlos de tal forma que el espectador “vea” a partir de ese recorte algo que está mucho más allá.


-Tus fotos ¿Qué muestran de tu historia personal, de tu pasado?

-Todo. No hay expresión artística que no hable de uno. Somos memoria. Mis fotografías muestran cómo escribo, qué escucho, qué leo, qué sueño y a qué le temo. 

- ¿Sos una persona solitaria?

- Sí, soy una persona solitaria. Me gusta la soledad y el silencio. Disfruto muchísimo viajar sola y estar en contacto con la naturaleza. Los momentos se vuelven eternos y siento que puedo crear con más profundidad. 




-Dijiste “recordar un momento es ver un foto fija”. El fotógrafo se ve exigido a escoger una imagen -y sólo una-. El cuentista debe elegir un solo acontecimiento la hora de narrar…

-La fotografía debe provocar lo que tiene un cuento para llevar al lector hasta el final: un gancho. La foto provoca algo así como una “explosión” en los ojos que invita a ir un poquito más allá. Como sucede en un cuento: un buen cuentista sabe resolver eso en el primer párrafo. La imagen abandona su apariencia real para ser representada en un mundo más amplio y lleno de percepciones. El fotógrafo puede crear mundos literarios con un simple click. 

-¿El ojo se educa o la sensibilidad es un don innato?

-Creo que la sensibilidad se nutre -a lo largo de nuestra vida- de todo aquello que nos rodea. Somos todo lo que hemos percibido desde la infancia. Ahora, también creo que la sensibilidad no se puede expresar en todos los ámbitos... Quiero decir que no somos buenos en todo. Cada uno tiene habilidades para determinadas áreas, habilidades que tendrá que detectar, desarrollar y profundizar. 


-La fotografía luchó por el reconocimiento durante un mucho tiempo para ser tomada en serio como arte. ¿Cuál será su lugar hoy?

-Creo que muchos conceptos han cambiado porque el arte se ha re significado y el mundo corre a mayor velocidad. Por eso mismo la inmediatez de la fotografía le juega a favor. El número de fotógrafos crece, pero sus universos no se chocan.

-Hoy hacer una foto linda es “sencillo”. Quiero decir: el photoshop y la tecnología en general permite hacer tanto retoque…

-Hacer una foto linda es sencillo. Todos sabemos qué hacer para que “sea todo lindo”. La tecnología retoca digitalmente lo que antes se lograba en forma manual. La manipulación es la misma. No existe la fotografía no manipulada. Desde que planteamos un encuadre, elegimos una u otra cámara, uno u otro lente, una u otra velocidad, estamos manipulando ese instante supuestamente real. Por eso creo que la realidad no existe y la fotografía con edición está bueno que exista.



-Entonces ¿qué te parece que debe reunir un fotógrafo actual para ser realmente bueno?

- Me imagino que debe diferenciarse manteniendo su estilo y siendo fiel a su impronta sin preocuparse en las modas. Debe ser auténtico. Pero que esa diferencia no deber ser producto de un acto forzado. Ser distinto es una consecuencia, no un fin. 

-En tus archivos se ve tanto fotografía documental como artística ¿En qué lugar te sentís más cómoda?

-Comencé con fotografía documental y durante mucho tiempo fue lo que más me atrajo y en dónde también más cómoda me sentí. Hoy por hoy la fotografía artística me apasiona como nada, ni nadie.

-Hay una notoria ausencia de retratos ¿por qué?

-Realmente no me encuentro. Los veo estáticos. Como que… en el retrato está todo dicho e intento decir otras cosas.

-Pero ¿no te parece el retrato un campo de estudio inagotable y un lugar -además- ideal para afrontar desafíos importantes? 

Creo que los desafíos van surgiendo sin que uno los premedite. Seguramente la motivación aparecerá en algún momento y le encontraré la arista inspiradora. Quizás la próxima serie sea de retratos, Quien te dice...

- ¿Cómo es Palmira, la ciudad en la naciste y en donde vivís? 

-Palmira es una ciudad muy pequeña. Siempre me llamó mucho la atención el ferrocarril y su atmósfera de óxido y abandono. Sus casas bajas, mi abuelo tornero y su taller y el viejo zapatero pegadito a la estación. Palmira si fuese música sería un tango. Vivimos en un pueblo con mucha marginación y delincuencia y un olvido que la fomenta. Pero aun así veo siempre a niños jugando a la pelota en el medio de la calle como cuando lo hacíamos nosotros, aquí en el mismo barrio. Me despierto diariamente con el canto de un gallo y en el día me acompañan por la calles los chivitos de enfrente. Chocos y niños correteando y un gran puñado de gente que la pelea diariamente, porque acá a veces todo está muy lejos. Palmira viene siendo el lugar que hoy elijo para vivir y en donde tengo a mis afectos más cercanos, pero no si es mi lugar en el mundo. A veces me imagino más cerca de la montaña, con menos ruido. 




-Describinos la fotografía que has elegido para ser reproducida en esta entrevista

-Elegí “Cruce”. Esta fue una de las primeras fotos que tomé con mi cámara réflex. Hace ya casi dos años y es mi preferida. Fue el puntapié inicial, el primer poema. Estaba, personalmente, en la necesidad de elevarme en plena encrucijada. Apareció “ella” que era un yo desdoblado, enmascarado. Porque “ella” si bien no se ve, no deja de mirarse. La tomé en el piedemonte mendocino, justo en la cumbre de una pequeña colina. Sentí una pequeña brisa y cómo los pies se entregaban. A partir de ella he realizado dos series, una más personal y otra inspirada en Alejandra Pizarnik, es una poeta a quien admiro profundamente.


- ¿Cuáles son tus desafíos próximos?

- Estoy en un proyecto colectivo con cuatro fotógrafos amigos, a los cuales admiro profundamente como artistas y personas: Carlos Leandro Henriquez, Pauline Vingoud, Guadalupe Castro y Maxi Castro. Con ellos planeamos muestras y publicaciones sobre diversas temáticas. Individualmente estoy trabajando en dos series: “Mendoza a contraluz” y “Onírico”. La primera es sobre paisajes mendocinos y la otra son imágenes recreadas a partir de una serie de poemas que llevan el mismo nombre. Sigo con la venta de mis fotos enmarcadas o impresas en canvas o lienzo. 

Sobre Lorena:

Lorena Mont es argentina y vive en la ciudad de Palmira, Mendoza. Nació el 7 de enero de 1982. Profesión: Fotógrafa. Licenciada y profesora en Comunicación Social por la Universidad Nacional de Cuyo.

Gustos:

Un libro: “Árbol de Diana”, de Alejandra Pizarnik

Una película: “Der Himmel über Berlin”. Traducida como “Cielo sobre Berlín”, de Wim Wenders (1987)

Un grupo de música o cantante: Pink Floyd

Un disco: Yendo de la cama al living, de Charly García (1982)

Una canción: Barro tal vez, Luis Alberto Spinetta 

Un hobby: Leer/Escribir/Pintar

Contacto: 

Fan page: Lorena Mont 
Twitter: @lorenamontt
Mail: lorenamont1@gmail.com

ArteBA 2015: A falta de talento, un baño de glamour




Finalizó el domingo 7 ArteBA, la feria más importante del país e incluso de Latinoamérica, según dicen. Un evento en donde reina el fashionismo y la falta de creatividad. La opinión de “los otros”: los pintores "marginados", que no están en las ferias, y que siguen apostando por la técnica y el oficio en este confuso escenario de múltiples tendencias.


Por Camila Reveco
Periodista cultural con especial en artes plásticas 
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina


ArteBA 2015: La feria fue un verdadero desfile por el que pasaron celebridades, seudo celebridades, y aspirantes a celebridades de tido tipo: una jungla de farándula, políticos, funcionarios y exponentes varios de la vanguardia artística de nuestro país -como Marta Minujín, nuestra “Dalí en mujer", según ella.
En su edición 24, volvió a mostrarse como lo que es: una feria snob y elitista, que tiene como misión entretener al público que asiste como si recorriera un gran parque de diversiones a lo Walt Disney.
Si ArteBA es como dicen, el síntoma de esta época, entonces vivimos una época muy pobre.



ArteBA 2015. Participaron en esta edición 81 galerías. 


¿De qué se trata? Se trata de un evento tan vistoso como poco original que para este año la "Fundación sin fines de lucro" contó con acuerdos de empresas como Cabinet, U-TURN Project Rooms by Mercedes Benz, Solo Show Zurich, Photobooth CITI y Barrio Joven Chandon.

Cuatrocientos cincuenta, expositores que representan a ochenta y un galerías de América y Europa, se presentaron con sus ready made, happening e instalaciones de lo más absurdas, rindiéndole un homenaje eterno a Marcel Duchamp y dejando, como es lógico, completamente de lado a la pintura y en un rincón a la obra de artistas de la talla de Antonio Berni o Xul Solar. 

ArteBA 2015 comenzó con un tremendo papelón que delata su esencia. En su intento por mostrarse innovadora, los diseñadores de la feria fueron denunciados públicamente por pagliar el spot de la presentación oficial a la campaña de FIAC 2012. Tuvieron que bajarlo y salieron a dar todo tipo de “explicaciones”: “Nos entusiasmamos con la referencia”, dijeron. ¿Vieron de lo que les hablo? No tienen ni siquiera intenciones de disimular su obscena banalidad.


Todos quieren ser Duchamp

¿Quienes expusieron? La gran mayoría es un grupo de “artebabeados" a los que venden como "artistas jóvenes emergentes" que año tras año, también se entusiasman con las referencias que dejaron los falsos vanguardistas que estuvieron el año anterior, y el anterior y el anterior.

Todos y cada uno, no hacen más que copiar impunemente a aquellos artistas que ha comienzos del siglo XX si supieron patear el tablero y "romper" con los estilos del pasado, con la gran diferencia de que los desafortunados imitadores del siglo XXI no tienen una postura definida hacia el arte o la estética y mucho menos una postura de su papel en la sociedad. No les interesa ni la lucha, ni el combate, ni el enfrentamiento ¿A quienes provocan?
Sus causas son frívolas: quieren que la gente los vea como "artistas", como seres "especiales" y diferentes al resto, pero sin talento alguno. Mientras más figuren en ArteBA o cualquier feria de similares características, mas "posicionamiento" van a tener, por eso persiguen una presencia sistemática.

(Arriba) La ganadora: Premio adquisición Chandon, de este año.  Obra de Valeria Maggi: "Sin título" - Óleo sobre tela - 200 x 150 cm. 


La familia esta feliz de tener a un artista en casa...

(Arriba) El galerista Juan Carlos Bendana-Pinel con obra de Giancarlo Scaglia en su galeria. Mercedes Benz.


"El escritor" de Mauricio Ianes en la Galeria Vermelho.


¿Hay excepciones? 

Claro que sí, como en todo. Habrá alguno al que se le cae una idea. Hay muestras de talento, o al menos de trabajo, pero son sólo eso: excepciones. También hay artistas realmente buenos, que están ahí sin representar el espíritu snob de la feria, como el caso del escultor mendocino Chalo Tulián, invitado por el Museo de Arte Moderno de Ciudad que hace dos años consecutivos participa del evento. 

Pero... ¿en qué tenemos que sincerarnos?

Sucede que bajo las falsas premisas “Todo es arte” y “Todos somos artistas” -hay que ser muy ingenuo para creer que realmente es así-, reina la improvisación absoluta y la falta de creatividad y esfuerzo.

Triste espectáculo el de estos expositores que tienen la necesidad imperiosa de auto denominarse artistas con propuestas que nada tienen de reflexivo, consciente y mucho menos de crítico ni con la propia obra ni con la época que vivimos. Tampoco son obras "osadas", señores especialistas en arte. Lo más osado e ingenioso son los discursos curatoriales.


¿Yoko Ono? No, es una obra de Luz Maria Bedoya en Document Art Gallery Citi - ArteBA 2015.


Gabriel Baggio en la Galeria Slyzmud - ArteBA 2015. 


Osvaldo Romberg en Galeria Henrique Faria.

Los "Sin título" abundan y este es un caso. Título: "Sin Título" - Máximo Pedraza - ArteBA 2015


Falsa vanguardia. Pabli Stein con su obra en Proyecto A Arte Contemporáneo.


Sorprende que en general se trate de gente joven (los “treintones” abundan) y que muestren una urgencia tremenda por exponer. No les importa que tan depurada sea su propuesta, que tan compacta y coherente sea su obra. "Si uno mira la historia del arte verá que la calidad plástica llega con la experiencia", dijo el gran Macció, en el marco de la feria, decepcionado por lo que sus ojos veían. Estos jóvenes estarán amparados por el ingenioso discurso de los curadores que justifica cualquiera de sus propuestas. Por eso pueden nadar en un océano de inspiración (?) orgásmica y el ArteBA les permite, por un ratito, creerse en la cresta de la ola. Cuanto antes expongan y más figuren ¡mejor!: más oportunidades tendrán para estar en las revistas de peluquería, tomar champagne paseando por los salones, lucir look extravagantes con raros peinados nuevos y de gozar, claro, de una muy efímera fama porque para la próxima feria nadie sabrá quiénes son ¿Alguno recuerda el nombre de un performer del ArteBA 2014?
¿En qué momento el arte se volvió tan elitista, frívolo y banal? 
De todo lo que ofrece este evento, lo que menos nos queda en la memoria son los nombres de sus expositores, porque lo que menos le importa a la gran maquinaria del “arte contemporáneo” son los artistas.
El circuito elitista al que responden y al que deben adorar es el único que la pasa realmente bien. Son los que se quedan con la gran porción de la torta ¿Para el artista? Apenas un mínimo porcentaje… Pero bueno, ¡a no quejarse! sus amigos y familiares seguirán diciéndoles que son "bárbaros", que lo que hacen esta "buenísimo". Otra cosa: al primer comentario negativo saltan ofendidos (es gente muy susceptible) : "Si no te gusta, no hablés", "Si no entendés, no ataques". Ellos sólo quieren halagos. 

Pero no se puede tapar el sol con un dedo: este ArteBA decepcionó y lo dijeron muchos. 

Y si nuestra feria glam, con sus críticos glam y curadores glam, de galerías glam, no les da cabida a los mismos expositores para el año próximo... no olviden que siempre se puede aspirar a otros destinos aún más top que el nuestro y en el EX-TE-RIOR ¿Por qué no el Artexpo en Nueva York? (ahí sí que está la meca) ¿o la Art Basel en Miami?

¿Osado? ¿moderno? ¿interpelador? - “Pragmatismo 4” de Martín Legon - ArteBA 2015.


Lo vendieron como arte, entonces es arte. Nicolás Ponton con su obra en Proyecto A Arte Contemporaneo.


Lo cierto es que nuestra ArteBA,  lejos de generar tendencias, es un evento que se repite así mismo -y a su vez imita (con menos presupuesto) a las ferias de otros países.  Así como sus diseñadores copian un spot para armar un video de apertura, los que exponen se copian entre ellos año tras año, y la feria en sí se la pasa  “en puntita de pie” tratando de ver que se hace en Estados Unidos o Europa para copiarlo acá al año siguiente.

¿Cuál fue el reto del autor al enfrentarse a este trabajo? - Gabriel Baggio en Slyzmud 

¿Ruptura artística? ¿Un reto para la inteligencia? - Gilda Mantilla, Raimond Chaves y Jerry B. Martin en Galeria Revolver.

"¿Y esto que es?", pregunta una persona en el fan page de Arte BA. 
Le responden con ironía: "Es arte. No entendés nada"
En la foto Ignacio Liprandi en su galería con obra de David Lamelas.


No hay forma de someter a una crítica estas propuestas. No existe ningún método que permite abordar alguna interpretación. No hay forma, extensión, volumen, color ni variaciones en los detalles. No hay nada. Es el vacío mismo. Simplemente no son obras de arte y no están ejecutadas por artistas. Ojalá empecemos a tener el valor suficiente de decir públicamente: !Dejen de tomarnos el pelo! 

En definitiva, ArteBA no representa a los artistas. Lo que logra es desprestigiar el talento, el estudio, la técnica y el oficio de miles de dibujantes, pintores y escultores a los que excluye. 

No pueden convocar a Alfredo Araujo Santoyo de Colombia, o a Javier Arizabalo García de España, o a Alejandro Rosemberg de nuestro país y decirles: “La tendencia para el año próximo es la mancha roja… ¡el rojo está a full!”. 

Hay quienes si saldrán corriendo a la pinturería a comprar tarros y tarros de pintura roja para cumplir con las exigencias de la galería, para sentirse “artistas” aunque sea por el lapso de la feria. Pero “los otros” -hay muchos “otros” en el mundo- están pintando, quieren pintar y no tranzan por más desalentados que muchas veces se sientan.



“Los otros” 
se encuentran 
al margen de las modas 
y están abocados 
a su trabajo 
con esfuerzo y seriedad.


Aquí, comparto fragmentos de las entrevistas que le realicé a pintores y dibujantes contemporáneos de América Latina (sí, ellos también son contemporáneos) que se unen -sin saberlo- para reivindicar la belleza. Algunos gozan de prestigio, producto de su trayectoria y perseverancia; otros todavía no logran encontrar lugares en donde exponer, más allá de su talento. 

Sus impresiones sobre este escenario.

Alejandro Rosemberg
Pintor argentino



-“El siglo XX, a partir de las vanguardias históricas, ha cuestionado a la belleza –junto al oficio- como valor intrínseco de una obra de arte (idea heredada de la antigua Grecia clásica y tal vez arbitraria) y cultivado en su lugar una estética que tuvo que ver más con la fealdad y el shock o la novedad; y que no juzgo como algo “bueno o malo”, “arte o no-arte” y no me parece una discusión muy fértil ya que los propios conceptos de “arte” o “artista” están hoy desacreditados”.

Alfonso Fernández Benítez
Pintor mexicano



-“Creo que en el arte es importante por un lado dominar los materiales y las texturas, pero también hay que ser inteligente; sucede que algunos ocupan su inteligencia sólo en vender y posicionarse, y otros en pintar y hacer bien su trabajo sin importar lo que opinen los demás y por supuesto, más allá de las modas. Siempre lo que esté bien hecho, ocupará en algún momento el lugar que se merece”.




Darío Mastrosimone
Pintor argentino


-“Estamos viviendo en una sociedad vacía de valores, consumista, improvisada e impersonal, priman las modas impuestas, es superficial -lo que hoy se endiosa mañana se descarta- y hay una gran desvalorización del esfuerzo y del trabajo. Entonces mucho del arte contemporáneo peca por poseer esas características. Siendo un arte vacío de valores, consumista, improvisado, impersonal, con imágenes sin contenido y por lo tanto superficial”. 

Juan Medina
Pintor mexicano



-“Creo que saber “el oficio” es lo más importante en esta actividad. Es el lenguaje con el que después se dice -o no- una historia”. 


Guillermo Lorca García Huidobro
Pintor chileno


- (En la universidad) “tenía discrepancias irreconciliables con varios profesores.Me parecía que todo estaba sujeto por un discurso del estilo post-conceptualista, en donde aprender la lógica interna de ese discurso era suficiente para crear obra y satisfacer al profesor. Si bien el discurso tiene una lógica interna, me parece en el arte su materialización representa su decadencia”.

Rocambole
Pintor argentino



-“Tomo distancia de la palabra “artista” porque la encuentro muy manoseada. Veo muchas veces al arte contemporáneo reproduciendo situaciones que se dieron hace más de noventa años con los dadaístas. Y veo mucha gente que se autotitula ‘artista’ y que yo no quiero ser como ellos”.

Alfredo Rodríguez
Pintor mexicano



-“Yo creo que la pintura realista siempre existirá. Personalmente considero que el realismo es como la música clásica, que se ha producido por muchos siglos, y sigue siendo tan popular como siempre. Mucha gente prefiere al realismo porque se pueden identificar con este medio de la manera más sencilla, sin necesidad que les “expliquen” lo que están viendo”. 

Mauro Cano
Pintor argentino



-“No me interesa mostrar cantidad y si tengo tres obras para mostrar, que entonces sean tres. Esa decisión tiene un costo comercial porque se puede participar en menos concursos, y por sobre todo a las galerías no les interesa un pintor que genere poco, porque a ellos les interesa vender”.

Helmut Discht
Pintor argentino





-“Mi obra No necesita de interlocutores, ni traductores, dialoga directamente con el público. Ese es el problema de los circuitos del arte y su sometimiento dogmático que excluyen al público. Tienen una postura ideológica totalmente excluyente. Hay que lograr una reivindicación de la belleza, porque todo eso ha sido una mala palabra durante décadas”.


Rubén Reveco
Pintor argentino



- “Se ha formado un circuito snobista que dicta cátedra sobre lo que es y no es arte. Creo que muchas de las propuestas del arte contemporáneo, de la vanguardia, alejan al espectador de la obra de arte; porque son manifestaciones incomprensibles. Hay un circuito cerrado, elitista y muy efectivo. El que queda excluido es el público que no se atreve a decir frente a una instalación: “Eso no me gusta” -al menos en voz alta-, porque tiene miedo de pecar de ignorante. Prefiere decir: “Yo no entiendo”, “no sé nada de arte”, “no puedo opinar porque no conozco”.

Pablo Solari
Pintor argentino



-“Una obra para ser considerada arte, debe tener claridad, integridad y terminación. Yo me esmero en la terminación pues es como me gusta a mí, es el resultado que busco. Generalmente en la terminación, en los retoques finales, llevo más tiempo y angustia que en la ejecución del resto de la obra. Tengo la idea que una obra para ser arte debe ser algo serio, elaborado, no algo improvisado como algo instintivo. Debe representar el interior del artista, debe reflejar el mensaje que quiere dar. Y un mensaje mal terminado no tiene fuerza, ni vehemencia. Yo no sería capaz -por respeto al arte que llevo en mí, y que me da sentido a mí mismo-de hacer una mancha. Luego pensar que puede ser, y lo peor: hacerle creer a los demás que esa mancha es arte”. 

Félix Pablo Villagra
Pintor argentino



-“Una vez que se ha transcurrido toda esa etapa de aprendizaje, pueden hacer lo que quieran. Romper. Pero primero tienen que demostrar que saben. Estas nuevas rupturas a mí no me agradan. . Cuando se sabe que hay trabajo, estudio, esfuerzo se nota en el producto final”. 


Juan Manuel Jaimes Roy
Pintor argentino


-“Creo todo lo que surgió en los tiempos reales de la vanguardia, ya no sustenta, no identifica, a gran parte de pintores o de escultores. Y creo además que el hombre contemporáneo ha superado a las manifestaciones que hoy se autodenominan de vanguardia. Todo arte que necesite de una explicación para su compresión, falla. Esas propuestas, que hoy se ven con gran despliegue, han estado avaladas por un mercado que vio en su momento la veta comercial. Un mercado que creó supuestos artistas que producen cantidad en vez de calidad. La liviandad del resultado es lo que aleja al público. Las muestras están pensadas para entretener. Y eso es delicado: se confunde el hecho de ver un producto artístico con la idea de pasar un momento divertido”. 

Adriana Villagra
Pintora paraguaya


- “Uno ahora puede acceder a información sobre pintores en otros países, conocer sus obras e incluso comunicarse con ellos, compartir experiencias y entonces uno ya no se siente tan solo como probablemente haya ocurrido con artistas que iniciaron sus carreras en los 80 y los 90. Épocas en la que los circuitos tradicionales del arte dejaban a un lado la pintura realista tratándola de “arte copista” y privilegiando un arte más conceptual, pobre en oficio pero que respondía a las “tendencias” del arte en ese momento que la mayoría de las veces están marcadas por las bienales, ferias de arte, curadores o galeristas con poder. Creo que las acciones colectivas son muy importantes para lograr que un estilo logre afianzarse y generar nuevas oportunidades para que los jóvenes talentos encuentren un lugar donde mostrar sus trabajos”. 


Daron Mastropiero
Dibujante argentino




-"Es obsceno el nivel de descaro al que se llegó porque los que tienen el poder -que dictaminan a qué artista le dan un espacio y a cuál no-. Trabajaron tanto la moral colectiva que se llegó a un punto oscuro en el que se asimila que es “normal” no tener un lugar para exponer y no vivir de lo que querés. La esencia artística murió, fue descuartizada; sólo quedó el negocio de los que venden por millones de dólares, porque fueron designados como los “artistas conceptuales consagrados”. Estamos en la época en la que un curador y un galerista valen más que un artista o la obra en sí misma. Se aisló al pueblo de este “arte conceptual de vanguardia”. Sólo se concentran en el dinero. Que todo un sistema de galerías banque a unos quitándole la oportunidad a otros es deplorable. No hay gestión cultural que permita becar a artistas, ni hay lugares que den espacio, comodidad, seguridad en la integridad de las obras". 


Nota: Cada una de las entrevistas han sido publicadas completas en el suplemento de Cultura de Diario Los Andes (Mendoza, Argentina) y se pueden visitar en este blog.